Собрание авангардных литографий из частных коллекций объединено в выставке, организованный Питерским арт-центром «Перинные ряды», которая сейчас отправилась в гастроли по музеям России,а вплоть до нового года (с 8 по 23 декабря) будет гостить в брянском художественном музее. Кандинский, Брак, Шагал, Мане, Магритт,
Эрнст и другие представители той эпохи! Был сегодня, понравилось, полтора часа созерцания и приобщения к прекрасному..
ЗЫ: в самом зале достаточно холодно, так что идите в верхней одежде))

История авангарда

Термин «авангард » происходит от французского слова “avant-garde ”, что переводится как «передовой отряд ».

Авангард в искусстве объединяет целый ряд школ, имеющих самую разную, а порой и вовсе противоположную идейную основу. Объединяет художников-авангардистов отказ от классической эстетики, новаторские идеи и активный поиск экспериментальных методов их художественной реализации. Так в качестве новых способов рисования авангардистами использовались пульверизатор, штукатурная лопатка, половая тряпка или даже раздавленные ногой тюбики краски для эффекта «дикого мяса».

«Искусство для нас - это приключение в неведомом мире, который исследуют только те, кто готов идти на риск. Мы за широкий формат, потому что он разрушает иллюзию и открывает правду ,» - писали о себе авангардисты и добавляли: «Не бывает такой вещи, как хорошая живопись ни о чем ».

Знаменитые художники-авангардисты и особенности их стиля

Художники-авангардисты не рисовали, а «думали» свои картины. Целью творчества они видели не просто художество, а разрушение преград между различными видами искусств, пропаганду новых идей в живописи, музыке и театре. Их творчество создало целый мир, который, по словам Василия Кандинского, «с виду ничего общего не имеюл с действительностью ». По его же мнению, именно импровизация в виде цветовых пятен и линий, а не классический сюжет, является носителем духовного начала.

картина Кандинского

О Василии Кандинском

Полотна знаменитых авангардистов стали отражением ярких мыслей неординарных личностей. В тоже время почти все их работы с первого взгляда кажутся хаотичными, как это свойственно работам гениев.

Большинство авангардистов в поисках своего изобразительного языка пытаются скрестить остросовременное искусство и древние традиции. Так Марк Шагал в цикле литографий именуемой «Библия Шагала» обращается к иудейской культуре, запечетлевая прародителей еврейского народа в наивной и эмоциональной форме.

Марк Шагал «Иллюстрация к библии»

О художнике Марке Шагале

Американские авангардисты называли себя «мифотворцами », потому что изображали древние символы индейских мифов

.
Карел Аппель «Три фигуры»

Авангардисты Карел Аппел и Пьер Алешинский в своем творчестве восхваляли искусство примитивных народов и аутсайдерскую культуру, создавая арт-объекты из найденных на свалках предметов. «Если я рисую как варвар, это только потому, что я живу в варварский век » - заявлял Карел Аппель.

Творчество многих авангардистов было неотделимо от революции. Так после революции 1945 года во Вьетнаме многие художники покинули свои дома и города, отправившись вместе с партизанами и войсками сопротивления в леса. Прямо в джунглях в 1950-ом году было организовано художественное училище, которое возглавил один из лучших местных авангардистов - То Игон Ван. Его ученики делали зарисовки военного быта, создавали патриотические агитационные плакаты и листовки.

Другие художники расширили или даже вышли за рамки авангарда, создав новые художественные течения. Так, к примеру, венгерец Виктор Визарелли стал основателем «оп-арта » - искусства, «обманывающего » глаз и мозг зрителя с помощью оптических иллюзий.

Виктор Визарелли и авангард в Венгрии

Расширив границы современного искусства, авангардисты перенесли мировую столицу искусства из старого Парижа в новый, динамичный Нью-Йорк. Отсутствие конкретики натурализма, простые и яркие цвета, несложная конструкция из простых предметов так свойственные авангардизму предвосхитили возникновение нового художественного стиля - минимализм.

Другие картины с выставки «Авангард 20 век»

Алан Д’Арканджелло

Андре Маршан

Бернард Бюффе

Клод Мюльхаузен

Рене Магритт

Сальвадор Дали

Posted on Nov. 17th, 2012 at 07:00 pm |

Подробности Категория: Разнообразие стилей и направлений в искусстве и их особенности Опубликовано 29.05.2014 13:17 Просмотров: 7264

Слово «авангардизм» пришло в искусство из военной терминологии: французское avant-garde означает: «передовой отряд». Отсюда становится понятно, что применительно к искусству рубежа XIX-XX вв. авангардизм можно считать передовым явлением в искусстве в отношении предшествующего периода.

История термина

Итак, история термина берёт своё начало в военном деле: авангард – отряд, выдвигающийся вперёд по движению войска; передовой отряд.

Карл Пиппих «В авангарде»

Затем у слова появился политический смысл: в годы Французской революции так назывался якобинский журнал, и в 1794 г. слово стало революционной метафорой. Поскольку в политических процессах значение художника (в широком смысле слова) всё больше обретало ведущую роль, то и творчество сближалось с политическим авангардом, а иногда даже отождествлялось с ним.

Окончательно термин «авангард» в его художественном значении сформировался в начале XX в. и был тесно связан с политикой. Ему был присущ политический радикализм, пришедший из утопических и анархических идей.
Следует отметить, что существует и другой термин, близкий по значению с термином «авангардизм» – «модернизм» («современный»), но эти термины всё-таки не тождественны.
В советском искусствоведении долго время (почти до 1980-х гг.) авангардизм трактовали как антиреализм.
До сих пор не существует типологии модернизма и авангарда (авангардизма) как литературно-художественных явлений. В общем надо понимать авангардизм как передовое явление в искусстве, отрывающееся от традиционного. Когда появились новые тенденции в искусстве (символизм , например) – это уже было проявление авангардизма.

Авангард в изобразительном искусстве

Авангард в изобразительном искусстве тесно связан с различными течениями: модернизмом, абстрактным экспрессионизмом , беспредметностью, дадаизмом , конструктивизмом , кубизмом , примитивизмом , супрематизмом , сюрреализмом , футуризмом , экспрессионизмом и др.

Нико Пиросмани «Актриса Маргарита» (1909). Наивное искусство

Авангард в литературе

Первым текстом, который относят к авангардному, считается роман Л. Стерна «Жизнь и мнения Тристрама Шенди, джентльмена» (1759 г.). Этот роман появился так рано, что его с большой натяжкой можно назвать ниспровергающим каноны, так как сами каноны романа к этому времени ещё не устоялись.
А вот в начале XX в. многие европейские и американские писатели увлеклись экспериментированием с формой. Самыми известными произведениями авангарда того времени были работы Томаса Элиота, проза и драматургия Гертруды Стайн.

Гертруда Стайн (1874-1946)
Наиболее значительным послевоенным экспериментальным произведением считается роман ирландского писателя Джеймса Джойса «Улисс». Он оказал сильное влияние не только на литераторов авангарда (Вирджиния Вулф, Джона Дос Пассос), но и на более традиционных писателей (Эрнест Хемингуэй).
Авангардные направления в литературе продолжили футурист Филиппо Томмазо Маринетти, который взрывал не только границы традиционного литературного повествования, но и типографского оформления книг; сюрреалист Робер Деснос, написавший роман под гипнозом. Полумистический роман Джека Керуака «Видения Жерара» представил новый формальный подход к стандартам повествования того времени.

Уильям Берроуз (1914-1997)
Дух европейского авангарда жил и в литературе нового послевоенного поколения. Поэт Исидор Ису основал группу леттристов, которые в своей прозе, стихах и фильмах исследовали границы между устным и письменным словом. 1960-е годы отмечены непродолжительным взлётом модернизма и появлением постмодернизма. Роман Уильяма Берроуза «Голый завтрак» восхитил идеей неограниченной и неподцензурной свободы. Берроуз известен также как создатель стиля «cut-up» (метод нарезок), когда произведение компоновалось из отдельных строк и текстовых фрагментов, вырезанных из различных книг и газет.

Хулио Кортасар (1914-1984)
В 1970-е и 1980-е гг. наиболее известными писателями-экспериментаторами были Итало Кальвино, Майкл Ондатже, Хулио Кортасар. Аргентинец Хулио Кортасар – латиноамериканский писатель, смешивавший фантастические зарисовки, журнальный стиль и художественную литературу. Невозможно не вспомнить колумбийскую семейную хронику «Сто лет одиночества» Габриэля Гарсиа Маркеса и др.

Габриэль Гарсиа Маркес (1928-2014)
Современные американские авторы Дэвид Фостер Уоллес, Джаннина Браски и Рик Муди сочетают некоторые экспериментальные формы 1960-х годов с иронией и более выраженной тенденцией к доступности и юмору. Николсон Бейкер склонен к малым формам. Его бессюжетный роман «Бельэтаж» в стиле потока сознания на протяжении 140 страниц описывает подъём офисного клерка с этажа на этаж на эскалаторе во время обеденного перерыва. Американский писатель Марк Данилевский в романе «Дом листьев» комбинирует элементы хоррора (литература ужасов) с академической литературой и типографскими экспериментами.
В начале XXI в. экспериментальная литература использует компьютерные и информационные технологии. Такие произведения называются по-другому электронной, гипертекстовой или кодированной литературой.

В. Маяковский в 1910 г.
В русском литературном авангарде самыми видными фигурами являются, конечно, Владимир Маяковский и Леонид Андреев.

Авангард в драматургии

Родоначальником символистской драмы считается бельгийский франкоязычный драматург Морис Метерлинк. Затем Г. Ибсен, Л. Андреев и др. А в XX в. появляется авангардная драма с приёмами литературы абсурда. В пьесах позднего А. Стриндберга, Д. И. Хармса, В. Гомбровича и др. изображается абсурдная реальность, поступки персонажей нередко алогичны.

Э. Ионеско
Представителями драмы абсурда являются Э. Ионеско, С. Беккет, Ж. Жене, А. Адамов. Абсурдистские мотивы развивали в своих драмах Ф. Дюрренматт, Т. Стоппард, Э. Олби, M.Волохов, В. Гавел.

