คุณลักษณะสำคัญของงานใด ๆ ที่เกี่ยวข้องกับธรรมชาติของงานศิลปะและประกอบด้วยความจริงที่ว่าภาพที่สร้างขึ้นโดยศิลปินนั้นถูกมองว่าไม่เหมือนกันกับความเป็นจริง เป็นสิ่งที่สร้างขึ้นโดยความตั้งใจสร้างสรรค์ของผู้เขียน ศิลปะใด ๆ ที่สร้างชีวิตขึ้นมาใหม่อย่างมีเงื่อนไข แต่การวัดของ U. x นี้ อาจแตกต่างกัน ขึ้นอยู่กับอัตราส่วนของความน่าเชื่อถือและนิยาย ความแตกต่างเกิดขึ้นระหว่างนิยายระดับประถมศึกษาและมัธยมศึกษา ความสมจริงในระดับที่สูงกว่านั้นเป็นลักษณะเฉพาะเมื่อผู้เขียนไม่ได้ประกาศหรือเน้นย้ำถึงความสมมติของภาพที่ปรากฎ มัธยมศึกษา - นี่เป็นการละเมิดที่แสดงให้เห็นโดยศิลปินที่มีความสมจริงในการพรรณนาวัตถุหรือปรากฏการณ์ การดึงดูดจินตนาการอย่างมีสติ การใช้สิ่งแปลกประหลาด สัญลักษณ์ ฯลฯ เพื่อให้ปรากฏการณ์ชีวิตบางอย่างมีความคมชัดและความโดดเด่นเป็นพิเศษ

CONCEPT (lat. conceptus - แนวคิด) - 1. ส.อ. แอค-

Koldov-Alekseev (2414-2488) นักปรัชญาชาวรัสเซียด้านวัฒนธรรม

นักทอวิทยาและนักวิจารณ์วรรณกรรมชาวรัสเซียพลัดถิ่นเชื่อเช่นนั้น

เค “มีการฝึกจิตมาแทนที่เรา

ในกระบวนการคิดชุดของวัตถุที่ไม่มีกำหนด

สหายประเภทเดียวกัน” (Likhachev, 34.) ไม่เหมือน

การตีความของ Askoldov D.S. Likhachev แนะนำว่า K.

“ไม่ได้เกิดขึ้นโดยตรงจากความหมายของคำแต่ชัดเจน

เป็นผลจากการขัดแย้งกันของความหมายในพจนานุกรม

คำพูดที่มีประสบการณ์ส่วนตัวและพื้นบ้านของบุคคล... ศักยภาพ

แนวคิดจะกว้างและสมบูรณ์ยิ่งขึ้น วัฒนธรรมก็จะกว้างและสมบูรณ์ยิ่งขึ้น

ประสบการณ์ของมนุษย์” (อ้างแล้ว หน้า 35) เคอยู่

ใน “อุดมคติ” บางอย่างที่กำหนดโดยวงกลม

การสมาคมของแต่ละบุคคลและเกิดขึ้น

ในจิตสำนึกส่วนบุคคลไม่เพียงแต่เป็นการบ่งบอกถึงความเป็นไปได้เท่านั้น

ความหมายที่เป็นไปได้ แต่ยังเป็นการตอบสนองต่อความหมายก่อนหน้าด้วย

ประสบการณ์ภาษามนุษย์โดยรวมถือเป็นบทกวี

การพูดติดอ่าง วิทยาศาสตร์ สังคม ประวัติศาสตร์ เค.ไม่

เพียงแต่ “แทนที่” อำนวยความสะดวกในการสื่อสารความหมายของคำ

VA แต่ยังขยายความหมายนี้ออกไปโดยทิ้งโอกาสไว้

เพื่อการคาดเดา จินตนาการ การสร้างอารมณ์

ออร่าของคำ ในเวลาเดียวกัน K. ดูเหมือนจะเป็นเช่นนั้น

ระหว่างโอกาสอันมั่งคั่งที่เกิดขึ้น

พื้นฐานของ "ฟังก์ชันทดแทน" และข้อจำกัด -

mi พิจารณาจากบริบทของแอปพลิเคชัน โพเทน-

การเปิดคำศัพท์แยกออกมา

บุคคลและภาษาโดยรวม Likhachev เรียก Con-

เซปโตสเฟียร์ โดยสังเกตว่าคอนเซปโตสเฟียร์

ภาษาประจำชาติ (รวมถึงรายบุคคล) โดยเฉพาะ

มากยิ่งกว่าวัฒนธรรมทั้งหมดของประเทศ (บุคคล) ที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น ทั้งหมด

เคสามารถถอดรหัสได้แตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับ

จากบริบทชั่วขณะและความเป็นปัจเจกบุคคลของเนื้อหา

ผู้ให้บริการโซ่ ดังนั้นใน K. “คนแปลกหน้า” จึงมีความหมาย

บุคคลนี้อ่าน A. Blok และในบริบทใด

คำนี้ใช้; ใน K. "ปัญญา" - อย่างไร

บุคคลที่พูดหรือเขียนหมายถึงวัตถุ

กล่าวถึง; ใน K. “เหล็กสีแดงเข้ม” - บทกวีทำงานอย่างไร-

ความรู้ที่ผู้ได้ยินหรือออกเสียงอ่าน

นี่คือคำ สำนวนก็มีเคของตัวเองด้วย

(“ลาของบาลาอัม”, “หูของเดเมียน”, “ตำนานของ

รินาลึก") 2. ดูคอนเชตโต

แปลจากภาษาอังกฤษ: Askoldov-Alekseev S.A. แนวคิดและคำพูด// คำพูดของรัสเซีย

ซีรีย์ใหม่. L. , 1928. ฉบับที่. 2; Likhachev D.S. Conceptosphere ของรัสเซีย

ภาษา // การปลดปล่อยจากความเชื่อ ประวัติศาสตร์วรรณคดีรัสเซีย: รัฐ-

ความรู้และวิธีการศึกษา M. , 1997 T. 1. G.V

แนวความคิด แนวความคิด และ SKU -

กับ t ในเกี่ยวกับ (lat. conceptus - concept) - ศิลปะแห่งความคิด

เมื่อศิลปินสร้างสรรค์และสาธิตงานศิลปะไม่มากนัก

งานศิลปะมากเท่ากับงานศิลปะบางอย่าง

ยุทธศาสตร์ของรัฐบาล แนวความคิด ซึ่งโดยหลักการแล้ว

โดยทั่วไปสามารถแสดงได้ด้วยสิ่งประดิษฐ์ใดๆ

หรือเพียงแค่ท่าทางทางศิลปะ "การกระทำ" ราก

K. - ในงานของกลุ่มเปรี้ยวจี๊ดจำนวนหนึ่งในช่วงทศวรรษที่ 10-20:

นักอนาคตนิยม, Dadaists, OBERIU การผลิตแบบคลาสสิก

ดำเนินการ K. - "ประติมากรรม" โดย Marcel Duchamp "พื้นหลัง"

ตาล" (พ.ศ. 2460) ซึ่งเป็นนิทรรศการเกี่ยวกับ

มุมมองสาธารณะของโถปัสสาวะ

ในรัสเซีย K. ได้รับการยอมรับว่าเป็นงานศิลปะพิเศษ

ทิศทางใหม่และปรากฏอย่างไม่เป็นทางการ

ศิลปะแห่งปี 1970 ในบทกวี K. มีความเกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์

ปะทะ เนกราซอฟ, ยาน ซาตูนอฟสกี้, ดี.เอ.ปริกอฟ, เลฟ

Rubinstein และ Andrei Monastyrsky (Prigov และ Ru-

บินสไตน์ได้ร้องเพลงคู่ในเวลาต่อมา และโม-

Nastyrsky จะสร้างกลุ่มปฏิบัติการ "Collective

การกระทำ") ในร้อยแก้ว - V. Sorokin เป็นรูปเป็นร่าง

ศิลปะ - Ilya Kabakov และ Erik Bulatov โดยใช้

ความปรารถนาอันล้ำหน้าเพื่อความบริสุทธิ์และความพอเพียง

ความสง่างามของผู้ที่ได้รับการจัดสรร รูปแบบศิลปะ, นักมโนทัศน์

ถ่ายโอนปัญหาส่วนกลางไปยังระนาบอื่น

ไม่ได้เกี่ยวข้องกับรูปแบบอีกต่อไป แต่เกี่ยวข้องกับเงื่อนไขของมัน

การเกิดขึ้น ไม่มากตามข้อความเท่าตามบริบท

Vs. Nekrasov ตั้งข้อสังเกตว่าการเรียก K.

