ในบรรดาความทรงจำมากมายเกี่ยวกับนักดนตรีต้นฉบับผู้ยิ่งใหญ่และมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในยุคของเราคนหนึ่ง - Sergei Sergeevich Prokofiev - สิ่งหนึ่งที่เขาเล่าเองตั้งแต่ต้นนั้นน่าสนใจเป็นพิเศษ อัตชีวประวัติสั้น ๆ: “การสอบเข้าค่อนข้างน่าประทับใจ มีการตรวจสอบชายที่มีเคราอยู่ตรงหน้าฉัน ทำให้กระเป๋าเดินทางของเขาเต็มไปด้วยความโรแมนติคโดยไม่มีผู้ร่วมเดินทาง ฉันเข้าไปโดยก้มลงด้วยน้ำหนักของแฟ้มสองแฟ้มที่มีโอเปร่าสี่ชิ้น โซนาตาสองชุด ซิมโฟนีหนึ่งชิ้น และเปียโนสองสามชิ้น “ฉันชอบสิ่งนี้!” - Rimsky-Korsakov ผู้ดำเนินการสอบกล่าว”
ตอนนั้น Prokofiev อายุ 13 ปี! และหากในวัยนี้เราสามารถ "ก้มลงใต้น้ำหนัก" ของกระเป๋าที่สร้างสรรค์เช่นนั้นได้ชีวประวัติของผู้แต่งก็สมควรได้รับความสนใจอย่างเห็นได้ชัดจาก ช่วงปีแรก ๆชีวิตของเขา ในพงศาวดารของคีตกวีชาวรัสเซีย เราไม่พบกรณีของ "เด็กอัจฉริยะ" อย่างไรก็ตาม เริ่มต้นด้วย Glinka และตั้งแต่สมัยก่อน Glinka ความปรารถนาที่จะเขียนได้แสดงออกมาในวัยที่เป็นผู้ใหญ่และอ่อนเยาว์มากขึ้น ไม่ใช่ในวัยเด็ก และในตอนแรกมันถูกจำกัดอยู่เพียงการแสดงเปียโนและความรักเท่านั้น Prokofiev วางเปียโนโอเปร่าและคะแนนซิมโฟนีไว้บนโต๊ะสอบ เขาประพฤติตนอย่างอิสระและมั่นใจ ตัดสินดนตรีอย่างเด็ดขาดตามที่พวกเขาพูดว่า "ด้วย ความรู้เต็มรูปแบบเรื่อง” เขามีความภาคภูมิใจในตนเองมากเกินพอ
ชีวประวัติของชายแปลกหน้าคนนี้เริ่มต้นขึ้นในถิ่นทุรกันดารของจังหวัดใน Sontsovka ซึ่งอยู่ไม่ไกลจาก Yekaterinoslav ซึ่งพ่อของเขาเป็นผู้จัดการมรดก ภายใต้การแนะนำของแม่ของเขาซึ่งเป็นนักเปียโนที่ดี บทเรียนดนตรีเริ่มต้นขึ้นเมื่อผู้เขียน "The Love for Three Oranges" ในอนาคตยังอายุไม่ถึงห้าขวบ Prokofiev เริ่มประดิษฐ์และแต่งเพลงในเวลาเดียวกัน และเขาไม่เคยละทิ้งกิจกรรมนี้ มันเป็นความต้องการตามธรรมชาติทุกวันในชีวิตของเขา คำจำกัดความของ "นักแต่งเพลง" เป็นเรื่องปกติสำหรับ Prokofiev เหมือนกับ "มนุษย์"
โอเปร่าสองเรื่อง - "The Giant" และ "On the Deserted Islands" ซึ่งแต่งและบันทึกโดย Prokofiev เมื่ออายุ 9-10 ปีไม่สามารถนำมาพิจารณาได้เมื่อพิจารณาถึงเส้นทางที่สร้างสรรค์ของเขา แต่สิ่งเหล่านี้สามารถใช้เป็นหลักฐานแสดงความสามารถ ความอุตสาหะ และตัวบ่งชี้ความปรารถนาในระดับใดระดับหนึ่งได้