В. Гавел – чешский писатель, драматург, диссидент, правозащитник и государственный деятель, последний президент Чехословакии и первый президент Чехии

Русский авангард

Расцвет русского авангарда относится к 1914-1922 гг. Основными направлениями и их представителями были Василий Кандинский (абстракционизм), Казимир Малевич (супрематизм), Владимир Татлин (конструктивизм), Владимир Маяковский (кубофутуризм).

Е. Гуро «Портрет Матюшина» (1903)
В Санкт-Петербурге создан Музей петербургского авангарда. В 1912-1923 гг. здесь жил выдающийся деятель русского авангарда живописец, скрипач и композитор Михаил Матюшин (1861-1934) с супругой Еленой Гуро (1877-1913).

Музей петербургского авангарда

Дом стал своеобразной штаб-квартирой русских футуристов. Здесь часто бывали К. Малевич, П. Филонов, Н. Костров, Е. Магарил, литераторы М. Горький и А. Крученых, жили и работали В. Маяковский и В. Хлебников.

Марк Шагал «Я и деревня»
Музей демонстрирует основные этапы становления и многообразие петербургской авангардной культуры.
Нигде и никогда авангардизм не был таким радикальным, страстным, разнообразным и безоглядным, как в России в 1910-20 гг. И нигде он не был таким масштабным и утопичным, как в России, потому что мечтал и верил в то, что искусство может изменить жизнь.

Одно из крупных явлений XX века — Авангард — зародилось в середине XIX века во Франции. Слово avant-garde — пришло в искусствоведческую терминологию из военной лексики — означающее «передовой отряд».

Термин «русский авангард» объединяет радикально настроенные течения отечественного искусства, появившиеся 1907-1914 годы и достигшие зрелости в послереволюционные годы.

На самом деле авангардные явления характерны для любых переломных эпох. Но в ХХ веке Авангард стал мощным явлением культуры, обозначившим грандиозные изменения в мировой художественной культуре. ХХ век характеризовался глобальными культурно-цивилизационными процессами, затронувшими не только культуру, но и науку, а также человеческое общество.

Первые шаги русских авангардистов

Первый шаг по направлению к авангардистскому искусству совершили участники художественного объединения «Голубая роза» в 1907 году, стиль живописи которых был близок к и неопримитивизму, который оказал очень сильное влияние на творчество крупных представителей авангарда: Ларионова, Гончарову и др.

Первым употребил в России слово «авангард» Бенуа, этим словом с некоторой иронией он охарактеризовал ряд художников, представивших картины на выставке «Союза художников» 1910 года, примыкавших в основном к объединению . В этом же году «Бубновалетцы» громко заявили о новом искусстве на своей выставке, и с этого времени принято считать, что всё новаторское в мире создаётся русскими художниками. В 1912 году возникает новое объединение «Ослиный хвост», а через год открывается выставка «Мишень», на которой свои работы показали художники-футуристы. На этой же выставке Ларионов впервые представил зрителю свои знаменитые «Лучистые произведения».

В Петербурге 1910 году было образованно объединение «Союз молодёжи», в него входили представители разных направлений (Альтман, Экстер и др.). Также в Петербурге возникает новый стиль в живописи — (соединение итальянского футуризма и кубизма). Петербург стал столицей ещё одного нового стиля — «Заумного реализма», соединившего стихи и живопись.

Эстетика и художественные черты авангарда в живописи

Для данного направления характерны:

• эксперимент (чаще осознанный) как манифест и как практическое направление творчества

• отрицание традиционного искусства , а также эстетических и моральных норм обывательского, «буржуазного» мира

• революционный и подчас разрушительный пафос творчества

• отказ от канонов 19 века в изобразительном искусстве, т.е. отказ от изображения видимой действительности

• стремление создать новое в формах, приемах, средствах художественного мира

• эпатажный характер поведения и презентации

• признание и преклонение пред достижениями научно-технического прогресса

• поиски Духа как панацеи от материализма

• с одной стороны, рационализм в искусстве (например, конструктивизм),
• с другой – иррациональность художественного творчества (например, в сюрреализме)

• приветствие любых социальных изменений в обществе (русская революция)

Если европейские авангардисты вдохновлялись творчеством «примитивных» народов, то художники российского течения свои приёмы черпали из древнерусского и крестьянского искусства, городского народного промысла: лубочных картинок и магазинных вывесок.

В то же время они во многом опирались на модернистские направления европейского искусства (кубизм, футуризм, фовизм и т.д.).

Искусство авангардной живописи проникнуто духом нигилизма, революционной агрессией и соединяет в себе деструктивное и созидательные начала.

Как эстетика он нацелен на изменение человеческого сознания и, возможно, самой человеческой природы.

Направления художественного авангарда в России

Это многогранный и пёстрый феномен, объединивший несколько крупных течений русского искусства XX века, созданных и теоретически обоснованных известными мастерами, такими как К. Малевич, П.Филонов, М.Ларионов и др.

Или беспредметное искусство использовало ассоциативное восприятие, художники этого направления, работали в основном с цветом, создавая абстрактные формы.

В 1910 годы главный теоретик этого направления Кандинский создаёт своё первое абстрактное полотно (он называл их композициями).

Суть абстракционизма заключается на решении абстрактных живописных задач — гармонии цвета и формы.

Кандинский уподоблял живопись музыке, и главная его цель — выразить на холсте звучание «Духовного мира». В то же время абстракционизм возвел в идеал эстетическую значимость цвета и формы.

Можно сказать, что и другие направления авангардизма в живописи относятся к абстракционизму (супрематизм К.Малевича, лучизм М.Ларионова, «беспредметничество» О.Розановой и Л.Поповой)

Как направление он зародился в 1910, главенствующее положение в нем занимает К.Малевич.

Основным для Супрематизма является изображение реальности, выраженной в простых формах, сочетании цветных кругов с квадратами и треугольниками, прямыми линиями.

В полотнах супрематистов краска, с точки зрения Малевича, стала первым шагом «чистого искусства», которое уравнивает в творчестве человека и Природы (Бога).

Футуризм

Это в большей мере литературное направление, но оно нашло свое выражение и в живописи.

Для футуризма в живописи характерна энергия движения, раздробленность фигур на фрагменты, движение передается наложением различных последовательных фаз на полотно.

Первыми русскими футуристами стали братья Бурлюки.

Это направление М.Ларионова и Н.Гончаровой трактовало творчество как стремление изобразить не предмет, а его отражение в лучах, т.е. художник на полотне изображает не предмет, а только падающие на него лучи.

Лучизм был основан на смешении цветовых спектров, а также возможностях свето-и цветопередачи.

М.Ларионов писал:

«Это почти тоже, что мираж, возникающий в раскаленном воздухе пустыни».

С 1910 года художник начинает отстаивать принципы аналитического искусства, в основе которых лежали сложные, калейдоскопические композиции. В основе аналитического искусства П.Филонова лежит принцип «органического роста художественной формы». Художественное полотно возникает от частного к общему, как бы прорастает, как прорастает зерно. В произведениях этого художника были выражены духовно-материальные закономерности истории, он воплощал в них свои мечты об идеальном будущем, в котором восторжествует справедливость добра.

Примитивизм

Он в России возник в начале XX века, первыми к нему обратились участники объединения «Голубая роза».

Примитивизм основан на намеренном упрощении изображение, т.е. такого изображение, которое подобно русскому лубку или рисунку ребенка.

Отдали дань примитивному и Ларионов, Гончарова и Малевич. Художники-примитивисты обращались к формам первобытного, и средневекового искусства, народного и детского творчества, они использовали чистые цвета и орнаментальные элементы.

Конструктивизм

Течение возникло под влиянием технического прогресса. Наибольшее распространение получило в архитектуре. Как направление появилось в 20-е годы ХХ века.

Его представители считали основным принципом организации произведения — конструкцию. Для данного направления важна функция, геометризм, лаконичность форм, индустриальность.

• открыл относительность форм, средства и способов художественного мышления
• выработал огромное количество новых форм, приемов, подходов к решению художественных проблем и задач
• привел к возникновению новых видов искусства (кино, фотографии и др)
• показал важность экспериментальной работы в художественном творчестве
• показал исчерпанность основных видов новоевропейского искусства

Многие идеи, наработки, находки этого художественного направления российского искусства до сих пор находят свое применение в художественной жизни современной России.

И еще у нас есть кроссворд по этой теме —

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость - поделитесь

«Игроки в карты»

Автор

Поль Сезанн

Страна Франция
Годы жизни 1839–1906
Стиль постимпрессионизм

Художник родился на юге Франции в небольшом городке Экс-ан-Прованс, но живописью стал заниматься в Париже. Настоящий успех пришел к нему после персональной выставки, организованной коллекционером Амбруазом Волларом. В 1886 году, за 20 лет до своего ухода, он перебрался на окраину родного города. Поездки к нему молодые художники называли «паломничеством в Экс».

130х97 см
1895 год
стоимость
$250 млн
продана в 2012 году
на частных торгах

Творчество Сезанна понять легко. Единственным правилом художника была прямая передача предмета или сюжета на холст, поэтому его картины не вызывают недоумения зрителя. Сезанн соединил в своем искусстве две главные французские традиции: классицизм и романтизм. С помощью красочной фактуры он придавал форме предметов удивительную пластичность.

Серия из пяти картин «Игроки в карты» написана в 1890–1895 годах. Сюжет их одинаков – несколько людей увлеченно играют в покер. Отличаются работы только количеством игроков и размерами холста.

Четыре картины хранятся в музеях Европы и Америки (Музей д’Орсе, Метрополитен-музей, Фонд Барнса и Институт искусств Курто), а пятая до недавнего времени была украшением частной коллекции греческого миллиардера-судовладельца Георга Эмбирикоса. Незадолго до своей смерти, зимой 2011 года, он решил выставить ее на продажу. Потенциальными покупателями «свободной» работы Сезанна стали арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист с мировым именем Ларри Гагосян, предлагавшие за нее около 220 млн долларов. В результате картина досталась королевской семье арабского государства Катар за 250 млн. Крупнейшая арт-сделка в истории живописи была закрыта в феврале 2012 года. Об этом в Vanity Fair сообщила журналистка Александра Пирс. Она узнала стоимость картины и имя нового владельца, а затем информация проникла в СМИ всего мира.