"บริบทนิยม" ส่งผลให้ความสัมพันธ์เปลี่ยนไป

ตำแหน่งที่กระตือรือร้นมากขึ้นอย่างมีนัยสำคัญ “ศิลปินเปื้อน

บนผืนผ้าใบ ผู้ชมกำลังดูอยู่ ศิลปินหยุดการแปรงฟัน

บนผืนผ้าใบและเริ่มทาให้ผู้ชม” (Kabakov)

ในทางปฏิบัติทางศิลปะ K. ย้ายจากผู้แต่ง

การผูกขาดกับเสียงข้างมากของภาษาที่เท่าเทียมกัน

ความหลากหลายในการใช้งาน (“ คำพูด”) - ผู้เขียน "ไม่

เราเป็นเจ้าของภาษา และภาษาก็เป็นเจ้าของเรา” หลังสมัยใหม่นี้

วิทยานิพนธ์ฉบับหนึ่งซึ่งปรากฏในความหมายบางประการ

ปริมาณการเปลี่ยนแปลงทางภาษาทั่วไปในปรัชญา

ศตวรรษที่ 20 พบงานศิลปะที่ตรงที่สุดของเขา

รูปลักษณ์ที่แท้จริงอย่างแม่นยำใน K.

บทกวีที่เป็นรูปธรรม ในลักษณะเดียวกับการคัดค้านและปฏิเสธ

ภาษาต่างดาวก็ใช้เนื้อสัมผัสของมัน str-

มุ่งมั่นเพื่อภาพต้นฉบับและความหมาย ถึง.,

ในกรณีที่ร้ายแรง ปฏิเสธที่จะสร้างเลย

งานศิลปะและจากสิ่งใดก็ตาม

การแสดงออก ติดดราม่า

สถานการณ์ความแปลกแยกทางภาษา K. จัดการภาษา ver-

เธอด้วยหลายภาษาเช่น "กล่องดำ"

สารอนินทรีย์ ตรงกลางปรากฎว่าไม่เท่ากัน

“ ประถมศึกษาเป็นพื้นฐาน” (Vs. Nekrasov)

และวัตถุที่ว่างเปล่า ภาพถูกลบออกไป เหลือเพียงภาพเดียวเท่านั้น

กรอบ แทนที่จะเป็นภาพ กลับกลายเป็นเรื่องแต่ง เปรียบเสมือนแบบจำลอง ราคา-

หมายเลขตรา ศิลปินปรับแต่งขอบและเฟรม ภาพ

การแสดงออกใน "อัลบั้ม" ของ Kabakov ข้อความใน "แคตตาล็อก"

“นวนิยาย” ของแอล. รูบินสไตน์และโซโรคินเป็นเสมือนแบบจำลอง

การมองเห็นภาพและข้อความ เรื่องนี้เน้นย้ำ

การปรากฏตัวในแถวทั่วไปของวัตถุว่างจริง ๆ -

tov - แผ่นสีขาวในอัลบั้ม, การ์ดที่ยังไม่ได้กรอก

ในแค็ตตาล็อก หน้าว่างในหนังสือ พวกเขามีลักษณะที่เหมือนกัน

ใช่ - ความเงียบฝีปาก ทำซ้ำบางส่วนที่นี่

กลไกพิธีกรรมกำลังหมดลงในพื้นที่ศักดิ์สิทธิ์

ซึ่งการกระทำทั้งหมดจะถูกบันทึกใหม่ ในบทบาทเท่านั้น

สิ่งศักดิ์สิทธิ์ที่มีความหมายในกรณีนี้คือ

ยังเป็นวัตถุที่ว่างเปล่า อุปกรณ์อนุกรม Kabakov, Rubin-

Stein, Sorokin, Monastyrsky และกลุ่ม Collective

การกระทำเชิงรุก" คือขีดจำกัดของการลดทอนทางศิลปะ

แก่นแท้ของความเรียบง่าย และรูปแบบขนาดเล็กที่นี่

ไม่เหมาะอีกต่อไป การเอาของว่าง สิ่งก่อสร้างเปลือยๆ

Kabakov, Rubinstein และ Sorokin สะสมงานศิลปะ

ผลกระทบสำคัญทีละน้อย “ผลกระทบเล็กน้อย-

mi" การเรียงสับเปลี่ยนภายนอกล้วนๆ เป็นทางการ

การเปลี่ยนแปลงที่ไม่ใช่โครงสร้าง เพื่อจะได้เงียบๆ.

คำพูดมีคารมคมคายค่อนข้างดังกึกก้อง

ชุดเครื่องมือที่ยอดเยี่ยม

ในสถานการณ์โซเวียตในความหลากหลายทางภาษาโดยรอบ

แน่นอนว่าความหลากหลายคือภาษาของคอมมิวนิสต์

การโฆษณาชวนเชื่อและตำนานของสหภาพโซเวียต แนวความคิด

ศิลปะที่ใช้ภาษานี้เรียกว่า

sotsarga (“ศิลปะสังคมนิยม”) สังคมแรก

ผลงานของ Tov ปรากฏในช่วงปลายทศวรรษ 1950

มอบให้กับความคิดสร้างสรรค์ของกลุ่ม Lianozov (ดูเฉพาะ

บทกวี) ในด้านการวาดภาพและกราฟิก กับ Oscar Rabin ใน

ezii - จาก KKholina, G. Sapgir, Vs. ในปี 1970 นี้

Prigov ดำเนินการต่อ - อยู่ในกรอบของการประชุมทั่วไปแล้ว

ขบวนการแนวความคิดที่เรียกว่า "mos-

โรงเรียนแห่งแนวความคิดคอฟสกี้”

ในช่วงทศวรรษ 1980 สำหรับคนรุ่นใหม่ (หลัง-

วันโซเวียต) K. เป็นประเพณีที่น่านับถืออยู่แล้ว โปร-

ปัญหาภาษาแปลกแยกคำพูดของคนอื่นยังคงอยู่

ในสปอตไลท์ ความสามารถในการอ้างอิงกลายเป็นสิ่งที่ขาดไม่ได้

องค์ประกอบของโคลงสั้น ๆ (ในหมู่ที่เรียกว่า "ผู้รีดผ้า" -

A. Eremenko, E. Bunimovich, V. Korkiya) และโซเชียลใหม่

tists - T. Kibirov และ M. Sukhotin - บางครั้งก็นำมา

ใบเสนอราคาถึงเซนตัน (โดยเฉพาะสุโขทัย) ก. และวันนี้

เนียมีอิทธิพลอย่างเห็นได้ชัดต่อกวีและศิลปินรุ่นเยาว์

โดซนิคอฟ

แปลจากภาษาอังกฤษ: Groys B. Utopia และการแลกเปลี่ยน ม. , 1993; Ryklin M. ผู้ก่อการร้าย

คิ ม. , 1993; Janecekเจ. ทฤษฎีและการปฏิบัติของแนวความคิดใน Vsevolo-

ใช่ Nekrasova // ยูเอฟโอ พ.ศ. 2537 ลำดับที่ 5; Zhuravleva A.M. , Nekrasov V.N. แพ็คเกจ

ม. 1996; ไอเซนเบิร์ก เอ็ม.เอ็น. ดูศิลปินฟรี ม. , 1997;

Ryklin M. Art เป็นอุปสรรค ม. , 1997; ทาร์ อี. การก่อการร้าย

ศีลธรรมอันดี ม. , 1998; คูลาคอฟ วี.จี. บทกวีเป็นข้อเท็จจริง ม., 1999;

Godfrey T. Conceptual art (ศิลปะและแนวคิด) ล., 1998; ฟาร์เวอร์ เจ. โกลบอล

มโนทัศน์: จุดกำเนิดระหว่างทศวรรษ 1950-1980 N.Y. , 1999. V.G. Kulakov

เมื่อรับชมภาพยนตร์ดัดแปลงหรือการผลิตละครเวทีใดๆ งานวรรณกรรมเรามักจะพบกับความไม่สอดคล้องกับโครงเรื่อง คำอธิบายตัวละคร และบางครั้งจิตวิญญาณของงานโดยรวม มันเกิดขึ้นว่าหลังจากอ่านหนังสือ ผู้คน "โดยไม่ต้องออกจากบ็อกซ์ออฟฟิศ" ไปดูหนังหรือโรงละครและตัดสินว่า "อะไรดีกว่า" - งานต้นฉบับหรือการตีความใหม่โดยใช้งานศิลปะรูปแบบอื่น

และบ่อยครั้งที่ผู้ชมผิดหวังเพราะภาพที่เกิดขึ้นในหัวหลังจากอ่านหนังสือไม่ตรงกับความเป็นจริงของงานที่ผู้กำกับแสดงบนหน้าจอหรือบนเวที ยอมรับว่าในสายตาของสาธารณชน ชะตากรรมของการดัดแปลงหรือการผลิตภาพยนตร์มักจะประสบความสำเร็จมากกว่าหากอ่านหนังสือหลังจากดู: จินตนาการก่อให้เกิด "ภาพ" โดยใช้ภาพของ "ผู้กำกับ" ที่เห็น