นักแต่งเพลงอายุสิบเอ็ดปีได้รับการแนะนำให้รู้จักกับ S.I. Taneyev นักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่และครูที่เข้มงวดยอมรับพรสวรรค์ที่ไม่ต้องสงสัยของเด็กชายและแนะนำให้เขาเรียนดนตรีอย่างจริงจัง ชีวประวัติบทต่อไปของ Prokofiev นั้นผิดปกติอย่างสิ้นเชิง: ในช่วงฤดูร้อนปี 1902 และ 1903 R. M. Gliere นักเรียนของ Taneyev ศึกษาการแต่งเพลงกับ Seryozha Prokofiev ผลลัพธ์ของฤดูร้อนแรกคือซิมโฟนีสี่การเคลื่อนไหว และผลลัพธ์ของฤดูร้อนที่สองคือโอเปร่า "A Feast in the Time of Plague" ดังที่ Prokofiev เล่าในอีกหลายปีต่อมาว่า "เป็นโอเปร่าตัวจริงที่มีท่อนร้อง โน้ตเพลงออเคสตรา และการทาบทามในรูปแบบโซนาต้า"
เมื่ออายุ 13 ปี Prokofiev ดังที่ทราบกันดีว่าได้เริ่มต้นเส้นทางการศึกษาดนตรีมืออาชีพภายในกำแพงของวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
การศึกษาร่วมกับ A.K. Lyadov, N.A. Rimsky-Korsakov ในการประพันธ์เพลง และกับ A.A. Winkler และ A. Esipova ในการเล่นเปียโน S. Prokofiev ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการทำงานมอบหมายในชั้นเรียนให้เสร็จสิ้น เขาเขียนเยอะมาก ไม่ได้ประสานงานเสมอไปว่าจะเขียนอย่างไรและอย่างไรตามหลักวิชาการ ถึงกระนั้นเจตจำนงตนเองที่สร้างสรรค์ตามแบบฉบับของ Prokofiev ก็ปรากฏชัดเจนซึ่งเป็นที่มาของความขัดแย้งมากมายกับ "หน่วยงานที่ได้รับการยอมรับ" ซึ่งเป็นแหล่งที่มาของสไตล์การเขียนของ Prokofiev ที่เป็นรายบุคคลล้วนๆ
ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2451 Prokofiev อายุสิบเจ็ดปีได้แสดงเป็นครั้งแรกในคอนเสิร์ตสาธารณะ ในบรรดาเปียโนชิ้นอื่นๆ เขาเล่นเพลง "Obsession" ซึ่งใครๆ ก็สามารถได้ยินเสียงประสานที่ไม่ลงรอยกันอย่างเฉียบพลันของ Prokofiev จังหวะที่สปริงตัว และการเคลื่อนไหวที่แห้งผากอย่างจงใจ นักวิจารณ์ตอบโต้ทันที: “นักเขียนหนุ่มที่ยังเขียนไม่จบ การศึกษาศิลปะซึ่งเป็นกระแสนิยมสุดขั้วของนักสมัยใหม่ มีความกล้าหาญมากกว่าชาวฝรั่งเศสยุคใหม่มาก” ป้ายติดอยู่: “ความทันสมัยสุดขีด” ขอให้เราจำไว้ว่าในช่วงปลายทศวรรษแรกของศตวรรษ ลัทธิสมัยใหม่มีความเจริญรุ่งเรืองอย่างงดงามและก่อให้เกิดรูปแบบใหม่ๆ มากขึ้นเรื่อยๆ ดังนั้น Prokofiev จึงมี "คำจำกัดความ" ค่อนข้างมากซึ่งมักฟังดูเหมือนชื่อเล่นที่ไม่เหมาะสม Prokofiev ไม่พบสิ่งใดกับ "เจ้านาย" และอาจารย์ของเรือนกระจก ภาษาทั่วไป- เขากลายเป็นเพื่อนสนิทกับ N.N. Tcherepnin ผู้สอนการดำเนินการเท่านั้น ในช่วงปีเดียวกันนี้ Prokofiev เริ่มเป็นเพื่อนกับ N. Ya. Myaskovsky นักดนตรีผู้น่านับถือซึ่งมีอายุมากกว่าเขาสิบปี