В 2010 году в Катаре открылись Арабский музей современного искусства и Катарский национальный музей. Сейчас их коллекции пополняются. Возможно, пятая версия «Игроков в карты» приобретена шейхом с этой целью.

Самая дорогая картина в мире

Владелец
Шейх Хамад
бин Халифа аль-Тани

Династия аль-Тани правит Катаром более 130 лет. Около полувека назад здесь были обнаружены огромные запасы нефти и газа, что вмиг сделало Катар одним из богатейших регионов мира. Благодаря экспорту углеводородов в этой маленькой стране зафиксирован самый большой ВВП на душу населения. Шейх Хамад бин Халифа аль-Тани в 1995 году, пока отец находился в Швейцарии, при поддержке членов семьи захватил власть. Заслуга действующего правителя, по мнению экспертов, в четкой стратегии развития страны, создании успешного имиджа государства. Сейчас в Катаре появились конституция и премьер-министр, а женщины получили право голоса на парламентских выборах. Кстати, именно эмир Катара основал новостной канал «Аль-Джазира». Огромное внимание власти арабского государства уделяют культуре.

2

«Номер 5»

Автор

Джексон Поллок

Страна США
Годы жизни 1912–1956
Стиль абстрактный экспрессионизм

Джек Разбрызгиватель – такое прозвище Поллоку дала американская публика за особую технику живописи. Художник отказался от кисти и мольберта, а краску разливал по поверхности холста или фибролита во время непрерывного движения вокруг и внутри них. С ранних лет он увлекался философией Джидду Кришнамурти, главный посыл которой – истина открывается во время свободного «излияния».

122х244 см
1948 год
стоимость
$140 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s

Ценность работ Поллока – не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком. Художник был настолько популярен, что в 1950-х подражатели нашлись даже в СССР. Картина «Номер 5» признана одной из самых странных и дорогих в мире. Один из создателей компании DreamWorks Дэвид Геффен приобрел ее для частной коллекции, а в 2006 году продал на аукционе Sotheby`s за 140 млн долларов мексиканскому коллекционеру Дэвиду Мартинесу. Однако вскоре юридическая фирма от имени своего клиента выпустила пресс-релиз, где сообщалось, что Дэвид Мартинес не является владельцем картины. Доподлинно известно только одно: мексиканский финансист действительно в последнее время коллекционировал произведения современного искусства. Вряд ли он упустил бы такую «крупную рыбу», как «Номер 5» Поллока.

3

«Женщина III»

Автор

Виллем де Кунинг

Страна США
Годы жизни 1904–1997
Стиль абстрактный экспрессионизм

Выходец из Нидерландов, он эмигрировал в США в 1926 году. В 1948-м состоялась персональная выставка художника. Арт-критики оценили сложные, нервные черно-белые композиции, признав в их авторе великого художника-модерниста. Большую часть жизни он страдал алкоголизмом, но радость создания нового искусства чувствуется в каждой работе. Де Кунинга отличает импульсивность живописи, широкие мазки, из-за чего порой изображение не умещается в границах холста.

121х171 см
1953 год
стоимость
$137 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

В 1950-х на картинах де Кунинга появляются женщины с пустыми глазами, массивной грудью, уродливыми чертами лица. «Женщина III» стала последней работой из этой серии, участвующей в торгах.

С 1970-х годов картина хранилась в Тегеранском музее современного искусства, однако после введения жестких правил морали в стране от нее стремились избавиться. В 1994-м работа была вывезена из Ирана, а еще через 12 лет ее владелец Дэвид Геффен (тот самый продюсер, который продал полотно Джексона Поллока «Номер 5») уступил картину миллионеру Стивену Коэну за 137,5 млн долларов. Интересно то, что Геффен в один год стал распродавать свою коллекцию живописи. Это породило массу слухов: например, что продюсер решил купить газету Los Angeles Times.

На одном из арт-форумов было высказано мнение о сходстве «Женщины III» с картиной Леонардо да Винчи «Дама с горностаем». За зубастой улыбкой и бесформенной фигурой героини ценитель живописи разглядел грацию особы королевских кровей. Об этом говорит и плохо прорисованная корона, венчающая голову женщины.

4

«Портрет Адели Блох-Бауэр I»

Автор

Густав Климт

Страна Австрия
Годы жизни 1862–1918
Стиль модерн

Густав Климт родился в семье художника-гравера и был вторым из семи детей. Три сына Эрнеста Климта стали художниками, а прославился на весь мир только Густав. Большую часть детства он провел в бедности. После смерти отца на него легла ответственность за всю семью. Именно в это время Климт развивает свой стиль. Перед его картинами замирает любой зритель: под тонкими мазками золота отчетливо виден откровенный эротизм.

138х136 см
1907 год
стоимость
$135 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s

Судьба картины, которую называют «Австрийской Моной Лизой», легко может стать основой для бестселлера. Работа художника стала причиной конфликта целого государства и одной пожилой дамы.

Итак, на «Портрете Адели Блох-Бауэр I» изображена аристократка, жена Фердинанда Блоха. Ее последней волей было передать картину австрийской государственной галерее. Однако Блох в своем завещании отменил дарение, и полотно экспроприировали нацисты. Позже галерея с трудом выкупила «Золотую Адель», но тут объявилась наследница – Мария Альтман, племянница Фердинанда Блоха.

В 2005 году начался громкий процесс «Мария Альтман против Австрийской республики», по итогам которого картина «уехала» вместе с ней в Лос-Анджелес. Австрия приняла беспрецедентные меры: велись переговоры о займах, население жертвовало деньги, чтобы выкупить портрет. Добро так и не победило зло: цену Альтман подняла до 300 млн долларов. На момент разбирательства ей было 79 лет, и она вошла в историю как человек, изменивший волю Блох-Бауэр в пользу личных интересов. Картина была приобретена Рональдом Лаудерем, владельцем «Новой галереи» в Нью-Йорке, где и находится по сей день. Не для Австрии, для него Альтман снизила цену до 135 млн долларов.

5

«Крик»

Автор

Эдвард Мунк

Страна Норвегия
Годы жизни 1863–1944
Стиль экспрессионизм

Первая картина Мунка, ставшая известной во всем мире, – «Больная девочка» (существует в пяти экземплярах) – посвящена сестре художника, умершей от туберкулеза в возрасте 15 лет. Мунка всегда интересовала тема смерти и одиночества. В Германии его тяжелая, маниакальная живопись даже спровоцировала скандал. Однако, несмотря на депрессивные сюжеты, его картины обладают особым магнетизмом. Взять хотя бы «Крик».

73,5х91 см
1895 год
стоимость
$119,992 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Полное название картины – Der Schrei der Natur (в переводе с немецкого – «крик природы»). Лицо то ли человека, то ли инопланетянина выражает отчаяние и панику – эти же эмоции испытывает зритель при взгляде на картину. Одно из ключевых произведений экспрессионизма предупреждает темы, ставшие острыми в искусстве XX века. По одной из версий, художник создал ее под влиянием психического расстройства, которым страдал всю жизнь.

Картина дважды была украдена из разных музеев, но ее возвращали. Получивший небольшие повреждения после кражи «Крик» отреставрировали, и он снова был готов к показу в Музее Мунка в 2008 году. Для представителей поп-культуры произведение стало источником вдохновения: Энди Уорхол создал серию его принтов-копий, а маска из фильма «Крик» сделана по образу и подобию героя картины.

На один сюжет Мунк написал четыре версии произведения: та, что находится в частной коллекции, выполнена пастелью. Норвежский миллиардер Петтер Олсен выставил ее на аукцион 2 мая 2012 года. Покупателем стал Леон Блэк, не пожалевший за «Крик» рекордной суммы. Основатель компаний Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен своей любовью к искусству. Блэк – покровитель колледжа Дартмута, Музея современного искусства, Арт-центра Линкольна, Столичного музея искусств. Он обладает крупнейшей коллекцией картин современных художников и классических мастеров прошлых столетий.

6

«Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев»

Автор

Пабло Пикассо

Страна Испания, Франция
Годы жизни 1881–1973
Стиль кубизм

По происхождению он испанец, а по духу и месту жительства – настоящий француз. Собственную художественную студию Пикассо открыл в Барселоне, когда ему было всего 16 лет. Потом он уехал в Париж и провел там большую часть жизни. Именно поэтому в его фамилии двойное ударение. В основе стиля, придуманного Пикассо, лежит отрицание мнения, что изображенный на холсте предмет можно рассматривать только под одним ракурсом.

130х162 см
1932 год
стоимость
$106,482 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Во время своей работы в Риме художник встретил танцовщицу Ольгу Хохлову, ставшую вскоре его женой. Он покончил с бродяжничеством, переехал вместе с ней в роскошную квартиру. К тому времени признание нашло героя, а вот брак был разрушен. Одна из самых дорогих картин мира создана почти случайно – по большой любви, которая, как всегда у Пикассо, была недолгой. В 1927 году он увлекся юной Мари-Терез Вальтер (ей было 17 лет, ему – 45). Втайне от жены уехал с любовницей в городок под Парижем, где и написал портрет, изобразив Мари-Терез в образе Дафны. Полотно приобрел нью-йоркский дилер Поль Розенберг, а в 1951 году продал его Сидни Ф. Броуди. Супруги Броуди показали картину миру всего однажды и только потому, что художнику исполнялось 80 лет. После смерти мужа госпожа Броуди в марте 2010 года выставила произведение на торги в доме Christie’s. За шесть десятилетий цена выросла более чем в 5000 раз! Неизвестный коллекционер приобрел ее за 106,5 млн долларов. В 2011 году в Британии состоялась «выставка одной картины», где она увидела свет во второй раз, а вот имя владельца до сих пор неизвестно.