ดังนั้น เรามาค้นคว้าข้อมูลกันสักหน่อยแล้วลองพิจารณาว่า "รากเหง้าแห่งความชั่วร้าย" อยู่ที่ไหน และความไม่สอดคล้องกันประเภทใดบ้าง และเรายังต้องตอบคำถามหลักด้วย: ความคลาดเคลื่อนเหล่านี้เป็นแบบสุ่มหรือพิเศษ คำตอบสำหรับคำถามเหล่านี้และการวิเคราะห์ประสบการณ์ของผู้กำกับที่ยอดเยี่ยมจะแสดงให้เห็นว่าจะถ่ายทอด "บรรยากาศ" ของงานและความเป็นจริงที่อธิบายไว้ในนั้นได้อย่างไร ในทฤษฎีศิลปะ (วรรณกรรม ภาพยนตร์) ความไม่สอดคล้องกัน ภาพศิลปะวัตถุของภาพเรียกว่าแบบแผน มันเป็นแบบแผนในการคิดใหม่ทางศิลปะเกี่ยวกับวัตถุของภาพว่างานศิลปะถูกสร้างขึ้น หากไม่มีมันก็จะไม่มีบทกวีหรือ วิจิตรศิลป์, - ท้ายที่สุดแล้วกวีหรือศิลปินดึงการรับรู้ของเขาเกี่ยวกับโลกรอบตัวเขาซึ่งประมวลผลโดยจินตนาการของเขาซึ่งอาจไม่ตรงกับของผู้อ่าน ด้วยเหตุนี้ รูปแบบศิลปะจึงเป็นแบบแผน: เมื่อเราชมภาพยนตร์ ไม่ว่าจะบรรยายเหตุการณ์ต่างๆ ในภาพยนตร์นั้นออกมาน่าเชื่อแค่ไหน เราก็เข้าใจดีว่าความจริงนี้ไม่มีอยู่จริง มันถูกสร้างขึ้นโดยผลงานของทีมงานมืออาชีพทั้งหมด เราถูกหลอก แต่การหลอกลวงนี้เป็นศิลปะ และเรายอมรับมันเพราะมันให้ความเพลิดเพลิน: สติปัญญา (ทำให้เราคิดถึงปัญหาที่เกิดขึ้นในงาน) และสุนทรียศาสตร์ (ทำให้เรารู้สึกถึงความสวยงามและความสามัคคี)

นอกจากนี้ยังมีแบบแผนทางศิลปะ "รอง": มักเป็นที่เข้าใจกันมากที่สุดว่าเป็นชุดของเทคนิคที่เป็นลักษณะของใด ๆ ทิศทางศิลปะ- ตัวอย่างเช่นในละครในยุคคลาสสิกนิยม ได้มีการนำเสนอความต้องการของความสามัคคีของสถานที่ เวลา และการกระทำตามความจำเป็น

ในทฤษฎีศิลปะ (วรรณกรรม ภาพยนตร์) ความไม่สอดคล้องกันระหว่างภาพศิลปะกับวัตถุของภาพเรียกว่าแบบแผน มันเป็นแบบแผนในการคิดใหม่ทางศิลปะเกี่ยวกับวัตถุของภาพว่างานศิลปะถูกสร้างขึ้น

การประชุมทางศิลปะ

- หนึ่งในหลักการพื้นฐานของการสร้างสรรค์ งานศิลปะ- หมายถึงความไม่ระบุตัวตนของภาพศิลปะกับวัตถุของภาพ การประชุมทางศิลปะมีสองประเภท แบบแผนทางศิลปะเบื้องต้นเกี่ยวข้องกับวัสดุที่ใช้ในงานศิลปะประเภทนี้ ในวรรณคดี ลักษณะเฉพาะของการประชุมทางศิลปะขึ้นอยู่กับ ประเภทวรรณกรรม: การแสดงออกภายนอกของการกระทำในละคร การบรรยายความรู้สึกและประสบการณ์ในเนื้อเพลง คำอธิบายการกระทำในมหากาพย์ รูปแบบศิลปะขั้นทุติยภูมิไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของงานทั้งหมด มันเกี่ยวข้องกับการละเมิดความจริงอย่างมีสติ: จมูกของพันตรี Kovalev ถูกตัดออกและใช้ชีวิตด้วยตัวมันเองใน "The Nose" โดย N.V. Gogol นายกเทศมนตรีผู้มีศีรษะยัดเยียดใน "The History of a City" โดย M.E. Saltykov-Shchedrin

แบบแผนประเภทนี้ดูเหมือนจะตามมาจากครั้งแรก แต่ต่างจากแบบแผนนี้ คือมีสติ ผู้เขียนจงใจใช้วิธีการแสดงออก (คำคุณศัพท์ การเปรียบเทียบ คำอุปมาอุปมัย) เพื่อถ่ายทอดความคิดและอารมณ์ของตนไปยังผู้อ่านในรูปแบบที่ชัดเจนยิ่งขึ้น ในภาพยนตร์ ผู้แต่งก็มี “เทคนิค” ของตัวเอง ซึ่งล้วนแล้วแต่กำหนดสไตล์ของผู้กำกับขึ้นมา ดังนั้น Quentin Tarantino ที่รู้จักกันดีจึงมีชื่อเสียงในเรื่องแผนการที่ไม่ได้มาตรฐานซึ่งบางครั้งก็เป็นเรื่องไร้สาระ ฮีโร่ในภาพยนตร์ของเขามักเป็นโจรและพ่อค้ายาเสพติดซึ่งบทสนทนาเต็มไปด้วยคำสาป ในเรื่องนี้เป็นเรื่องน่าสังเกตว่าความซับซ้อนที่บางครั้งเกิดขึ้นเมื่อสร้างความเป็นจริงในโรงภาพยนตร์ Andrei Tarkovsky ในหนังสือของเขาเรื่อง "Captured Time" เล่าว่าเขาต้องทำงานหนักขนาดไหนในการพัฒนาแนวคิดเกี่ยวกับการวาดภาพช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ใน "Andrei Rublev" เขาต้องเผชิญกับทางเลือกระหว่าง "อนุสัญญา" สองแบบที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง: "โบราณคดี" และ "สรีรวิทยา"

ประการแรกซึ่งสามารถเรียกได้ว่าเป็น "ชาติพันธุ์วิทยา" กำหนดให้การทำซ้ำของยุคนั้นแม่นยำที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้จากมุมมองของนักประวัติศาสตร์โดยสังเกตลักษณะทั้งหมดของเวลานั้นแม้กระทั่งการตำหนิ

ส่วนที่สองนำเสนอโลกของเหล่าฮีโร่ใกล้กับโลกแห่งความทันสมัย ​​เพื่อให้ “ผู้ชมไม่รู้สึกถึง “อนุสาวรีย์” และความแปลกใหม่ของพิพิธภัณฑ์ไม่ว่าจะในเครื่องแต่งกาย ในภาษาถิ่น ในชีวิตประจำวัน หรือในสถาปัตยกรรม” คุณจะเลือกเส้นทางไหนในฐานะผู้กำกับ?

ภาพยนตร์มีโอกาสถ่ายทอดความเป็นจริงมากขึ้น โดยเฉพาะในแง่ของพื้นที่

ในกรณีแรก ความเป็นจริงทางศิลปะจะถูกถ่ายทอดออกมาอย่างเป็นไปได้จากมุมมอง คนจริงในขณะนั้นเป็นผู้มีส่วนร่วมในเหตุการณ์ต่างๆ แต่คงไม่สามารถเข้าใจได้สำหรับผู้ชมยุคใหม่ เนื่องจากการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในด้านวิถีชีวิต วิถีชีวิต และภาษาของผู้คน คนทันสมัยไม่สามารถรับรู้สิ่งต่าง ๆ มากมายในลักษณะเดียวกับผู้คนในศตวรรษที่ 15 (ตัวอย่างเช่น ไอคอนของ "Trinity" โดย Andrei Rublev) อีกทั้งการฟื้นตัว ยุคประวัติศาสตร์ด้วยความแม่นยำสูงสุดในงานภาพยนตร์ มันคือยูโทเปีย วิธีที่สองแม้ว่าจะมีการเบี่ยงเบนเล็กน้อยจากความจริงทางประวัติศาสตร์ แต่ก็ทำให้สามารถถ่ายทอด "สาระสำคัญ" ของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นได้ดีขึ้นและอาจรวมถึงตำแหน่งของผู้เขียนที่เกี่ยวข้องกับพวกเขาซึ่งมีความสำคัญมากกว่าสำหรับภาพยนตร์ในฐานะ ศิลปะ. ฉันอยากจะทราบว่าคุณลักษณะของ "ความเป็นไปตามธรรมเนียม" (ในความหมายกว้าง) ของภาพยนตร์ในฐานะศิลปะนั้นเป็น "หลักฐานภาพถ่าย" ที่ชัดเจนจากภายนอก: ผู้ชมเชื่อในสิ่งที่เกิดขึ้นเพราะเขาแสดงภาพด้วยความแม่นยำสูงสุด ของปรากฏการณ์แห่งความจริงที่ใกล้เคียงกับความคิดของเขา ตัวอย่างเช่น ผู้ชมจะเชื่อว่าภาพยนตร์เรื่องนี้เกิดขึ้นใกล้กับหอไอเฟล หากการถ่ายทำเกิดขึ้นใกล้กับหอไอเฟล ตามข้อมูลของ Tarkovsky ความเฉพาะเจาะจงของภาพยนตร์ในฐานะศิลปะคือ "ความเป็นธรรมชาติ" ของภาพ: ไม่ใช่ในบริบทของ "ความเป็นธรรมชาติ" ของ E. Zola และผู้ติดตามของเขา แต่เป็นคำพ้องสำหรับความถูกต้องของภาพในฐานะ " ธรรมชาติของรูปแบบการรับรู้ทางความรู้สึกของภาพยนต์” ภาพภาพยนตร์สามารถรวบรวมได้ด้วยความช่วยเหลือของข้อเท็จจริงของ "ชีวิตที่มองเห็นและได้ยิน" เท่านั้น มันจะต้องเชื่อได้จากภายนอก Tarkovsky ยกตัวอย่างวิธีที่ดีที่สุดในความเห็นของเขาในการวาดภาพความฝันในภาพยนตร์: ในความเห็นของเขา โดยไม่ต้องเน้นไปที่ "ความคลุมเครือ" และ "ความไม่น่าจะเป็นไปได้" มากนักในความเห็นของเขา จำเป็นต้องถ่ายทอดด้านที่เป็นข้อเท็จจริงของความฝันและ เหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในนั้นให้แม่นยำที่สุด