Young Prokofiev กลายเป็นแขกประจำของ "Evenings of Contemporary Music" ซึ่งมีการแสดงรายการใหม่ทุกประเภท Prokofiev เป็นนักแสดงคนแรกในรัสเซียที่เล่นชิ้นเปียโนโดย Arnold Schoenberg ซึ่งยังไม่ได้สร้างระบบ dodecaphonic ของตัวเอง แต่เขียนได้ค่อนข้าง "คมชัด"
ตัดสินโดยการอุทิศที่เขียนโดย Prokofiev เกี่ยวกับคะแนนของภาพยนตร์ไพเราะเรื่อง "Dreams": "ถึงผู้เขียนที่เริ่มต้นด้วย "Dreams" (เช่น Scriabin) Prokofiev ไม่ได้หนีจากงานอดิเรกที่ยึดครองนักดนตรีรุ่นใหม่ส่วนใหญ่ แต่สำหรับ Prokofiev ความหลงใหลนี้กลับลดลงไปโดยไม่เหลือร่องรอยให้เห็นชัดเจน โดยตัวละครของเขา Prokofiev เป็นคนที่ชัดเจน เด็ดขาด ชอบทำธุรกิจ เป็นนักกีฬา และอย่างน้อยก็มีลักษณะคล้ายกับนักแต่งเพลงที่ใกล้เคียงกับความซับซ้อน ความเพ้อฝันของ Scriabin หรือในอีกแง่หนึ่งคือความปีติยินดี
ในช่วง "เดือนมีนาคม" สำหรับเปียโนซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของวงจร "สิบชิ้น" (พ.ศ. 2457) เราจะได้ยินท่าทางที่ยืดหยุ่น มีความมุ่งมั่น และติดหูตามแบบฉบับของ Prokofiev ในทศวรรษต่อ ๆ มาซึ่งใกล้เคียงกับสไตล์การเขียนของ Mayakovsky ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา .
เปียโนคอนแชร์โตสองครั้งติดต่อกัน (พ.ศ. 2455, 2456) เป็นหลักฐานยืนยันถึงวุฒิภาวะเชิงสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลง พวกเขาแตกต่างกัน: ในตอนแรกความปรารถนาที่จะทำให้ผู้ชมตกใจและทำให้ผู้ชมตะลึงไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตามทำให้ตัวเองรู้สึก คอนเสิร์ตครั้งที่สองมีบทกวีมากกว่ามาก Prokofiev เขียนเกี่ยวกับคอนเสิร์ตของเขาเอง: "การตำหนิเพื่อแสวงหาความฉลาดภายนอกและ "ความเป็นฟุตบอล" บางอย่างของคอนเสิร์ตคอนแชร์โตครั้งแรกนำไปสู่การค้นหาเนื้อหาที่ลึกยิ่งขึ้นในวินาที"