7

«Восемь Элвисов»

Автор

Энди Уорхол

Страна США
Годы жизни 1928-1987
Стиль
поп-арт

«Секс и вечеринки – это единственные места, где нужно появляться собственной персоной», – говорил культовый художник поп-арта, режиссер, один из основателей журнала Interview, дизайнер Энди Уорхол. Он работал с Vogue и Harper`s Bazaar, оформлял обложки пластинок, придумал обувь для компании I.Miller. В 1960-х появились картины с изображением символов Америки: супа Campbell`s и Coca-Cola, Пресли и Монро – сделавшие его легендой.

358х208 см
1963 год
стоимость
$100 млн
продана в 2008 году
на частных торгах

Уорхоловские 60-е – так называли эпоху поп-арта в Америке. В 1962 году он работал на Манхэттене в студии «Фабрика», где собиралась вся богема Нью-Йорка. Яркие ее представители: Мик Джаггер, Боб Дилан, Трумен Капоте и другие известные в мире личности. В то же время Уорхол опробовал технику шелкографии – многократного повтора одного изображения. Этот метод он использовал и при создании «Восьми Элвисов»: зритель словно видит кадры из кино, где звезда оживает. Здесь есть все, что так любил художник: беспроигрышный публичный образ, серебряный цвет и предчувствие смерти как главный посыл.

Есть два арт-дилера, продвигающих сегодня творчество Уорхола на мировом рынке: Ларри Гагосян и Альберто Муграби. Первый в 2008 году потратил 200 млн долларов на приобретение более 15 работ Уорхола. Второй покупает и продает его картины как рождественские открытки, только дороже. Но не они, а скромный французский арт-консультант Филипп Сегало помог римскому ценителю искусства Аннибале Берлингьери продать неизвестному покупателю «Восемь Элвисов» за рекордную для Уорхола сумму – 100 млн долларов.

8

«Оранжевый, красный, желтый»

Автор

Марк Ротко

Страна США
Годы жизни 1903–1970
Стиль абстрактный экспрессионизм

Один из создателей живописи цветового поля родился в Двинске, Россия (сейчас – Даугавпилс, Латвия), в многодетной семье еврейского фармацевта. В 1911 году они эмигрировали в США. Ротко обучался на художественном факультете Йельского университета, добился стипендии, но антисемитские настроения вынудили его оставить учебу. Несмотря ни на что, арт-критики боготворили художника, а музеи преследовали всю жизнь.

206х236 см
1961 год
стоимость
$86,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первые художественные опыты Ротко были сюрреалистической направленности, но со временем он упростил сюжет до цветовых пятен, лишив их всякой предметности. Сначала они имели яркие оттенки, а в 1960-е налились коричневым, фиолетовым, сгустившись до черного ко времени смерти художника. Марк Ротко предостерегал от поиска любого смысла в своих картинах. Автор хотел сказать ровно то, что сказал: только цвет, растворяющийся в воздухе, и ничего больше. Он рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Осторожно: просмотр по всем правилам может привести к эффекту медитации, то есть постепенно приходят осознание бесконечности, полная погруженность в себя, расслабление, очищение. Цвет в его картинах живет, дышит и оказывает сильнейшее эмоциональное воздействие (говорят, иногда – целительное). Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», – и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной. Если вы сумели понять его на таком тонком уровне, то не удивитесь тому, что эти произведения абстракционизма критики часто сравнивают с иконами.

Работа «Оранжевое, красное, желтое» выражает всю суть живописи Марка Ротко. Ее начальная стоимость на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 35–45 млн долларов. Неизвестный покупатель предложил цену, вдвое превышающую эстимейт. Имя счастливого обладателя картины, как это часто бывает, не разглашается.

9

«Триптих»

Автор

Фрэнсис Бэкон

Страна
Великобритания
Годы жизни 1909–1992
Стиль экспрессионизм

Приключения Фрэнсиса Бэкона, полного тезки и к тому же дальнего потомка великого философа, начались, когда отец отрекся от него, не в силах принять гомосексуальных наклонностей сына. Бэкон уехал сначала в Берлин, потом в Париж, а затем его следы путаются по всей Европе. Еще при жизни его работы экспонировались в ведущих культурных центрах мира, среди которых Музей Гуггенхайма и Третьяковская галерея.

147,5х198 см (каждый)
1976 год
стоимость
$86,2 млн
продан в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Престижные музеи стремились обладать картинами Бэкона, а вот чопорная английская публика не спешила раскошелиться на такое искусство. Легендарный премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер говорила о нем: «Человек, который рисует эти ужасающие картины».

Отправным периодом в своем творчестве сам художник считал послевоенное время. Вернувшись со службы, он вновь занялся живописью и создал главные шедевры. До участия «Триптиха, 1976» в торгах самой дорогой работой Бэкона был «Этюд к портрету Папы Иннокентия X» (52,7 млн долларов). В «Триптихе, 1976» художник изобразил мифический сюжет преследования Ореста фуриями. Разумеется, Орест – это сам Бэкон, а фурии – его терзания. Более 30 лет картина находилась в частной коллекции и не участвовала в выставках. Этот факт придает ей особую ценность и, соответственно, повышает стоимость. Но что такое несколько миллионов для ценителя искусства, да еще и по-русски щедрого? Роман Абрамович начал создавать свою коллекцию в 1990-х годах, в этом на него значительно повлияла подруга Даша Жукова, ставшая в современной России модной галеристкой. По неофициальным данным, в личном владении бизнесмена есть работы Альберто Джакометти и Пабло Пикассо, купленные за суммы, превышающие 100 млн долларов. В 2008 году он стал обладателем «Триптиха». Кстати, в 2011 году была приобретена еще одна ценная работа Бэкона – «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Скрытые источники говорят, что покупателем вновь стал Роман Аркадьевич.

10

«Пруд с кувшинками»

Автор

Клод Моне

Страна Франция
Годы жизни 1840–1926
Стиль импрессионизм

Художник признан родоначальником импрессионизма, «запатентовавшим» этот метод в своих полотнах. Первой значительной работой стала картина «Завтрак на траве» (оригинальная версия произведения Эдуарда Мане). В юности он рисовал карикатуры, а настоящей живописью занялся во время своих путешествий по побережью и на открытом воздухе. В Париже вел богемный образ жизни и не оставил его даже после службы в армии.

210х100 см
1919 год
стоимость
$80,5 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Кроме того, что Моне был великим художником, он еще и увлеченно занимался садоводством, обожал живую природу и цветы. В его пейзажах состояние природы сиюминутно, предметы как будто размыты движением воздуха. Впечатление усиливается за счет крупных мазков, с определенного расстояния они становятся незаметными и сливаются в фактурное, объемное изображение. В живописи позднего Моне особое место занимает тема воды и жизни в ней. В местечке Живерни у художника был собственный пруд, где он выращивал кувшинки из семян, специально привезенных им из Японии. Когда их цветки распускались, он приступал к рисованию. Серия «Кувшинки» состоит из 60 работ, которые художник писал на протяжении почти 30 лет, до самой смерти. Его зрение с возрастом ухудшалось, но он не останавливался. В зависимости от ветра, времени года и погоды вид пруда постоянно менялся, эти перемены и хотел запечатлеть Моне. Через тщательную работу к нему приходило понимание сути природы. Некоторые из полотен серии хранятся в ведущих галереях мира: Национальный музей западного искусства (Токио), Оранжери (Париж). Версия очередного «Пруда с кувшинками» ушла в руки неизвестного покупателя за рекордную сумму.

11

False Start

Автор

Джаспер Джонс

Страна США
Год рождения 1930
Стиль поп-арт

В 1949 году Джонс поступил в дизайнерскую школу в Нью-Йорке. Наравне с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и другими он признан одним из главных художников XX века. В 2012 году получил «Президентскую медаль свободы» – высшую гражданскую награду США.

137,2х170,8 см
1959 год
стоимость
$80 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

Как и Марсель Дюшан, Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. В картине False Start нет четкой композиции. Художник словно играет со зрителем, часто «неверно» подписывая цвета на картине, переворачивая само понятие цвета: «Я хотел найти способ изобразить цвет так, чтобы он мог быть определен каким-то другим методом». Его самая взрывная и «неуверенная в себе», по мнению критиков, картина была приобретена неизвестным покупателем.

12

«Сидящая обнаженная на диване»

Автор

Амедео Модильяни

Страна Италия, Франция
Годы жизни 1884–1920
Стиль экспрессионизм

Модильяни с самого детства часто болел, во время лихорадочного бреда он распознал свое предназначение художника. Учился рисованию в Ливорно, Флоренции, Венеции, а в 1906 году уехал в Париж, где и расцвело его искусство.

65х100 см
1917 год
стоимость
$68,962 млн
продана в 2010 году
на аукционе Sotheby’s

В1917 году Модильяни встретил 19-летнюю Жанну Эбютерн, которая стала его моделью, а потом и женой. В 2004-м один из ее портретов был продан за 31,3 млн долларов, что стало последним рекордом перед продажей «Сидящей обнаженной на диване» в 2010 году. Картину приобрел неизвестный покупатель за максимальную для Модильяни на данный момент цену. Активные продажи работ начались только после смерти художника. Он умер в нищете, больной туберкулезом, а на следующий день с собой покончила и Жанна Эбютерн, пребывавшая на девятом месяце беременности.

13

«Орел на сосне»

Автор

Ци Байши

Страна Китай
Годы жизни 1864–1957
Стиль гохуа

Интерес к каллиграфии привел Ци Байши к живописи. В 28 лет он стал учеником художника Ху Циньюаня. Министерство культуры Китая присвоило ему титул «Великого художника китайского народа», в 1956 году он получил Международную премию мира.

10х26 см
1946 год
стоимость
$65,4 млн
продана в 2011 году
на аукционе China Guardian

Ци Байши интересовался теми проявлениями окружающего мира, которым многие не придают значения, и в этом его величие. Человек без образования стал профессором и выдающимся творцом в истории. Пабло Пикассо говорил о нем: «Я боюсь ехать в вашу страну, ведь в Китае есть Ци Байши». Композиция «Орел на сосне» признана самым крупным произведением художника. Кроме полотна, она включает в себя два иероглифических свитка. Для Китая сумма, за которую куплено произведение, представляет рекорд – 425,5 млн юаней. Только свиток древнего каллиграфа Хуан Тинцзяня был продан за 436,8 млн.