ยังมาจากภาพยนตร์เรื่อง "Andrei Rublev" ของ A. Tarkovsky (1966)

คุณลักษณะเฉพาะของภาพยนตร์นี้เป็นข้อได้เปรียบที่ยอดเยี่ยม เช่น เหนือโรงภาพยนตร์ ภาพยนตร์มีโอกาสมากขึ้นในการถ่ายทอดความเป็นจริง โดยเฉพาะในแง่ของพื้นที่ ในโรงละคร ผู้ชมต้องใช้ความพยายามในการ "เติมเต็ม" ภาพ: จินตนาการว่าฉากบนเวทีเป็นวัตถุจริง (ต้นปาล์มพลาสติกสำหรับภูมิทัศน์แบบตะวันออก) - และยังต้องยอมรับอนุสัญญาหลายประการ เช่น กฎ ในการสร้างฉาก: เพื่อให้นักแสดงได้ยินจึงถูกบังคับให้หันไปหาผู้ฟังรวมทั้งเพื่อถ่ายทอดความคิดของตนเองด้วยเสียงกระซิบ ในโรงภาพยนตร์ ต้องขอบคุณการทำงานของกล้อง แอคชั่นเหล่านี้จึงดูสมจริงมากขึ้น ราวกับว่าเรากำลังดูสิ่งที่เกิดขึ้นแบบเรียลไทม์ นักแสดงมีพฤติกรรมที่เป็นธรรมชาติ และหากพวกเขาถูกวางตำแหน่งในลักษณะพิเศษ ก็เป็นเพียงการสร้างเอฟเฟกต์พิเศษเท่านั้น . ภาพยนตร์ "อำนวยความสะดวก" ในการรับรู้ถึงสิ่งประดิษฐ์ทางศิลปะ - ผู้ชมไม่มีโอกาสที่จะไม่เชื่อในสิ่งนั้น โดยมีข้อยกเว้นบางประการ ซึ่งฉันจะกล่าวถึงด้านล่าง

หากพูดตามตรง ควรสังเกตว่า "ความดั้งเดิม" ที่ยิ่งใหญ่กว่าของโรงละครมีเสน่ห์ในตัวเอง โรงละครเปิดโอกาสให้คุณไม่เพียงแต่มองสิ่งที่กล้องแสดงให้คุณเห็นเท่านั้น และด้วยเหตุนี้ จึงสามารถเข้าใจโครงเรื่องไม่เพียงแต่ในแบบที่ผู้กำกับกำหนดเท่านั้น แต่ยังมองเห็น "ในมุมมอง": การแสดงของนักแสดงทุกคนที่ ครั้งหนึ่ง (และรู้สึกถึงความตึงเครียดที่ถ่ายทอดโดยอารมณ์ที่แท้จริงของผู้คนที่มีชีวิต) - ความประทับใจนี้ทำให้ "ความดั้งเดิม" และข้อบกพร่องมากเกินไปเป็นกลาง การผลิตละครและชนะใจ กลับไปที่การประชุมทางภาพยนตร์กันเถอะ ในกรณีของการดัดแปลงภาพยนตร์ จำเป็นต้องถ่ายทอดภาพให้ใกล้เคียงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ไม่ใช่ภาพจริง (ซึ่งไม่มีอยู่จริง) แต่ต้องสื่อถึงภาพวรรณกรรมด้วย โดยธรรมชาติแล้ว มีความจำเป็นต้องคำนึงถึงประเภทของการดัดแปลงภาพยนตร์: หากภาพยนตร์เรื่องนี้ถือเป็น "การอ่านใหม่" (ในกรณีนี้ เครดิตจะอ่านว่า "อิงจาก ... ", "อิงจาก ... ") เห็นได้ชัดว่าผู้ชมไม่ควรเรียกร้องให้ผู้สร้างปฏิบัติตามตัวอักษรของงานวรรณกรรม: ในภาพยนตร์ประเภทนี้ผู้กำกับจะใช้เพียงเนื้อเรื่องของภาพยนตร์เพื่อแสดงตัวตนซึ่งเป็นตัวตนของผู้แต่งเท่านั้น

มีการดัดแปลงที่ "บริสุทธิ์" ค่อนข้างน้อย: แม้แต่ในรูปแบบที่แสดงให้เห็นว่าตัวเองเป็นเช่นนั้น เสรีภาพและการเบี่ยงเบนก็ยังมองเห็นได้ บางครั้งไม่ใช่ความผิดของผู้กำกับด้วยซ้ำ

อย่างไรก็ตาม สถานการณ์จะแตกต่างออกไปเมื่อเราดู "การปรับตัว" (หรือ "การเล่าภาพประกอบ" ในคำศัพท์เฉพาะทางการศึกษาภาพยนตร์) เป็นการดัดแปลงภาพยนตร์ประเภทที่ยากที่สุดเพราะผู้กำกับรับหน้าที่ถ่ายทอดโครงเรื่องและจิตวิญญาณของงานได้อย่างแม่นยำ มีการดัดแปลงที่ "บริสุทธิ์" ค่อนข้างน้อย: แม้แต่ในรูปแบบที่แสดงให้เห็นว่าตัวเองเป็นเช่นนั้น เสรีภาพและการเบี่ยงเบนก็ยังมองเห็นได้ บางครั้งไม่ใช่ความผิดของผู้กำกับด้วยซ้ำ เราต้องการพิจารณากรณีที่เมื่อสร้างความเป็นจริงทางศิลปะของภาพยนตร์หรือภาพยนตร์ที่ดัดแปลงจากหน้าจอ มีข้อผิดพลาดเกิดขึ้น ซึ่งสายตาของผู้ชมเกาะติดอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ และด้วยเหตุนี้ การรับรู้เนื้อหาจึง "ยากขึ้น" เราไม่ได้หมายถึง "การเผยแพร่ภาพยนตร์" มากเท่ากับ "อนุสัญญา" ที่ผู้สร้างบังคับให้เราเชื่อ ดังนั้น หนึ่งในแบบแผนคือความแตกต่างระหว่างพื้นที่ของงาน ฉากที่สร้างขึ้นสำหรับภาพยนตร์ และบางสิ่งที่เป็นต้นฉบับ เช่น รูปภาพในงานวรรณกรรม รูปภาพในภาพยนตร์ซีรีส์ที่ออกฉายก่อนหน้านี้ การเลือกฉากเป็นงานที่หนักหนาสำหรับผู้กำกับ เนื่องจากพวกเขาคือผู้สร้าง "บรรยากาศ" ของภาพยนตร์ Tarkovsky ตั้งข้อสังเกตว่าบางครั้งผู้เขียนบทบรรยายถึง "บรรยากาศ" ของการตกแต่งภายในไม่ได้ตามตัวอักษร แต่โดยการระบุซีรีส์ที่เชื่อมโยงซึ่งทำให้การเลือกอุปกรณ์ประกอบฉากที่จำเป็นมีความซับซ้อน ตัวอย่างเช่น "ในสคริปต์ของฟรีดริช โกเรนสไตน์ เขียนว่า: ห้องมีกลิ่นฝุ่น ดอกไม้แห้งและหมึกแห้ง” คำอธิบายช่วยให้ผู้กำกับจินตนาการถึง "บรรยากาศ" ที่อธิบายไว้ได้อย่างง่ายดาย แต่งานที่ยากยิ่งกว่านั้นก็อยู่บนบ่าของเขา - การรวบรวมบรรยากาศอารมณ์และด้วยเหตุนี้การค้นหา เงินทุนที่จำเป็นการแสดงออก เป็นเรื่องน่าละอายที่ผู้กำกับได้ทำลายพื้นที่ที่ภาคก่อนๆ ได้สร้างอารมณ์ใหม่ขึ้นมา ตัวอย่างเช่น ทุกคนจำบรรยากาศอันมหัศจรรย์ของโลกเวทมนตร์ที่คริส โคลัมบัสสร้างขึ้นในภาคแรกและภาคที่สองของซีรีส์พอตเตอร์ได้ แต่หลายคนสังเกตเห็นว่าในภาพยนตร์เรื่องที่สาม "Harry Potter และนักโทษแห่งอัซคาบัน" กำกับโดย Alfonso Cuaron ภูมิทัศน์รอบปราสาทเปลี่ยนไปอย่างมาก: แทนที่จะต้อนรับสนามหญ้าสีเขียว กลับกลายเป็นทางลาดชัน กระท่อมของแฮกริดเปลี่ยนที่ตั้ง