สาธารณชนและนักวิจารณ์ส่วนใหญ่ต่างทักทายการปรากฏตัวของ Prokofiev บนเวทีคอนเสิร์ตที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กด้วยเสียงโห่ที่เป็นมิตร ในหนังสือพิมพ์ feuilleton ของหนังสือพิมพ์ปีเตอร์สเบิร์ก พวกเขาเขียนว่า "Prokofiev นั่งลงที่เปียโนและเริ่มเช็ดคีย์หรือลองอันที่ฟังดูสูงหรือต่ำ"
ภายในปี 1914 Prokofiev ได้ "เลิก" กับเรือนกระจกทั้งในด้านความเชี่ยวชาญพิเศษ - การประพันธ์เพลงและการเล่นเปียโน
เพื่อเป็นรางวัล พ่อแม่ของเขาเสนอให้เขาเดินทางไปต่างประเทศ เขาเลือกลอนดอน คณะโอเปร่าและบัลเล่ต์ของ Sergei Diaghilev ไปเที่ยวที่นั่นซึ่งเป็นละครที่เป็นที่สนใจของ Prokofiev อย่างมาก ในลอนดอน เขาหลงใหลในผลงานของ Daphnis และ Chloe ของ Ravel และบัลเลต์อีก 2 เรื่องของ Stravinsky เรื่อง The Firebird และ Petrushka
ในการสนทนากับ Diaghilev โครงร่างบัลเล่ต์ในธีมยุคก่อนประวัติศาสตร์รัสเซียเรื่องแรกที่ยังไม่ชัดเจนก็ปรากฏขึ้น ความคิดริเริ่มนี้เป็นของ Diaghilev และไม่ต้องสงสัยเลยว่า "พิธีกรรมแห่งฤดูใบไม้ผลิ" ทำให้เขานึกถึงความคิดเหล่านี้
เมื่อกลับมาที่รัสเซีย Prokofiev ก็เริ่มทำงาน ดังที่มักเกิดขึ้นในประวัติศาสตร์ โรงละครบัลเล่ต์พื้นฐานการแสดงละครที่อ่อนแอถึงแม้จะมีดนตรีที่ยอดเยี่ยม แต่ก็ไม่ได้นำไปสู่ความสำเร็จ นี่เป็นกรณีของแนวคิดบัลเล่ต์ "Ala and Lolliy" ของ Prokofiev ซึ่งเป็นบทประพันธ์ที่แต่งโดยกวี Sergei Gorodetsky ดนตรีได้รับอิทธิพลจาก Stravinsky อย่างชัดเจน สิ่งนี้เป็นที่เข้าใจได้ เนื่องจากบรรยากาศของ "ความป่าเถื่อน" ของไซเธียนใน "Aly และ Lollia" นั้นเหมือนกับใน "The Rite of Spring" และแม้แต่การเคลื่อนไหวของพล็อตเรื่องบางส่วนก็คล้ายกันมาก นอกจากนี้ดนตรีที่มีพลังอันน่าทึ่งขนาดมหึมาเช่น "The Rite of Spring" ก็ไม่สามารถล้มเหลวในการจับภาพ Prokofiev รุ่นเยาว์ได้ ต่อมาระหว่างปี 1915 ถึง 1920 บัลเล่ต์เรื่อง "The Tale of a Jester Who Tricked Seven Jesters" ก็ปรากฏตัวขึ้น คราวนี้ Prokofiev เขียนบทเองโดยยืมเนื้อเรื่องของเทพนิยายรัสเซียจากคอลเลคชันของ A. Afanasyev ผู้แต่งประสบความสำเร็จด้วยเพลงซุกซนของตัวละครรัสเซีย บัลเล่ต์ดูมีชีวิตชีวาเต็มไปด้วยตอนที่มีไหวพริบและชวนให้นึกถึง "เกมตัวตลก" ในนั้น Prokofiev "สนุกสนานมาก" กับการประชดแปลกประหลาดการเสียดสีซึ่งเป็นเรื่องปกติของเขา