14

«1949-A-№1»

Автор

Клиффорд Стилл

Страна США
Годы жизни 1904–1980
Стиль абстрактный экспрессионизм

В 20 лет посетил Метрополитен-музей в Нью-Йорке и был разочарован. Позже записался на курс студенческой лиги искусств, но ушел через 45 минут после начала занятия – оказалось «не его». Первая персональная выставка вызвала резонанс, художник нашел себя, а вместе с этим и признание

79х93 см
1949 год
стоимость
$61,7 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Все свои работы, а это более 800 холстов и 1600 произведений на бумаге, Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но только строительство обходилось властям дорого, и для его завершения четыре работы были выставлены на аукцион. Произведения Стилла вряд ли будут участвовать в торгах когда-либо еще, что заранее повысило их цену. Картина «1949-A-No.1» продана за рекордную для художника сумму, хотя эксперты прогнозировали продажу максимум за 25–35 млн долларов.

15

«Супрематическая композиция»

Автор

Казимир Малевич

Страна Россия
Годы жизни 1878–1935
Стиль супрематизм

Малевич учился живописи в Киевской художественной школе, затем в Московской академии искусств. В 1913 году начал писать абстрактно-геометрические картины в стиле, который назвал супрематизмом (от лат. «доминирование»).

71х 88,5 см
1916 год
стоимость
$60 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

В городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Художник написал эту работу в один год с «Манифестом супрематизма», поэтому на Sotheby`s еще до торгов объявили, что менее чем за 60 млн долларов она не уйдет в частную коллекцию. Так и случилось. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха. Кстати, несколькими годами ранее те же самые родственники экспроприировали у музея МоМА другую «Супрематическую композицию», чтобы продать ее на аукционе Phillips за 17 млн долларов.

16

«Купальщицы»

Автор

Поль Гоген

Страна Франция
Годы жизни 1848–1903
Стиль постимпрессионизм

До семи лет художник жил в Перу, затем с семьей вернулся во Францию, но детские воспоминания постоянно подталкивали его к путешествиям. Во Франции он начал писать красками, дружил с Ван Гогом. Он даже провел с ним несколько месяцев в Арле, до того момента, как Ван Гог во время ссоры отрезал себе ухо.

93,4х60,4 см
1902 год
стоимость
$55 млн
продана в 2005 году
на аукционе Sotheby’s

В 1891 году Гоген устроил распродажу своих картин, чтобы на вырученные деньги отправиться вглубь острова Таити. Там он создал работы, в которых чувствуется тонкая связь природы и человека. Гоген жил в соломенной хижине, а на его полотнах расцветал тропический рай. Его женой стала 13-летняя таитянка Техура, что не помешало художнику вступать в беспорядочные связи. Заболев сифилисом, он уехал во Францию. Однако там Гогену было тесно, и он вернулся на Таити. Этот период называют «вторым таитянским» – именно тогда была написана картина «Купальщицы», одна из самых роскошных в его творчестве.

17

«Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах»

Автор

Анри Матисс

Страна Франция
Годы жизни 1869–1954
Стиль фовизм

В 1889 году у Анри Матисса случился приступ аппендицита. Когда он оправлялся от операции, мать купила ему краски. Сначала Матисс со скуки копировал цветные открытки, потом – произведения великих живописцев, что видел в Лувре, а в начале XX века придумал стиль – фовизм.

65,2х81 см
1911 год
стоимость
$46,4 млн
продана в 2009 году
на аукционе Christie’s

Картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» долгое время принадлежала Иву Сен-Лорану. После смерти кутюрье вся его коллекция искусства перешла в руки его друга и любовника Пьера Берже, который решил выставить ее на аукционе Christie’s. Жемчужиной проданной коллекции стала картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах», написанная на обыкновенной скатерти вместо холста. Как образец фовизма, она наполнена энергией цвета, краски словно взрываются и кричат. Из известной серии картин, написанных на скатерти, сегодня эта работа единственная, которая находится в частной коллекции.

18

«Спящая девушка»

Автор

Рой Ли

хтенштейн

Страна США
Годы жизни 1923–1997
Стиль поп-арт

Художник родился в Нью-Йорке, а окончив школу, уехал в Огайо, где пошел на курсы по искусству. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств. Интерес к комиксам и умение иронизировать сделали из него культового художника прошлого века.

91х91 см
1964 год
стоимость
$44,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Однажды в руки Лихтенштейну попала жевательная резинка. Он перерисовал картинку со вкладыша на холст и стал знаменитым. В этом сюжете из его биографии заключен весь месседж поп-арта: потребление – новый бог, и в фантике от жвачки не меньше красоты, чем в «Моне Лизе». Его картины напоминают комиксы и мультфильмы: Лихтенштейн просто увеличивал готовое изображение, прорисовывал растры, использовал трафаретную печать и шелкографию. Картина «Спящая девушка» почти 50 лет принадлежала коллекционерам Беатрис и Филиппу Герш, чьи наследники продали ее на аукционе.

19

«Победа. Буги-вуги»

Автор

Пит Мондриан

Страна Нидерланды
Годы жизни 1872–1944
Стиль неопластицизм

Свою настоящую фамилию – Корнелис – художник сменил на Мондриан, когда в 1912 году переехал в Париж. Вместе с художником Тео ванн Дусбургом основал движение «неопластицизм». В честь Мондриана назван язык программирования Piet.

27х127 см
1944 год
стоимость
$40 млн
продана в 1998 году
на аукционе Sotheby’s

Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами, хотя прославился как неопластический художник. В США перебрался в 1940-х и провел там остаток жизни. Джаз и Нью-Йорк – вот что вдохновляло его больше всего! Картина «Победа. Буги-Вуги» – лучший тому пример. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты – любимого материала Мондриана. В Америке его назвали «самым знаменитым иммигрантом». В шестидесятых Ив Сен-Лоран выпустил известные на весь мир платья «Мондриан» с принтом в крупную цветную клетку.

20

«Композиция № 5»

Автор

Василий Кандинский

Страна Россия
Годы жизни 1866–1944
Стиль авангардизм

Художник родился в Москве, а его отец был родом из Сибири. После революции он пытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что законы пролетариата созданы не для него, и не без сложностей эмигрировал в Германию.

275х190 см
1911 год
стоимость
$40 млн
продана в 2007 году
на аукционе Sotheby’s

Кандинский одним из первых полностью отказался от предметной живописи, за что и получил звание гения. Во время нацизма в Германии его картины были отнесены к «дегенеративному искусству» и нигде не выставлялись. В 1939 году Кандинский принял французское гражданство, в Париже он свободно участвовал в художественном процессе. Его картины «звучат», словно фуги, поэтому многие получили название «композиций» (первая написана в 1910 году, последняя – в 1939-м). «Композиция № 5» – одна из ключевых работ в этом жанре: «Слово “композиция” звучало для меня как молитва», – говорил художник. В отличие от многих последователей, он планировал то, что изобразит на огромном холсте, будто писал ноты.

21

«Этюд женщины в голубом»

Автор

Фернан Леже

Страна Франция
Годы жизни 1881–1955
Стиль кубизм-постимпрессионизм

Леже получил архитектурное образование, а затем был слушателем Школы изящных искусств в Париже. Художник считал себя последователем Сезанна, был апологетом кубизма, а в XX веке имел успех еще и как скульптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 год
стоимость
$39,2 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Дэвид Норманн, президент интернационального отдела импрессионизма и модернизма Sotheby`s, считает огромную сумму, заплаченную за «Даму в голубом», вполне оправданной. Картина относится к знаменитой коллекции Леже (художник написал три картины на один сюжет, в частных руках сегодня – последняя из них. – Прим. ред.), и поверхность полотна сохранилась в первозданном виде. Автор сам отдал эту работу в галерею Der Sturm, потом она попала в коллекцию Херманна Ланга, немецкого собирателя модернизма, а теперь принадлежит неизвестному покупателю.

22

«Уличная сценка. Берлин»

Автор

Эрнст Людвиг Кирхнер

Страна Германия
Годы жизни 1880–1938
Стиль экспрессионизм

Для немецкого экспрессионизма Кирхнер стал знаковой персоной. Однако местные власти обвинили его в приверженности к «дегенеративному искусству», что трагически сказалось на судьбе его картин и на жизни художника, покончившего с собой в 1938 году.

95х121 см
1913 год
стоимость
$38,096 млн
продана в 2006 году
на аукционе Christie’s

После переезда в Берлин Кирхнер создал 11 зарисовок уличных сцен. Его вдохновляли суматоха и нервозность большого города. В картине, проданной в 2006 году в Нью-Йорке, особенно остро чувствуется тревожное состояние художника: люди на берлинской улице напоминают птиц – изящных и опасных. Она стала последней работой из знаменитой серии, проданной на аукционе, остальные хранятся в музеях. В 1937 году нацисты жестоко обошлись с Кирхнером: 639 его работ были изъяты из немецких галерей, уничтожены или проданы за границу. Художник не смог этого пережить.

23

«Отдыхающая танцовщица»

Автор

Эдгар Дега

Страна Франция
Годы жизни 1834–1917
Стиль импрессионизм

История Дега как художника началась с того, что он работал копировальщиком в Лувре. Он мечтал стать «знаменитым и неизвестным», и в итоге ему удалось это. В конце жизни оглохший и ослепший 80-летний Дега продолжал посещать выставки и аукционы.

64х59 см
1879 год
стоимость
$37,043 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

«Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить ткани и ухватить движение», – говорил Дега. Сюжеты из жизни танцовщиц как будто подсмотрены: девушки не позируют художнику, а просто становятся частью атмосферы, пойманной взглядом Дега. «Отдыхающая танцовщица» была продана за 28 млн долларов в 1999 году, а меньше чем через 10 лет ее купили уже за 37 млн – сегодня это самая дорогая работа художника, когда-либо выставленная на торги. Большое внимание Дега уделял рамам, сам проектировал их и запрещал менять. Интересно, какая рама установлена на проданной картине?