ส่วนของภาพยนตร์เรื่อง "Harry Potter และนักโทษแห่งอัซคาบัน" (ผบ. Alfonso Cuaron, 2004)

จุดประสงค์ในการเปลี่ยนพื้นที่นั้นชัดเจน ทันทีที่หนังสือเริ่มจริงจังและน่ากลัวมากขึ้น สนามหญ้าสีเขียวก็เริ่มไม่เหมาะกับอารมณ์ แต่ผู้ชมที่อดไม่ได้ที่จะมองเห็นความไม่สอดคล้องกันระหว่างซีรีส์ของงานชิ้นเดียวทำได้เพียงยักไหล่และยอมรับมัน

พอตเตอเรียนา - ตัวอย่างที่ดีสำหรับ “อนุสัญญา” อีกประเภทหนึ่ง: ความแตกต่างระหว่างนักแสดงในแง่ของอายุ บางทีความคิดเห็นของฉันอาจทำให้แฟน ๆ ของภาพยนตร์ Harry Potter ประท้วง แต่เราต้องยอมรับว่าอายุของ Alan Rickman ผู้รับบท Severus Snape ในภาพยนตร์ทุกเรื่องเกี่ยวกับพ่อมดหนุ่มนั้นไม่สอดคล้องกับอายุของฮีโร่ ฮีโร่ของหนังสือมีอายุได้มากที่สุด 35-40 ปี เพราะเขามีอายุเท่ากับพ่อแม่ของแฮร์รี่ อย่างไรก็ตาม ตอนที่ถ่ายทำ Alan Rickman มีอายุ 68 ปี! และแน่นอนว่าเรื่องราวความรักแสนโรแมนติกของสเนปกับลิลี่ แม่ของพอตเตอร์ที่แสดงในภาพยนตร์เรื่องนี้ยังคงทำให้ผู้ชมขมวดคิ้วอยู่บ้าง เพราะความหลงใหลที่บรรยายไว้ของริคแมนซึ่งอยู่ในวัยชราแล้ว น่าเสียดายไม่ได้ทำให้เกิด เอฟเฟกต์แบบเดียวกับที่หนังสือเล่มนี้สร้างขึ้นในจิตวิญญาณของแฟนหนังสือและคาดหวังจากการดัดแปลงภาพยนตร์ด้วย ผู้ชมที่ดีกล่าวว่าซีรีส์ Potter ได้ถ่ายทำมาสิบสามปีแล้วในเวลานั้น แต่โดยทั่วไปแล้วผู้ชมที่ไม่ทราบบริบทของการดัดแปลงหนังสือหรือภาพยนตร์อาจเข้าใจผิดในความสัมพันธ์เฉพาะของตัวละคร เนื่องจากอายุของเขาไม่เหมาะสม สเนปในภาพยนตร์เรื่องนี้จึงมีตัวละครที่แตกต่างไปจากที่อธิบายไว้ในหนังสือเล็กน้อย ด้วยความเคารพต่อผลงานของอลัน ริคแมน ซึ่งเป็นหนึ่งในนักแสดงชาวอังกฤษที่เก่งกาจ ยิ่งไปกว่านั้น ในวัยเยาว์เขาเป็นคนที่น่าเชื่อถือมากโดยรับบทเป็นวายร้ายและผู้ร้ายที่มีเสน่ห์ (เช่นรับบทเป็นนายอำเภอแห่งนอตติงแฮมในภาพยนตร์เรื่อง "Robin Hood, Prince of Thieves" และผู้ตรวจสอบใน "The Land in the Closet" ).

ความไม่สอดคล้องกันในรูปลักษณ์ของตัวละครเป็นสถานการณ์ที่พบบ่อยที่สุดในการดัดแปลงภาพยนตร์ สำหรับผู้ชม บ่อยครั้งสิ่งสำคัญคือรูปลักษณ์ของนักแสดงจะต้องสอดคล้องกับภาพที่อธิบายไว้ในผลงาน

และนี่ก็เป็นสิ่งที่เข้าใจได้ เพราะคำอธิบายช่วยให้จดจำตัวละครและเชื่อมโยงกับภาพที่สร้างขึ้นในจินตนาการของผู้ชม หากผู้ชมสามารถทำเช่นนี้ได้ เขาก็ยอมรับนักแสดงในตัวเองด้วยอารมณ์ แล้วจึงคิดถึงความเหมาะสมของตัวละคร ตัวอย่างเช่น เป็นเรื่องที่น่าแปลกใจที่เห็นโดเรียน เกรย์เป็นสาวผมน้ำตาลในภาพยนตร์ปี 2009 ที่ดัดแปลงในชื่อเดียวกัน (แสดงโดยเบ็น บาร์นส์) ซึ่งเป็นสาวผมสีบลอนด์ในหนังสือและในภาพยนตร์ดัดแปลงครั้งก่อนๆ

ในภาพยนตร์ปี 1967 ที่ดัดแปลงจาก War and Peace ของ S. Bondarchuk นักแสดงหญิง Lyudmila Savelyeva ตรงกับคำอธิบายของ Natasha Rostova เป็นอย่างมาก แม้ว่าเธอจะดูแก่กว่าอายุของเธอเล็กน้อย (จริงๆ แล้วเธออายุเพียง 25 ปี) ซึ่งไม่สามารถพูดถึงนักแสดงหญิง Clemence Poésy ได้ ผู้เล่น Natasha Rostova ในซีรีส์ปี 2007 ในคำอธิบายของ L.N. Tolstoy Natasha Rostova ในนวนิยายเรื่องนี้ได้รับสถานที่สำคัญสำหรับการเคลื่อนไหวของร่างกายของเธอ:“ เด็กผู้หญิงที่มีตาสีเข้ม, ปากใหญ่, น่าเกลียด แต่มีชีวิตชีวาด้วยไหล่ที่เปิดกว้างแบบเด็ก ๆ ของเธอซึ่งหดตัวและเคลื่อนไหวในเสื้อท่อนบนของเธอจากความเร็ว วิ่งไปพร้อมกับผมหยิกดำของเธอร่วงหล่นลงมา” Clemence Poesy เป็นสาวผมบลอนด์ที่มีดวงตาสีอ่อนไม่เหมาะกับรูปร่างหน้าตา แต่ที่สำคัญกว่านั้นคือทำให้ภาพลักษณ์แย่ลงเนื่องจากเธอไม่ได้ถ่ายทอดเสน่ห์ที่นางเอกของเธอให้กำเนิดซึ่งแสดงถึงความมีชีวิตชีวาของชีวิตและชีวิตนั่นเอง อย่างไรก็ตามไม่มีใครสามารถโอนความรับผิดชอบทั้งหมดไปที่นักแสดงได้: ในหลาย ๆ ด้านตัวละครของนางเอกนั้นถูกกำหนดโดยน้ำเสียงทั่วไปของงาน โดยทั่วไปแล้ว การดัดแปลงภาพยนตร์ต่างประเทศสมัยใหม่จะแสดงให้ผู้ชมเห็นโลกที่แตกต่างจากที่เราคุ้นเคย วรรณกรรม XIXศตวรรษและโลกเปลี่ยนแปลงไปตามจิตสำนึกของชาวตะวันตก ตัวอย่างเช่นภาพลักษณ์ของ Anna Karenina ในภาพยนตร์ต่างประเทศสมัยใหม่ได้รับการรวบรวมโดย Sophie Marceau (1997) และ Keira Knightley (2012) ภาพยนตร์ทั้งสองเรื่องไม่ได้คำนึงถึงความแปลกประหลาดของยุคนั้นแม้ว่านางเอกของตอลสตอยจะอายุเพียง 28 ปี แต่ทุกคนในยุคนั้นก็รู้สึกและดูแก่กว่าวัย (ตัวอย่างหนึ่งคือสามีของ Anna Oblonsky อายุ 46 ปี ในตอนต้นของนวนิยายเรื่องนี้เขาถูกเรียกว่า "ผู้เฒ่า" ไปแล้ว

นักแสดงในบทบาทของ Natasha Rostova - Lyudmila Savelyeva (1967) และClémence Poesy (2007)