ผู้ร่วมสมัยรุ่นเยาว์ของ Prokofiev หลายคนและแม้แต่นักวิจัยผลงานของเขามองข้าม "กระแสโคลงสั้น ๆ" ในดนตรีของเขาโดยทะลุผ่านภาพที่เสียดสีอย่างแปลกประหลาดและเสียดสีเสียดสีผ่านจังหวะที่หยาบและไตร่ตรองอย่างจงใจ และมีหลายอย่างที่เป็นโคลงสั้น ๆ และน้ำเสียงขี้อายในวงจรเปียโน "Fleetness" และ "Sarcasm" ในธีมรองของส่วนแรกของ Second Sonata ในรูปแบบโรแมนติกที่สร้างจากบทกวีของ Balmont, Apukhtin, Akhmatova
จากที่นี่หัวข้อจะขยายไปถึง "Tales of an Old Mother", "Romeo and Juliet", ไปจนถึงเพลงของ Natasha Rostova, ไปจนถึง "Cinderella", ไปจนถึงเพลงวอลทซ์ของพุชกิน โปรดทราบว่างานเหล่านี้มีความรู้สึกเข้มแข็ง แต่ขี้อาย "กลัว" การแสดงออกภายนอก Prokofiev รู้สึกประชดกับการพูดเกินจริงของ "โลกแห่งความรู้สึกตื่นเต้น" ที่แสนโรแมนติก สำหรับความสงสัยที่ต่อต้านความโรแมนติก - ในบรรดาผลงานอื่น ๆ อีกมากมาย - ความโรแมนติก "The Magician" ที่สร้างจากบทกวีของ Agnivtsev เป็นสิ่งที่บ่งบอกได้ดีมาก
แนวโน้มต่อต้านโรแมนติกของ Prokofiev ยังสะท้อนให้เห็นในความเห็นอกเห็นใจของเขาต่อข้อความร้อยแก้วและข้อความธรรมดา ที่นี่เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับอิทธิพลของ Mussorgsky โดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจาก Prokofiev มักชอบประเภทของทำนองที่ใกล้เคียงกับน้ำเสียงพูด ในเรื่องนี้ "The Ugly Duckling" ของเขาในด้านเสียงและเปียโนซึ่งแทบจะเรียกได้ว่าโรแมนติกไม่ได้เป็นสิ่งที่บ่งบอกถึงได้มาก ฉลาดและ เทพนิยายที่ดี Andersen ผู้ปลูกฝังศรัทธาในความดีและแสงสว่าง ดึงดูด Prokofiev ด้วยมนุษยนิยมของเธอ
หนึ่งในการแสดงครั้งแรกของ "The Ugly Duckling" ได้ยินโดย A. M. Gorky ในคอนเสิร์ตที่เขาอ่านบทแรกของ "วัยเด็ก" ของเขา กอร์กีชื่นชม "The Duckling" และเดาว่า: "... แต่เขาเขียนสิ่งนี้เกี่ยวกับตัวเขาเองเกี่ยวกับตัวเขาเอง!"
ในเดือนมกราคม พ.ศ. 2459 Prokofiev ต้องผ่านการทดสอบที่ทำให้เขาจำตอนเย็นของรอบปฐมทัศน์ของ The Rite of Spring ของ Stravinsky นี่เป็นการแสดงครั้งแรกของ Scythian Suite ซึ่งเขาทำเอง ประชาชนแสดงความโกรธเคืองเสียงดัง” ชิ้นป่า- ผู้วิจารณ์ "Theater Leaflet" เขียนว่า: "เป็นเรื่องเหลือเชื่อมากที่สามารถแสดงผลงานชิ้นนี้โดยไม่มีความหมายใด ๆ ในคอนเสิร์ตที่จริงจังได้... นี่เป็นเสียงที่กล้าหาญและหยิ่งผยองซึ่งไม่ได้แสดงออกอะไรนอกจากการคุยโวอย่างไม่มีที่สิ้นสุด ”