24

«Живопись»

Автор

Хуан Миро

Страна Испания
Годы жизни 1893–1983
Стильабстрактное искусство

Во время гражданской войны в Испании художник был на стороне республиканцев. В 1937 году он бежал от фашистской власти в Париж, где жил в нищете вместе с семьей. В этот период Миро пишет картину «Помогите Испании!», обращая внимание всего мира на засилье фашизма.

89х115 см
1927 год
стоимость
$36,824 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Второе название картины – «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись» и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором. Его целью было развенчать мифы о таинстве живописи, но, справившись с этим, Миро создал собственный миф – сюрреалистическую абстракцию. Его «Живопись» относится к циклу «картин-сновидений». На аукционе за нее бились четверо покупателей, однако один телефонный звонок инкогнито решил спор, и «Живопись» стала самой дорогой картиной художника.

25

«Голубая роза»

Автор

Ив Кляйн

Страна Франция
Годы жизни 1928–1962
Стиль монохромная живопись

Художник родился в семье живописцев, но обучался восточным языкам, мореходству, ремеслу золотильщика рам, дзен-буддизму и многому другому. Его личность и нахальные выходки были в разы интереснее монохромных картин.

153х199х16 см
1960 год
стоимость
$36,779 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первая выставка однотонных желтых, оранжевых, розовых работ не вызвала интереса у публики. Кляйн обиделся и в следующий раз представил 11 одинаковых холстов, окрашенных ультрамарином вперемешку с особой синтетической смолой. Он даже запатентовал этот метод. В историю цвет вошел как «международный синий цвет Кляйна». Еще художник продавал пустоту, создавал картины, подставляя бумагу под дождь, поджигая картон, делая на холсте отпечатки тела человека. Словом, экспериментировал как мог. Для создания «Голубой розы» использовал сухие пигменты, смолы, гальку и натуральную губку.

26

«В поисках Моисея»

Автор

Сэр Лоуренс Альма-Тадема

Страна Великобритания
Годы жизни 1836–1912
Стиль неоклассицизм

Приставку «альма» к своей фамилии сэр Лоуренс добавил сам, чтобы в художественных каталогах значиться первым. В викторианской Англии его картины были настолько востребованы, что художнику присвоили рыцарское звание.

213,4х136,7 см
1902 год
стоимость
$35,922 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Главной темой творчества Альма-Тадемы была античность. На картинах он старался в мельчайших деталях изобразить эпоху Римской империи, для этого даже занимался археологическими раскопками на Апеннинском полуострове, а в своем лондонском доме воспроизвел исторический интерьер тех лет. Мифологические сюжеты стали для него еще одним источником вдохновения. Художник был крайне востребован при жизни, однако после смерти его быстро забыли. Сейчас интерес возрождается, о чем говорит и стоимость картины «В поисках Моисея», в семь раз превысившая предпродажную оценку.

27

«Портрет спящей обнаженной чиновницы»

Автор

Люсьен Фрейд

Страна Германия,
Великобритания
Годы жизни 1922–2011
Стиль фигуративная живопись

Художник – внук Зигмунда Фрейда, отца психоанализа. После установления фашизма в Германии его семья эмигрировала в Великобританию. Произведения Фрейда находятся в лондонском музее «Собрание Уоллеса», где ранее не выставлялся ни один современный художник.

219,1х151,4 см
1995 год
стоимость
$33,6 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Пока модные художники XX века создавали позитивные «цветовые пятна на стену» и продавали их за миллионы, Фрейд писал предельно натуралистичные картины и продавал их еще дороже. «Я запечатлеваю крики души и страдания увядающей плоти», – говорил он. Критики считают, что все это «наследство» Зигмунда Фрейда. Картины так активно выставлялись и успешно продавались, что у специалистов зародилось сомнение: а не обладают ли они гипнотическими свойствами? Проданный на аукционе «Портрет спящей обнаженной чиновницы», по информации издания Sun, приобрел ценитель прекрасного и миллиардер Роман Абрамович.

28

«Скрипка и гитара»

Автор

Х уан Грис

Страна Испания
Годы жизни 1887–1927
Стиль кубизм

Родился в Мадриде, где и окончил школу искусств и ремесел. В 1906 году переехал в Париж и вошел в круг самых влиятельных художников эпохи: Пикассо, Модильяни, Брака, Матисса, Леже, также работал с Сергеем Дягилевым и его труппой.

5х100 см
1913 год
стоимость
$28,642 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Грис, по собственным словам, занимался «плоскостной, цветной архитектурой». Его картины точно продуманы: он не оставлял ни одного случайного мазка, что роднит творчество с геометрией. Художник создал свой вариант кубизма, хотя очень уважал Пабло Пикассо, отца-основателя направления. Преемник даже посвятил ему свою первую работу в стиле кубизм «Дань уважения Пикассо». Картина «Скрипка и гитара» признана выдающейся в творчестве художника. При жизни Грис был известен, обласкан критиками и искусствоведами. Его работы выставлены в крупнейших мировых музеях, хранятся в частных коллекциях.

29

«Портрет Поля Элюара»

Автор

Сальвадор Дали

Страна Испания
Годы жизни 1904–1989
Стиль сюрреализм

«Сюрреализм – это я», – сказал Дали, когда его исключили из группы сюрреалистов. Со временем он стал самым известным художником-сюрреалистом. Творчество Дали повсюду, а не только в галереях. Например, это он придумал упаковку для «Чупа-Чупса».

25х33 см
1929 год
стоимость
$20,6 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

В 1929 году навестить великого провокатора и скандалиста Дали приехали поэт Поль Элюар со своей русской женой Галой. Встреча стала началом истории любви, продолжавшейся более полувека. Картина «Портрет Поля Элюара» написана как раз во время этого исторического визита. «Я чувствовал, что на меня возложена обязанность запечатлеть лик поэта, с Олимпа которого я похитил одну из муз», – говорил художник. До знакомства с Галой он был девственником и испытывал отвращение при мысли о сексе с женщиной. Любовный треугольник существовал до смерти Элюара, после чего стал дуэтом Дали–Гала.

30

«Юбилей»

Автор

Марк Шагал

Страна Россия, Франция
Годы жизни 1887–1985
Стиль авангард

Мойша Сегал родился в Витебске, но в 1910 году эмигрировал в Париж, сменил имя, сблизился с ведущими авангардистами эпохи. В 1930-х при захвате власти фашистами уехал в США при помощи американского консула. Вернулся во Францию только в 1948 году.

80x103 см
1923 год
стоимость
$14,85 млн
продана в 1990 году
на аукционе Sotheby’s

Картина «Юбилей» признана одной из лучших работ художника. В ней есть все черты его творчества: стерты физические законы мира, сохраняется ощущение сказки в декорациях мещанского быта, а в центре сюжета – любовь. Шагал не рисовал людей с натуры, а только по памяти или фантазируя. На картине «Юбилей» запечатлен сам художник с женой Бэлой. Картина продана в 1990 году и с тех пор не участвовала в торгах. Интересно, что в нью-йоркском Музее современного искусства MoMA хранится абсолютно такая же, только под названием «День рождения». Кстати, написана она раньше – в 1915 году.

проект подготовила
Татьяна Паласова
рейтинг составлен
по списку www.art-spb.ru
журнал tmn №13 (май-июнь 2013)

Авангард - (фр. аvant-garde - "передовой отряд") - совокупность многообразных новаторских движений и направлений в художественной культуре модернизма первой трети XX: футуризм, дадаизм, сюрреализм, кубизм, супрематизм, фовизм и др. Авангард - это крайнее проявление модернизма в целом. Авангард - это динамичное, экспериментальное искусство. Начало авангарда - 1905-1906 гг., а о смерти его говорят уже в 20-е гг.

Социальная база авангарда - протест, вражда с современной цивилизацией. В основе авангардных произведений лежит игра с классической культурой в сочетании с идеей разрушения. Характерная особенность авангарда - это новаторская художественная практика, как в области художественной формы, так и в области прагматики (взаимодействия текста с читателем, включение в структуру артефакта того, кто воспринимает).

Аванград в отличие от классического модернизма сознательно ориентируется на аудиторию, активно воздействует на нее. В авангарде нет понятия об эволюции, он не развивается, - это резкий протест против всего, что представляется авангардистам консервативным. Как отметил российский философ В. Ф. Петров-Стромский, "в своих деструктивных тенденциях это искусство было предчувствием и предвестием гуманитарной катастрофы 1914 г., разоблачившей все пустозвонство ницшеанско-горьковской претензии на то, что "человек - это звучит гордо".

Год возникновения - 1907, когда молодой Пабло Пикассо (1881-1973) написал свою программную кубистическую картину "Авиньонские девицы". Кубизм возник как логическое продолжение аналитических исканий в искусстве постимпрессионистов, например, Поля Сезанна, который в 1907 г. обратился к художникам со знаменитым призывом: "Трактуйте натуру посредством цилиндра, шара, конуса".

В истории кубизма выделяют три фазы:

1. Сезаннистская (1907-1909), когда кубисты пытались найти простейшие пространственные структуры явлений мира, не изображали действительность, а создавали "иную реальность", передавая не облик предмета, а его конструкцию, архитектонику, структуру, сущность.

2. Аналитическая фаза кубизма (1910-1912) заключалась в применении специфических геометрических приемов и совмещения различных точек или углов зрения на предмет. В кубистическом произведении сознательно нарушаются все предметно-пространственные взаимосвязи видимого мира. Плотные и тяжелые предметы могут стать здесь невесомыми, а легкие - обрести тяжесть. Стены, поверхности столов, книг, элементы скрипок, гитар парят в особом оптически ирреальном пространстве.

3. В последнюю, синтетическую фазу кубизма (1913- 1914 г.) кубисты вводят в свои полотна неживописные элементы - наклейки от газет, театральных программ, афиш, спичечные коробки, обрывки одежды, куски обоев, подмешивают к краскам для усиления тактильной фактурности песок, гравий и другие мелкие предметы.