ด้วยเหตุนี้ แอนนาจึงถูกรวมอยู่ในหมวดหมู่ของผู้หญิงในวัย "บัลซัค" แล้ว ดังนั้นนักแสดงทั้งสองคนยังเด็กเกินไปสำหรับบทบาทนี้ โปรดทราบว่า Sophie Marceau ยังอายุใกล้เคียงกับนางเอกของเธอมากขึ้นด้วยเหตุนี้บางครั้งเธอก็สามารถถ่ายทอดเสน่ห์และความมีเสน่ห์ของเธอได้ไม่เหมือนกับ Keira Knightley ที่ดูเด็กเกินไปสำหรับบทบาทของเธอซึ่งเป็นสาเหตุที่เธอไม่สอดคล้องกับภาพ ของขุนนางหญิงชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19 ควรจะพูดแบบเดียวกันเกี่ยวกับตัวละครอื่น ๆ ที่เล่นโดยชายหนุ่มและหญิงสาวในทางปฏิบัติ - นี่ไม่น่าแปลกใจเลยเมื่อพิจารณาว่าภาพยนตร์เรื่องนี้กำกับโดยโจไรท์ผู้ทะเยอทะยานซึ่งไม่ใช่ครั้งแรกที่รับงานวรรณกรรมโลก เราสามารถพูดได้ว่าการชมภาพยนตร์ปี 2012 สำหรับผู้ชมชาวรัสเซียที่คุ้นเคยกับนวนิยายเรื่องนี้และยุคนั้นถือเป็น "การประชุมทางภาพยนตร์" ที่สมบูรณ์ (และแม้ว่า Tom Stoppard ผู้ยิ่งใหญ่จะเป็นผู้เขียนบทภาพยนตร์เรื่องนี้ก็ตามซึ่งได้รับเชิญให้เป็นผู้เชี่ยวชาญ ในวรรณคดีรัสเซีย - อย่างที่เราทราบกันดีว่าสคริปต์นั้นเป็นตัวเป็นตนโดยผู้กำกับและนักแสดงและผลลัพธ์ก็คือ ในระดับที่มากขึ้นขึ้นอยู่กับงานของพวกเขา)

อย่างไรก็ตาม การเปลี่ยนนักแสดงในภาพยนตร์หรือซีรีส์เรื่องเดียวกันถือเป็นเทคนิคที่ไม่ระมัดระวังมากที่สุดอย่างหนึ่งในวงการภาพยนตร์ ผู้ชมในสถานการณ์เช่นนี้ตกอยู่ในตำแหน่งที่ยากลำบาก - เขาต้องแสร้งทำเป็นว่าไม่ได้สังเกตเห็นสิ่งใดเลยและเชื่อใน "การประชุมทางภาพยนตร์" นี้เชื่อว่าฮีโร่ตัวเก่าได้รับโฉมหน้าใหม่ ในความเป็นจริงเขาไม่จำเป็นต้องทำเช่นนี้เนื่องจากเทคนิคนี้ขัดแย้งกับลักษณะเฉพาะของภาพยนตร์ซึ่งฉันเขียนไว้ข้างต้น อีกสถานการณ์หนึ่งคือเมื่อการเปลี่ยนแปลงนักแสดงได้รับการพิสูจน์โดยลักษณะเฉพาะของความเป็นจริงทางศิลปะ ตัวอย่างเช่น ตลอด 52 ปีของการมีอยู่ของซีรีส์ Doctor Who ตัวละครหลักเล่นโดยนักแสดงที่แตกต่างกัน 13 คน แต่ผู้ชมก็ไม่แปลกใจ เพราะเขารู้ดีว่าตามเนื้อเรื่องพระเอกสามารถเปลี่ยนตัวละครของเขาได้อย่างสมบูรณ์ในกรณีที่เกิดอันตรายถึงชีวิต

ผู้ชมในสถานการณ์เช่นนี้ตกอยู่ในตำแหน่งที่ยากลำบาก - เขาต้องแสร้งทำเป็นว่าไม่ได้สังเกตเห็นสิ่งใดเลยและเชื่อใน "การประชุมทางภาพยนตร์" นี้เชื่อว่าฮีโร่ตัวเก่าได้รับโฉมหน้าใหม่ ในความเป็นจริงเขาไม่จำเป็นต้องทำเช่นนี้เนื่องจากเทคนิคนี้ขัดแย้งกับลักษณะเฉพาะของภาพยนตร์ซึ่งฉันเขียนไว้ข้างต้น

ความไม่สอดคล้องกันอาจอยู่ที่ระดับโครงเรื่องและองค์ประกอบของงาน “แบบแผนด้านภาพยนตร์” ประเภทนี้ซับซ้อนที่สุด เนื่องจากแนวคิดของ “โครงเรื่อง” รวมไปถึงภาพของงานทั้งหมด ได้แก่ ฉาก ตัวละคร รายละเอียด ตัวอย่างของ "ความเป็นไปตามแบบแผน" ของโครงเรื่องสามารถให้ได้บนพื้นฐานของภาพยนตร์ดัดแปลงเรื่อง "The French Lieutenant's Woman" ในปี 1987 ที่กำกับโดย Karl Reisch ฉันขอเตือนคุณว่านวนิยายของ John Fowles เป็นนวนิยายหลังสมัยใหม่ที่ผู้เขียนสื่อสารและเล่นกับผู้อ่านของเขา เกมดังกล่าวยังเปิดโอกาสให้ผู้อ่านเลือกตอนจบได้สามแบบ วิธีแรกคือการเสียดสีตอนจบอันแสนสุขของความรักแบบวิคตอเรียน เมื่อชาร์ลส์ถูกทิ้งให้อยู่กับเออร์เนสติน เจ้าสาวของเขา และทั้งคู่ต่างก็พอใจและมีความสุข ส่วนที่สองและสามแสดงถึงพัฒนาการของกิจกรรมระหว่างนั้น การประชุมครั้งสุดท้ายชาร์ลส์และซาราห์ ผู้กำกับที่กำลังพิจารณาสร้างภาพยนตร์ที่ดัดแปลงจากนวนิยายที่ไม่ธรรมดาเช่นนี้ต้องเผชิญกับงานที่ยากลำบาก ผู้กำกับสามารถถ่ายทอดความเฉพาะเจาะจงของนวนิยายหลังสมัยใหม่และโดยเฉพาะอย่างยิ่งตัวเลือกตอนจบได้อย่างไร? Karl Reisch แสดงด้วยวิธีดั้งเดิม: เขาสร้างองค์ประกอบเฟรม กล่าวคือ ภาพยนตร์ภายในภาพยนตร์ และแนะนำโครงเรื่องเพิ่มเติม - ความสัมพันธ์ระหว่างนักแสดงที่เล่นในภาพยนตร์ดัดแปลงอย่าง Mike และ Anna ดังนั้นผู้กำกับจึงเล่นกับผู้ชมทำให้เขาเปรียบเทียบบทและสงสัยว่ามหากาพย์ทั้งหมดนี้จะจบลงอย่างไร แต่ผู้กำกับไม่เหมือนกับ Fowles ตรงที่ไม่มีตอนจบสองแบบ แต่เป็นเพียงการจบโครงเรื่องตามลำดับ - ในแง่นี้ "ภาพยนตร์หลังสมัยใหม่" ใช้งานไม่ได้ อย่างไรก็ตาม เราต้องแสดงความเคารพต่อแนวทางที่ไม่ธรรมดาเช่นนี้ เนื่องจากผู้กำกับสามารถจำกัดตัวเองอยู่เพียงแนวทางเดียวได้ โครงเรื่องและเปลี่ยนการดัดแปลงภาพยนตร์ให้กลายเป็นเรื่องประโลมโลกซ้ำซาก อย่างไรก็ตาม สำหรับผู้ชมที่คุ้นเคยกับลักษณะเฉพาะของนวนิยาย เทคนิคที่กล่าวมาข้างต้นของผู้กำกับอาจดูเหมือนเป็นทางออกที่ "ธรรมดา" จากสถานการณ์ ซึ่งมีเพียงบางส่วนเท่านั้นที่อนุญาตให้แก้ไขงานที่ทำอยู่ได้

ส่วนของภาพยนตร์โดย K. Reisch “The French Lieutenant’s Woman” (1987)

เราบอกผู้อ่านและผู้ชมเกี่ยวกับ ประเภทต่างๆ"การประชุม" ในละครและภาพยนตร์เพื่อช่วยกำหนดความรู้สึกที่ปรากฏในจิตวิญญาณของเราแต่ละคนเมื่อเราค้นพบความไม่สอดคล้องกันในการดัดแปลงหรือการผลิตภาพยนตร์ เราพบว่าบางครั้งความไม่สอดคล้องกันและ "อนุสัญญา" เกิดขึ้นเนื่องจากไม่ได้คำนึงถึงลักษณะเฉพาะของงานศิลปะประเภทนี้และลักษณะเฉพาะของการรับรู้ของผู้ชมในงาน ภาพยนตร์เป็นรูปแบบที่ค่อนข้างใหม่ ดังนั้นผู้กำกับจึงต้องเผชิญกับคำถามมากมายเกี่ยวกับวิธีเปลี่ยนความเป็นจริงทางศิลปะของงานวรรณกรรมให้เป็นละครหรือภาพยนตร์ โดยไม่สูญเสียความหมายของงานและไม่ทำให้ผู้ชมไม่พอใจ

อนาสตาเซีย ลาฟเรนเทียวา

อนุสัญญา- นี่คือคุณลักษณะสำคัญของงานศิลปะใดๆ ธรรมเนียมทางศิลปะเกี่ยวข้องกับการใช้เทคนิคที่ทำหน้าที่เป็นรูปแบบพิเศษในการสะท้อนความเป็นจริงและช่วยให้เข้าใจความหมายของงานได้ดีขึ้น อนุสัญญาในวรรณคดีมีสองประเภท