Prokofiev อดทนต่อสิ่งเหล่านี้ การประเมินที่สำคัญและปฏิกิริยาแบบนี้จากผู้ชม อยู่ ณ การพูดในที่สาธารณะ D. Burliuk, V. Kamensky, V. Mayakovsky เขาคุ้นเคยกับความคิดที่ว่ากระแสนวัตกรรมในงานศิลปะใด ๆ ไม่สามารถทำให้เกิดปฏิกิริยารุนแรงจากสาธารณะซึ่งมีรสนิยมที่เป็นที่ยอมรับของตัวเองและถือว่าการละเมิดใด ๆ ที่เป็นการโจมตีบุคลิกภาพ ศักดิ์ศรีและความเหมาะสม
ในช่วงก่อนการปฏิวัติ Prokofiev กำลังยุ่งอยู่กับการทำงานในโอเปร่าเรื่อง The Gambler ซึ่งสร้างจากเรื่องราวของ Dostoevsky ที่นี่เขาเข้าใกล้ Mussorgsky มากยิ่งขึ้น ด้วยเหตุผลหลายประการ Prokofiev จะเลื่อน The Gambler ออกไปเกือบสิบปี โดยรอบปฐมทัศน์จะจัดขึ้นในกรุงบรัสเซลส์ในปี 1929 เท่านั้น
ในขณะที่ทำงานกับ The Player บางทีอาจตรงกันข้ามกับนวัตกรรมที่กระจัดกระจายอยู่ในโน้ตเพลง Prokofiev ได้สร้างซิมโฟนีที่สร้างขึ้นตามหลักการที่เข้มงวดของตัวอย่างคลาสสิกของประเภทนี้ ดังนั้นผลงานที่มีเสน่ห์ที่สุดชิ้นหนึ่งของ Prokofiev รุ่นเยาว์จึงเกิดขึ้นนั่นคือ Classical Symphony ของเขา ดนตรีที่ร่าเริงสดใสไม่มีรอยย่นบนหน้าผากเพียงเพลงเดียวที่เข้าถึงอารมณ์อีกรูปแบบหนึ่งเนื้อเพลงชวนฝันนี่คือทำนองของไวโอลินในทะเบียนที่สูงมากฟังดูเมื่อเริ่มการเคลื่อนไหวครั้งที่สอง การแสดงครั้งแรกของ Classical Symphony ซึ่งอุทิศให้กับ B.V. Asafiev เกิดขึ้นภายใต้การดูแลของผู้เขียนหลังการปฏิวัติในปี 1918 A.V. Lunacharsky เข้าร่วมคอนเสิร์ต
ในการสนทนากับเขา Prokofiev แสดงความปรารถนาที่จะไปนั่งรถไฟคอนเสิร์ตระยะยาวในต่างประเทศ Lunacharsky ไม่ได้คัดค้าน ดังนั้นในปี 1918 Prokofiev จึงเดินทางไปต่างประเทศ
ในตอนแรกเขาแสดงคอนเสิร์ตในญี่ปุ่น และจากนั้นเขาก็มุ่งหน้าไปยังสหรัฐอเมริกา ในบันทึกความทรงจำของเขา Prokofiev เขียนว่า: “จากโยกาฮาม่า ด้วยการแวะพักที่โฮโนลูลู ฉันย้ายไปซานฟรานซิสโก ที่นั่นพวกเขาไม่ได้ให้ฉันขึ้นฝั่งทันทีโดยรู้ว่ารัสเซียถูกปกครองโดย "พวกสูงสุด" (ตามที่พวกบอลเชวิคถูกเรียกในอเมริกาในเวลานั้น) - ผู้คนที่ไม่เข้าใจทั้งหมดและอาจเป็นอันตราย หลังจากอยู่บนเกาะได้สามวันและซักถามอย่างละเอียด (“คุณติดคุกหรือเปล่า?” - “เคยเป็น” - “แย่จัง ที่ไหน?” - “เธอ อยู่บนเกาะนะ” - “อ้าว คุณ” อยากล้อเล่น!”) ฉันได้รับอนุญาตให้เข้าสหรัฐอเมริกา”