Н.Бердяев увидел в кубизме ужас распада, смерти, "зимний космический ветер", сметающий старое искусство и бытие.

Представители кубизма: П.Пикассо, Ж.Брак, Х.Грис.

Фовизм - (фр. Les faues - "дикие звери; эксперименты с открытым цветом") цвет становился главным средством душевного самовыражения, проявления симпатии к предметам окружающего мира. Фовистов волновала передача красочных, выразительных проявлений предметов, магия цветового воздействия на внутренний мир человека. В 1905 г. на выставке в Париже появилось полотно "Радость жизни" Анри Матисса (1869-1954), в которой четко обозначилась тенденция к абстрагирующей красоте.

Представители фовизма: Ж. Руо, Р. Дюфи, А.Матисс, М.Вламинка, А.Марке, А. Дерен.

Футуризм и кубофутуризм.

Футуризм - (лат. Futurum - "будущее") - одно из предельно эпатажных направлений в искусстве авангарда, наиболее полно реализовавшееся в визуальных и словесных искусствах Италии и России. Начало футуризма - публикация 20 февраля 1909 г. в парижской газете "Фигаро" "Манифеста футуризма" итальянского поэта Ф.Т. Маринетти (1876-1944). В центре эстетики футуризма - преклонение перед современной цивилизацией: упоенные новейшими достижениями техники, футуристы идеализировали урбанизацию, развитие индустрии, материальные ценности. Футуризм отвергал классическое высокое искусство и его "мистические идеалы".

Русский футуризм возник независимо от итальянского и был значительнее. Основа русского футуризма - ощущение краха, кризиса всего старого. Наиболее близким к футуризму было объединение кубофутуристов "Гилея", в которую входили А.Крученых, В.Маяковский, В.Хлебников, братья В. и Д. Бурлюки, В.Каменский и др., называвшие себя "будущниками", "будетленами".

Особо выделяются русские кубофутуристы-художники, творчески взаимодействующие с поэтами: Н. Гончарова, М. Ларионов, М. Матюшин, К. Малевич.

Абстракционизм.

Абстракционизм - общая тенденция целого ряда направлений авангарда 1910-1920-е гг. в живописи на создание живописно-пластических композиций, цветовых сочетаний, лишенных какого-либо вербализуемого смысла. В абстракционизме сложились два течения: психологическое и геометрическое.

Основателем психологического абстракционизма был Василий Кандинский (1866-1944), в картинах "Гора", "Москва" и др. он делал акцент на самостоятельной выразительной ценности цвета. Важны музыкальные ассоциации цветовых сочетаний, с помощью которых абстрактное искусство стремилось выразить глубинные "истины бытия", движение "космических сил", а также лиризм и драматизм человеческих переживаний.

Геометрический (логический, интеллектуальный) абстракционизм - это нонфигуративный кубизм. Художники создавали новый тип художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий. Например, в России - лучизм М.Ларионова (1881-1964), возникший как своеобразное преломление первых открытий в области ядерной физики; "беспредметничество" О.Розановой, Л.Поповой, В.Татлина; супрематизм К.Малевича.

Супрематизм.

Казимир Малевич (1878,1879-1935) открыл супрематизм в 1913 г.картиной "Черный квадрат". "То, что я изобразил, было не "пустым квадратом, а восприятием необъективности"" (К. Малевич).

Позже в очерке "Супрематизм, или Мир неотображения" (1920) художник сформулировал свои эстетические принципы: искусство непреходяще, чистая пластическая чувственность, универсальные (супрематические) живописные формулы и композиции - идеальные конструкции из геометрически правильных элементов. Сюжет, рисунок, пространственная перспектива в супрематизме отсутствуют, главное - геометрическая форма и открытый цвет. Уход в абстрактные формы. 3 периода супрематизма: черный, цветной и белый. Белый: когда художник стал писать белые формы на белом фоне.

Конструктивизм.

Конструктивизм - одно из главных направлений авангарда, поставившее в центр своей эстетики категорию конструкцию. Конструктивизм появился на заре научно-технической революции и идеализировал идеи техницизма; он ценил машины и их продукцию выше личности, призывал к борьбе с искусством. Конструкция - целесообразная организация элементов художественной структуры, имеющей конкретное утилитарное или функциональное значение. Родоначальник конструктивизма в России - Владимир Татлин (1885-1953), который создал ряд так называемых угловых рельефов: выведя пластические образы из картины в реальное пространство экспонирования с использованием реальных материалов: жести, дерева, бумаги, окрашенных в соответствующие цвета. Его знаменитый проект "Памятник III Коммунистического Интернационала", воплотившем идею социально-политической роли III Интернационала. Русский конструктивизм стоял на службе революционной идеологии большевиков.

Первое официальное утверждение конструктивизма в Европе произошло в 1922 г. в Дюссельдорфе, когда было объявлено о создании "Международной фракции конструктивистов". Согласно конструктивистской эстетике цель художественного творчества - "жизнестроение", производство целесообразных "вещей". Это способствовало развитию дизайна. Теоретик и практик функционализма (течения конструктивизма) Ле Корбюзье (1887-1965) стремился превратить город в залитый солнцем и открытый воздуху парк. Он создал модель "лучезарного города", не разделенного на районы иерархически разного уровня. Корбюзье утверждал в архитектуре идеи рационализма, демократии и равенства.

Особое место в истории конструктивизма занимал "Баухауз" (Bauhaus - "гильдия строителей") - организованная архитектором В. Гропиусом в 1919 г. в Германии художественно-промышленная школа, которая активно функционировала в Ваймаре, Дессау, Берлине до закрытия ее нацистами в 1933 г. Целью этой школы было подготовить художников-конструкторов на основе объединения новейших достижений искусства, науки и техники.

Дадаизм - это авангардное направление в искусстве и литературе Западной Европы. Сложилось в Швейцарии и развивалось с 1916 по 1922 год. Основатель направления румынский поэт Тристан Тцара (1896-1963). Истоки дадаизма восходят к кафе "Вольтер", открытого в 1916 г. в Цюрихе, где дадаисты (Х.Балл, Р.Хюльзенбек, Г.Арп) устраивали театральные и музыкальные вечера.

По-франц. "дада"- деревянная детская лошадка (Тцара наугад открыл "Словарь" Лярусса),

- "дада" - несвязный, детский лепет,

Дада - это пустота. Принципиально это слово ничего не значит. В отсутствии значения и есть значение.

Один из основателей дадизма немецкий поэт и музыкант Хуго Балл (1886-1927) считал, что для немцев это "показатель идиотской наивности" и всяческой "детскости": "То, что мы называем дада, это дурачество, извлеченное из пустоты, в которую обернуты все более высокие проблемы; жест гладиатора, игра, играемая ветхими останками … публичное исполнение фальшивой морали".

Принципами дадаизма стали: разрыв с традициями мировой культуры, бегство от культуры и реальности, представление о мире как о хаосе и безумии, в который обрушена беззащитная личность, пессимизм, безверие, отрицание ценностей, ощущение всеобщей потерянности и бессмысленности бытия, разрушение идеалов и цели жизни. Действительность в творчестве дадаистов доводилась до абсурда. С обществом они боролись с помощью революции в языке: разрушая язык, они разрушали общество. Дадаисты известны прежде всего своими лозунгами и шокирующим поведением и только затем художественными текстами. Произведения дадаистов рассчитаны на эпатаж и представляют собой иррациональное анархичное сочетание слов и звуков, которые на первый взгляд кажутся бессмысленными. Ирония, эротика, черный юмор, примесь бессознательного - составляющие артефактов дадаизма.

Реди-мейдс.

Реди-мейдс - (англ. Ready-made - "готовый") - произведения - предметы утилитарного обихода, изъятые из среды их обычного функционирования и без каких-либо изменений выставленные на художественной выставке в качестве произведений искусства. Основатель Марсель Дюшан (1887-1968), который первые реди-мейдс выставил в Нью-Йорке в 1913 г.: "Колесо от велосипеда" (1913), укрепленное на белом табурете, "Сушилка для бутылок" (1914), купленная по случаю у старьевщика, "Фонтан" (1917) - писсуар, прямо из магазина доставленный на выставку.

Дюшан считал, что никакая живописная копия не может показать предмет лучше, чем он сам своей явленностью. Проще выставить сам предмет в оригинале, чем стремиться изображать его. Внесение любого предмета в пространство художественной экспозиции узаконивало его статус как произведения искусства, если это "внесение" осуществлялось признанным художником.

Сюрреализм.

Сюрреализм (фр. Surrealism - "сверхреализм") появился в 1920-е гг. во Франции как направление, возникшее на художественно-эстетической почве идей фрейдизма, интуитивизма, художественных находок дадаизма и метафизической живописи.

Эстетика сюрреализма изложена в 2-х "Манифестах сюрреализма" Андре Бретона (1896-1966). Сюрреалисты призывали к освобождению человеческого духа от "оков" сциентизма, логики, разума, традиционной эстетики. 2 главных принципа сюрреализма: автоматическое письмо и запись сновидений. Обострение приемов алогичности, парадоксальности, неожиданности. Ирреальная (сверхреальная) художественная атмосфера, уводящая зрителя на иные уровни сознания. Для сюрреализма человек и мир, пространство и время текучи и относительны. Хаос мира вызывает и хаос художественного мышления - это принцип эстетики сюрреализма. Сюрреализм приводит человека на свидание с загадочной и непознаваемой, драматически напряженной вселенной. Одинокий человек сталкивается с таинственным миром.

Сюрреализм в живописи: Х.Миро, И.Танги, Г.Арп, С. Дали, М.Эрнст, А.Массон, П.Дельво, Ф.Пикабиа, С.Матта.

Безбрежен космос картин испанского живописца, скульптора и графика Сальвадора Дали (1904-1989), который заявил: "Сюрреализм - это я". (работы "Постоянство памяти", "Гала" и др.). Его полотна, словно пышные "похороны Бога", умирающего в груди человека, и холодные слезы по этой утрате. Сдвинутый, и перекошенный неузнаваемый мир на его полотнах то цепенеет, то корчится в конвульсиях. Цель - показать, что все на свете взаимопревращаемо. Невеселая ирония.