ผู้เขียนไม่ได้เน้นแบบแผนหลัก (ซ่อนเร้นโดยปริยาย) งานถูกสร้างขึ้นบนหลักการของความเหมือนมีชีวิต แม้ว่าทั้งตัวละครและโครงเรื่องอาจเป็นเรื่องสมมติก็ตาม ผู้เขียนหันไปใช้การพิมพ์แม้ว่าฮีโร่ของเขาจะมีต้นแบบที่แท้จริงก็ตาม ตัวอย่างของศูนย์รวมของการประชุมประเภทนี้ถือได้ว่าเป็นบทละครของ A. Ostrovsky และนวนิยายของ I. Turgenev ทุกสิ่งที่อธิบายไว้ในนั้นค่อนข้างเป็นไปได้และอาจเกิดขึ้นได้จริง

ผู้เขียนหันไปใช้แบบแผนรอง (เปิดกว้าง ชัดเจน) หากต้องการเน้นย้ำถึงความไร้สาระ ความเพ้อฝัน และความคิดริเริ่มของสถานการณ์ สิ่งนี้สามารถทำได้โดยการใช้สิ่งที่แปลกประหลาด แฟนตาซี สัญลักษณ์ และถ้วยรางวัลทั้งหมด (ชาดก อติพจน์ คำอุปมาอุปไมย ฯลฯ ) - ทั้งหมดนี้เป็นวิธีการในการเปลี่ยนรูปความเป็นจริงรูปแบบของการจงใจละทิ้งความเป็นไปได้

การประชุมประเภทนี้มักใช้โดย Saltykov-Shchedrin ซึ่งเป็นลักษณะเด่นของสไตล์ของเขา ผู้เขียนผสมผสานแผนการเล่าเรื่องหลายเรื่องในคราวเดียว: เป็นจริง ทุกวัน และมหัศจรรย์ (“ปลาสร้อยที่ฉลาด” เป็นพวกเสรีนิยมสายกลางผู้รู้แจ้ง รายละเอียดเกี่ยวกับเขา ชีวิตประจำวัน, องค์ประกอบเทพนิยายที่ยอดเยี่ยม) ใน "ประวัติศาสตร์ของเมือง" นักเสียดสีผสมผสานการ์ตูนและโศกนาฏกรรมโครงเรื่องของตำนานเทพนิยายตำนานเข้ากับเหตุการณ์จริง Gloomy-Burcheev เป็นเรื่องตลก แต่กิจกรรมของเขาส่งผลที่น่าเศร้าทั้งต่อครอบครัวของเขา (ลูก ๆ เสียชีวิต) และต่อ Foolov ทั้งหมด

ผู้เขียนใช้สัญลักษณ์เปรียบเทียบอย่างกว้างขวาง: นักแสดงในเทพนิยายของเขาเช่นเดียวกับในนิทานของ I. Krylov มักปรากฏสิงโตหมีและลาซึ่งแสดงถึงลักษณะของมนุษย์แต่ละคนและตัวละครที่เต็มเปี่ยม Shchedrin เสริมรายการดั้งเดิมด้วยตัวละครของเขาเอง: แมลงสาบ, ปลาคาร์พ crucian, gudgeon ฯลฯ

ผู้เขียนมักจะใช้คำพูดเกินจริง: การเชื่อฟังและความรักของชาว Foolovites ที่มีต่อผู้ปกครองนั้นเกินจริงอย่างเห็นได้ชัด บางครั้งการพูดเกินจริงถึงจุดที่ไร้สาระ จินตนาการและความเป็นจริงปะปนกัน ใน “The Wild Landowner” มี “ฝูงผู้ชาย” ที่แปลกประหลาดปรากฏขึ้น ซึ่งถูกปล้นและส่งไปที่เขต นายกเทศมนตรีทุกคนใน “The History of a City” เป็นคนแปลกประหลาด

วิธีการพรรณนาเสียดสี

ภาษาอีสเปียน- ชาดกประเภทพิเศษ ภาษาของนักเขียนที่แสดงออกถึงความคิดของเขาอย่างไม่ชัดเจน เต็มไปด้วยคำใบ้และการละเว้นอย่างจงใจ ด้วยเหตุผลต่างๆ นานา ไม่ใช่แสดงออกโดยตรงแต่เป็นเชิงเปรียบเทียบ หัวข้อที่กล่าวถึงในงานไม่มีชื่อ แต่มีคำอธิบายและเดาได้ง่าย

ไฮเปอร์โบลา- เทคนิคการแสดงออกซึ่งเป็นวิธีการนำเสนอทางศิลปะโดยอาศัยการพูดเกินจริง การแสดงออกเป็นรูปเป็นร่างซึ่งประกอบด้วยเหตุการณ์ ความรู้สึก ความเข้มแข็ง ความหมาย ขนาดของปรากฏการณ์ที่พูดเกินจริงมากเกินไป สามารถทำให้เป็นอุดมคติและทำให้อับอายได้

ลิโทเตส- เทคนิคการแสดงออก ซึ่งเป็นวิธีการพรรณนาทางศิลปะโดยอาศัยการพูดเกินขนาด ความแข็งแกร่ง และความสำคัญของปรากฏการณ์ที่บรรยาย (“เด็กชายขนาดเท่านิ้ว” “ชายร่างเล็กขนาดเท่าเล็บมือ”)

พิสดาร- การ์ตูนประเภทหนึ่ง ซึ่งเป็นการพูดเกินจริงเชิงเสียดสีที่เป็นไปได้สูงสุด นำเสนอปรากฏการณ์ชีวิตที่ถูกเยาะเย้ยในรูปแบบที่น่าทึ่งและน่าอัศจรรย์ โดยละเมิดขอบเขตของความน่าเชื่อถือ

ในวรรณคดีมีภาพที่ธรรมดาและเหมือนจริง

Life-like คือความเป็นจริงที่เป็นเหมือนกระจกเงาของชีวิต

เงื่อนไขคือการละเมิด การเสียรูป มีสองระดับ - ที่ปรากฎและโดยนัย เหมือนมีชีวิต - ตัวละครและประเภท, ธรรมดา - สัญลักษณ์, ชาดก, พิสดาร

ภาพที่เหมือนจริงจะเหมือนกับความเป็นจริงมากที่สุด

คำในงานศิลปะมีพฤติกรรมแตกต่างไปจากคำพูดทั่วไป - คำนี้เริ่มตระหนักถึงฟังก์ชันเชิงสุนทรีย์ นอกเหนือจากฟังก์ชันในการสื่อสาร วัตถุประสงค์ของคำพูดธรรมดาคือการสื่อสารการส่งข้อมูล ฟังก์ชั่นสุนทรียภาพนั้นแตกต่างกัน ไม่เพียงแต่ถ่ายทอดข้อมูลเท่านั้น แต่ยังสร้างอารมณ์บางอย่าง ถ่ายทอดข้อมูลทางจิตวิญญาณ ความคิดอีกด้วย คำพูดนั้นแสดงออกมาแตกต่างออกไป บริบท ความเข้ากันได้ การเริ่มต้นจังหวะ (โดยเฉพาะในบทกวี) เป็นสิ่งสำคัญ คำในงานศิลปะไม่มีความหมายเฉพาะเหมือนคำพูดในชีวิตประจำวัน ตัวอย่าง: แจกันคริสตัลและเวลาคริสตัลโดย Tyutchev คำนี้ไม่ปรากฏในความหมาย เวลาคริสตัล - คำอธิบายเสียงในฤดูใบไม้ร่วง

รูปภาพทั่วไปได้แก่:

ชาดก

พิสดารมักใช้เพื่อการเสียดสีหรือเพื่อบ่งบอกถึงหลักการที่น่าเศร้า

พิสดารเป็นสัญลักษณ์ของความไม่ลงรอยกัน

รูปแบบของพิสดาร: การเปลี่ยนแปลงสัดส่วน, การละเมิดขนาด, สิ่งไม่มีชีวิตแทนที่สิ่งมีชีวิต

สไตล์พิสดารมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วย alogisms มากมายและการผสมผสานของเสียงที่แตกต่างกัน สัญลักษณ์เปรียบเทียบและสัญลักษณ์ - สองระดับ: แสดงให้เห็นและโดยนัย

ชาดกไม่คลุมเครือ - มีคำแนะนำและการถอดรหัส:

1) จินตภาพ

2) โดยนัย

สัญลักษณ์นี้มีหลายค่าและไม่มีวันหมด ในสัญลักษณ์ ทั้งสิ่งที่แสดงให้เห็นและสิ่งที่บอกเป็นนัยมีความสำคัญเท่าเทียมกัน

ไม่มีข้อบ่งชี้ในสัญลักษณ์

ด้วยสัญลักษณ์ การตีความหลายอย่างจึงเป็นไปได้ และด้วยสัญลักษณ์เปรียบเทียบ ก็ทำให้มีความคลุมเครือได้