Сюрреализм в кино представлен творчеством режиссера Луиса Бунюэля (1900-1983)

Кино напоминает сновидения и связан с тайной. Фильм Бунюэля "Андалузский пес" знаменит сценой разрезания глаза - это сцена сюрреалистического жеста (акта), замечательны его фильмы "Дневная красавица", "Женщина без любви".

Термин "поп-арт" (англ. Popular art - "популярное, общедоступное искусство") был введен критиком Л.Эллуэем в 1965 г. Поп-арт - реакция на беспредметное искусство, удовлетворение "тоски" по предметности, порожденным долгим господством в западном искусстве абстракционизма. Теоретики поп-арта утверждают, что в определенном контексте каждый предмет теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства. Задача художника - придание обыденному предмету художественных качеств путем организации определенного контекста его восприятия. Поэтика этикетки и рекламы. Поп-арт - это композиция бытовых предметов, иногда в сочетании с муляжом или скульптурой.

Представители: Р.Гамильтон, Э.Паолоцци, Л.Эллуэй, Р.Бэнхем, П.Блейк, Р.Б. Китай, Д.Хокни, П.Филлипс. В Америке: Роберт Раушенберг (1925-2008), Джеспер Джонс (р.1930), Энди Уорхол, Р.Лихтенштейн, К.Ольденбург, Д.Дайн и др.

Энди Уорхол использовал трафареты для массового производства своих работ в мастерской "Фабрика". Его знаменитый диптих "Мерлин", с которой он был лично знаком. Идея убывающей, тускнеющей краски "ксерокопии": став знаменитостью, вы становитесь повторяемы, уязвимы, и постепенно перестаете существовать, стираетесь во мраке смерти. Джаспер Джонс рисовал американский флаг: нарезал кусочками газету и покрывал ее краской и воском.

Минимализм.

Минимализм - реакция на пестрый мир поп-арта, - направление в искусстве, провозгласившее принципы предельной экономии "изобразительно-выразительных средств", в качестве которых выступали технические детали и конструкции в их минимальном количестве и при минимальном вмешательстве художника в организацию создаваемого объекта. Чаще это были металлические скульптуро-конструкции, покрашенные в неброские цвета.

Представители: С. ЛеВитт, Д. Флэвин, К. Андрэ, Р. Моррис, Д. Джадд, Ф. Стеллар.

Лэнд-арт.

Лэнд-арт (англ. Land-art - "природо-искусство") - арт-практика, в которой деятельность художника выносится на природу и материалом для арт-объектов служат или чисто природные материалы или их сочетания с минимальным количеством искусственных элементов. В 1960-1980-е гг. художники В.де Мария, М.Хайцер, Д.Оппенхэйм, Р.Смитсон, Христо и др. осуществили крупные проекты в малодоступных местах природного ландшафта и в пустынях. На горах, на дне высохших озер художники рыли огромные котлованы и рвы различной формы, строили из обломков скал причудливые нагромождения, выкладывали спирали из камней в морских заливах, рисовали с помощью извести некие огромные рисунки на лугах и т.п. Своими проектами Лэнд-аристы протестовали против современной городской цивилизации, эстетики металла и пластики.

Концептуализм.

Концептуализм (англ. Concept - "понятие, идея, концепция") обосновали в 1968 г. американские художники Т.Аткинсон, Д.Байнбридж, М.Балдуин, Дж.Кошут, Л.Вейнер. Джозеф Кошут (р.1945) в программной статье "Искусство после философии" (1969) назвал концептуальное искусство культурным феноменом, пришедшим на смену традиционному искусству и философии. Концепт - замысел произведения. Произведение должно быть документально-зафиксированным проектом, документальной фиксацией концепта и процесса его материализации. Например, композиция Дж.Кошута из Музея современного искусства в Нью-Йорке "Один и три стула" (1965), представляющая собой три "ипостаси" стула: сам реально стоящий у стены стул, его фотография и словесное описание стула из энциклопедического словаря.

Модернизм в театре и кино.

Один из идеологов модернизма французский философ Жак Лакан (1901-1981) считал, что причиной многих неврозов, психозов и других нарушений, представляющих угрозу для душевной жизни человека, являются "театральные эффекты человеческого я". Будучи вовлеченным в процесс идентификации (поиска собственного реального "я"), человек подвергает себя искушению игрой, меняя маски. Модернистский театр отражал эту трагедийность человеческой расколотости, зыбкости "я", показывая абсурдность мира и, одновременно, выполнял своеобразную терапевтически-катарсическую функцию высвобождения человеческой психики от самозамкнутости в дебрях одиночества.

Трагедийный театр. Реализация в сценическом пространстве не конкретного произведения драматурга, а всего его творчества, воспринимая его как целостный мир взаимодействующих образов и взаимосвязанных коллизий.

Представитель: английский режиссер-реформатор Гордон Крэг.

Эпический театр. Создает систему новых взаимоотношений, основанную на веселой относительности и нравоучительной безнравственности, циничной свободе общения актера с образом.

Представитель: немецкий драматург и режиссер Бертольд Брехт (1898-1956) - основатель театра "Берлинский ансамбль".

Театр социальной маски. Театральная маска выражает определенный социальный тип, без индивидуальных черт. Например, каждый персонаж в спектаклях В. Мейерхольда ("Клоп", "Лес", "Дама с камелиями" и др.) был обращен лицом в зрительный зал и самостоятельно докладывал о себе в аудитории. Отношения между людьми ослаблены, конфликты затушеваны.

Представитель: русский режиссер-экспериментатор Всеволод Мейерхольд (1874-1940).

"Театр жестокости". Театр пытались вернуть к древней форме ритуального святилища, где зритель может приобщиться к первоначальным, "космическим" стихиям жизненности, впадая в "трансцендентный транс".

Представитель: Антонен Арто (1896-1948) .

Театр абсурда.

Основной девиз: "Выражать нечего, выражать не из чего, нет силы выражать, нет желания выражать, равно как и обязательства выражать".

Главный представитель: Эжен Ионеско (1909-1994), в своих произведениях "Лысая певица", "Урок", "Стулья" и проч. через доведение повседневности до фантастики, гиперболизацию человеческих отношений и чувств стремится показать всю абсурдность человеческого бытия. Например, в пьесе "Урок": учитель математики убивает свою ученицу, следуя логике: "арифметика ведет к философии, а философия - к преступлению", "словом можно убить". В пьесе "Стулья" два старика разносят стулья, ждут оратора, который не приходит, - они убивают себя. Образ пустоты пространства в зале и в душах этих стариков доведен до предела. В трагикомедии Ионеско "В ожидании Годо" местом действия является дорога, на обочине которой стоит одинокое дерево, под которым сидят 2 героя. Их встреча - миг, мгновение. Прошлого уже нет, а будущее не наступило. Герои не знают, откуда они идут, не имеют представления о ходе времени. Они бессильны что-либо сделать. Они слабы и как будто больны. Они ждут Годо - и сами не осознают, кто это. В пьесе "Эндшпиль" действие происходит в одной комнате, в которой находится герой, прикованный к креслу, не способный самостоятельно передвигаться. В пьесе "О, счастливые дни" в пустынном пространстве героиня Вини прикована к одной точке. В 1-м акте она по пояс засыпана землей, во 2-ом видна лишь ее голова. Метафора точки в пространстве, к которой привязана героиня - это смерть, могила, которая каждого тянет к себе, хотя не все замечают до времени ее присутствия.

Представители "театра абсурда": А. Адамов, Ж. Жене, С. Беккет.

"Фотогения" - стиль французского режиссера и теоретика кино Луи Деллюка (1890-1924), включающий методы ускоренной и замедленной съемки, ассоциативный монтаж, двойную композицию для подчеркивания внутренней значительности, таинственности объекта съемки.

Монументальный стиль.

Фильмы монументального стиля - это ленты без сценария, смысл произведения доносился до зрителей не через разработку характеров или сюжет, а через новый вид монтажа - "монтаж аттракционов", важная роль в котором отводилась жестам.

Представитель: русский кинорежиссер Сергей Эйзенштейн (1898-1948), его фильмы "Броненосец Потемкин", "Иван Грозный", "Александр Невский" и др.

Стиль "пост-Голливуд".

Возник как реакция на последствия "экономического чуда" в Европе после Второй Мировой войны. Философская база - идеи Ф. Ницше ("о смерти Бога") и О.Шпенглера (о закате Европы). Герой фильмов - лишний человек в обществе всеобщего благосостояния.

Так, немецкий режиссер и сценарист Райнер Вернер Фасбиндер (1945-1982) соединял в единое целое мотивы произведений Т.Манна с элементами уголовной хроники, музыку Л.Бетховена с воплями футбольных болельщиков и проч.

Модернизм в музыке.

Немецкий философ и социолог сер.XX в. Теодор Адорно (1903-1969) считал, что истинной является та музыка, которая передает чувство растерянности индивидуума в окружающем мире и полностью отгораживается от каких бы то ни было социальных задач.

Конкретная музыка.

Запись природных или искусственных звучаний, которые потом смешиваются и монтируются.

Представитель: французский акустик и композитор Пьер Шеффер (1910-1995).

Алеаторика.

В музыке главное - случайность. Так, музыкальная композиция может строиться с помощью жребия, на основе ходов шахматной партии, разбрызгивания чернил на нотной бумаге, бросания игральных костей и проч.

Представители: немецкий композитор, пианист и дирижер Карлхайнц Штокгаузен (р.1928), французский.композитор Пьер Вулез.

Пуантилизм.

Музыка в виде отрывистых звуков, окруженных паузами, а также коротких в 2-3 звука, мотивов.

Представитель: австрийский композитор и дирижер Антон Веберн (1883-1945).

Электронная музыка.

Музыка, созданная с помощью электронно-акустической и звуковоспроизводящей аппаратуры.

Представители: Х. Эймерт, К. Штокгаузен, В. Майер-Эппер.