วรรณกรรมแห่งศตวรรษของเรา - เหมือนเมื่อก่อน - อาศัยทั้งเหตุการณ์และบุคคลในนิยายและไม่ใช่ตัวละครอย่างกว้างขวาง ขณะเดียวกันการปฏิเสธนิยายในนามของการปฏิบัติตามความจริงในหลายกรณีที่มีความชอบธรรมและมีผล6 แทบจะไม่สามารถกลายเป็นถนนสายหลักได้ ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ: โดยไม่ต้องพึ่งพาภาพที่แต่งขึ้น งานศิลปะและโดยเฉพาะอย่างยิ่งวรรณกรรมก็ไม่สามารถนำเสนอได้

ผู้เขียนสรุปข้อเท็จจริงของความเป็นจริงผ่านนิยาย รวบรวมมุมมองของเขาต่อโลก และแสดงให้เห็นถึงพลังสร้างสรรค์ของเขา ฟรอยด์แย้งว่านิยายเชิงศิลปะเกี่ยวข้องกับแรงผลักดันที่ไม่พอใจและความปรารถนาที่ถูกระงับของผู้สร้างผลงานและแสดงออกโดยไม่ได้ตั้งใจ

แนวคิดของนิยายเชิงศิลปะทำให้ขอบเขตชัดเจนขึ้น (บางครั้งก็คลุมเครือมาก) ระหว่างงานที่อ้างว่าเป็นข้อมูลเชิงศิลปะและสารคดี หากเนื้อหาสารคดี (ทางวาจาและภาพ) ไม่รวมถึงความเป็นไปได้ของเรื่องแต่งตั้งแต่เริ่มแรก ก็จงทำงานโดยมีจุดประสงค์ที่จะรับรู้สิ่งเหล่านั้นตามที่นิยายอนุญาต (แม้ในกรณีที่ผู้เขียนจำกัดตัวเองให้สร้างข้อเท็จจริง เหตุการณ์ และบุคคลที่เกิดขึ้นจริงขึ้นมาใหม่) ข้อความในวรรณกรรมนั้นอยู่อีกด้านหนึ่งของความจริงและความเท็จ ในขณะเดียวกัน ปรากฏการณ์ทางศิลปะก็สามารถเกิดขึ้นได้เมื่อรับรู้ข้อความที่สร้างขึ้นด้วยกรอบความคิดเชิงสารคดี: “... สำหรับสิ่งนี้ ก็เพียงพอที่จะบอกว่าเราไม่สนใจความจริงของเรื่องนี้ เพียงแต่เราอ่านมัน” ราวกับว่ามันเป็นผลไม้<...>การเขียน."

รูปแบบของความเป็นจริง "หลัก" (ซึ่งไม่มีอยู่ในสารคดี "บริสุทธิ์" อีกครั้ง) ได้รับการทำซ้ำโดยนักเขียน (และศิลปินโดยทั่วไป) โดยคัดเลือกและเปลี่ยนแปลงไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ส่งผลให้เกิดปรากฏการณ์ที่ D.S. ลิคาเชฟชื่อ โลกภายในผลงาน: “งานศิลปะแต่ละชิ้นสะท้อนโลกแห่งความเป็นจริงในมุมมองที่สร้างสรรค์<...>- โลกแห่งงานศิลปะสร้างความเป็นจริงในรูปแบบ "ตัวย่อ" แบบมีเงื่อนไขบางฉบับ<...>- วรรณกรรมใช้เพียงปรากฏการณ์บางอย่างของความเป็นจริงแล้วลดหรือขยายปรากฏการณ์ตามอัตภาพ

ในเวลาเดียวกัน มีแนวโน้มสองประการในจินตภาพทางศิลปะ ซึ่งถูกกำหนดโดยคำว่า ธรรมดา (การเน้นของผู้เขียนในเรื่องความไม่ระบุตัวตน หรือแม้แต่การตรงกันข้าม ระหว่างสิ่งที่ปรากฎและรูปแบบของความเป็นจริง) และความเหมือนชีวิต ( ยกระดับความแตกต่างดังกล่าว สร้างภาพลวงตาของเอกลักษณ์ของศิลปะและชีวิต

ในช่วงต้น ขั้นตอนทางประวัติศาสตร์ในงานศิลปะ รูปแบบของการเป็นตัวแทนมีชัย ซึ่งปัจจุบันถูกมองว่าเป็นเรื่องปกติ ประการแรกคือคำอติพจน์ในอุดมคติของประเภทสูงแบบดั้งเดิม (มหากาพย์, โศกนาฏกรรม) สร้างขึ้นโดยพิธีกรรมสาธารณะและเคร่งขรึม วีรบุรุษที่แสดงออกด้วยคำพูดท่าทางท่าทางท่าทางที่น่าสมเพชและมีประสิทธิภาพในการแสดงละครและมีคุณสมบัติลักษณะพิเศษที่เป็นตัวเป็นตน ความแข็งแกร่งและพลัง ความงามและเสน่ห์ (จดจำ วีรบุรุษผู้ยิ่งใหญ่หรือทาราส บุลบาของโกกอล) และประการที่สอง นี่คือพิสดารซึ่งก่อตัวและเสริมความแข็งแกร่งโดยเป็นส่วนหนึ่งของการเฉลิมฉลองงานรื่นเริง โดยทำหน้าที่เป็นล้อเลียน เป็นการหัวเราะ "สองเท่า" ของผู้ที่น่าสมเพชอย่างเคร่งขรึม และต่อมาได้รับความสำคัญทางโปรแกรมสำหรับคู่รัก 12 เป็นเรื่องปกติที่จะเรียกการเปลี่ยนแปลงทางศิลปะของรูปแบบชีวิตซึ่งนำไปสู่ความไม่ลงรอยกันที่น่าเกลียดบางอย่างกับการรวมกันของสิ่งที่ไม่เข้ากันซึ่งแปลกประหลาด พิสดารในงานศิลปะนั้นคล้ายกับความขัดแย้งในตรรกะ มม. Bakhtin ผู้ศึกษาจินตภาพพิสดารแบบดั้งเดิม ถือว่านี่เป็นศูนย์รวมของความคิดที่รื่นเริงและร่าเริง: “พิสดารปลดปล่อยเราจากความจำเป็นที่ไร้มนุษยธรรมทุกรูปแบบที่แทรกซึมอยู่ในแนวความคิดที่มีอยู่ทั่วไปเกี่ยวกับโลก<...>หักล้างความจำเป็นนี้ว่าสัมพันธ์กันและมีจำกัด รูปร่างพิสดารช่วยให้หลุดพ้น<...>จากความจริงที่เดินได้ทำให้คุณมองโลกด้วยความรู้สึกใหม่<...>ความเป็นไปได้ของระเบียบโลกที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง"13 ในศิลปะในช่วงสองศตวรรษที่ผ่านมาสิ่งที่แปลกประหลาดมักจะสูญเสียความร่าเริงและเป็นการแสดงออกถึงการปฏิเสธโลกโดยสิ้นเชิงว่าวุ่นวายน่ากลัวและไม่เป็นมิตร (Goya และ Hoffmann, Kafka และโรงละครแห่งความไร้สาระในระดับสูง Gogol และซอลตีคอฟ-ชเชดริน)

ในตอนแรกศิลปะประกอบด้วยหลักการที่เหมือนมีชีวิต ซึ่งทำให้ตนเองรู้สึกถึงพระคัมภีร์ มหากาพย์คลาสสิกในสมัยโบราณ และบทสนทนาของเพลโต ในศิลปะสมัยใหม่ ความเหมือนชีวิตเกือบจะครอบงำ (หลักฐานที่โดดเด่นที่สุดของเรื่องนี้คือร้อยแก้วเล่าเรื่องที่สมจริงของศตวรรษที่ 19 โดยเฉพาะโดย L.N. Tolstoy และ A.P. Chekhov) เป็นสิ่งสำคัญสำหรับผู้เขียนที่แสดงให้มนุษย์เห็นถึงความหลากหลาย และที่สำคัญที่สุดคือผู้ที่พยายามนำสิ่งที่ปรากฎมาใกล้กับผู้อ่านมากขึ้น เพื่อลดระยะห่างระหว่างตัวละครกับจิตสำนึกในการรับรู้ ในเวลาเดียวกันในงานศิลปะของศตวรรษที่ 19-20 เปิดใช้งานแบบฟอร์มตามเงื่อนไขแล้ว (และอัปเดตในเวลาเดียวกัน) ปัจจุบันนี้ไม่เพียง แต่เป็นคำอติพจน์และพิสดารแบบดั้งเดิมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสมมติฐานที่น่าอัศจรรย์ทุกประเภท (“ Kholstomer” โดย L.N. Tolstoy, “ Pilgrimage to the Land of the East” โดย G. Hesse) การสาธิตแผนผังของภาพ (บทละครของ B. Brecht ), การเปิดเผยเทคนิค (“ Eugene Onegin” โดย A.S. Pushkin), ผลกระทบขององค์ประกอบการตัดต่อ (การเปลี่ยนแปลงสถานที่และเวลาของการกระทำโดยไม่ได้รับแรงบันดาลใจ, "การหยุดพัก" ตามลำดับเวลาที่คมชัด ฯลฯ )