ใช้เวลาสามปีครึ่งในสหรัฐอเมริกาเพิ่มโอเปร่า "The Love for Three Oranges" และผลงานหลายห้องในรายการผลงานของ Prokofiev
ออกจากรัสเซีย Prokofiev นำนิตยสารละครเรื่อง Love for Three Oranges ติดตัวไปด้วยซึ่งมีการตีพิมพ์สคริปต์ เทพนิยายที่มีชื่อเดียวกันนักเขียนบทละครชาวอิตาลี Carlo Gozzi แก้ไขโดย V. Meyerhold ตามนั้น Prokofiev ได้เขียนบทและดนตรีของโอเปร่า
“The Love for Three Oranges” เรียกได้ว่าเป็นเทพนิยายที่น่าขัน โดยที่ความเป็นจริง แฟนตาซี และการแสดงละครผสมผสานกันเป็นการแสดงที่น่าทึ่ง กอปรด้วยรูปแบบเวทีที่สดใส คล้ายกับ “commedia dell’arte” ของอิตาลี ในช่วงเวลาเกือบครึ่งศตวรรษซึ่งทำให้เราแตกต่างจากการฉายรอบปฐมทัศน์ของ "The Love for Three Oranges" โอเปร่านี้ได้เข้าสู่ละครของโรงละครหลายแห่ง
นับเป็นครั้งแรกหลังจากผ่านการทดสอบอย่างหนัก มีการจัดแสดงในชิคาโกเมื่อปลายปี พ.ศ. 2464 สองสัปดาห์ก่อนรอบปฐมทัศน์ของ Oranges การแสดงครั้งแรกของ Third Piano Concerto เกิดขึ้นที่นั่นในชิคาโก ผู้เขียนเล่นบทเดี่ยว ในคอนเสิร์ตนี้ "จิตวิญญาณแห่งรัสเซีย" ครอบงำในภาษาในภาพบางครั้งก็เต็มไปด้วยจิตวิญญาณเหมือนไปป์ (บทนำ) บางครั้งก็น่าอัศจรรย์อย่างเป็นลางไม่ดีในแบบของ Koscheev บางครั้งก็กวาดล้างเหมือนพลังใจกว้างของเยาวชนรัสเซีย ในบรรดาเปียโนคอนแชร์โตทั้งห้าชุด (ชุดที่สี่และห้าเขียนขึ้นในช่วงต้นทศวรรษที่ 30) เปียโนคอนแชร์โตชุดที่สามได้รับความนิยมมากที่สุดจนถึงทุกวันนี้ บางทีอาจเป็นเพราะได้ยินเสียงเปียโน "อำนาจทุกอย่าง" อยู่ในนั้น ทำให้ใครๆ นึกถึง ความน่าสมเพชของคอนเสิร์ตของ Tchaikovsky และ Rachmaninov . คุณลักษณะของคอนเสิร์ตนี้แสดงออกมาเป็นรูปเป็นร่างและชัดเจนโดยกวีคอนสแตนตินบัลมอนต์: "และไซเธียนผู้อยู่ยงคงกระพันก็เต้นแทมบูรีนแห่งดวงอาทิตย์"
หลังจากย้ายไปยุโรปไปปารีสเมื่อต้นปี พ.ศ. 2463 Prokofiev ได้ต่ออายุความสัมพันธ์ของเขากับ Diaghilev แต่ไม่นาน การพบกับ Stravinsky กลายเป็นการทะเลาะกันและสิ่งนี้นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงในความสัมพันธ์กับ Diaghilev นักประพันธ์ที่มีประสบการณ์มากที่สุดชายที่มี "ประสาทสัมผัสกลิ่น" ที่ยอดเยี่ยม Diaghilev รู้สึกว่า Prokofiev ไม่สามารถนับความสำเร็จกับส่วนสาธารณะที่บางคนเรียกด้วยความเคารพว่า "ชนชั้นสูง" คนอื่น ๆ เรียกพวกเขาอย่างมีสติมากกว่า กล่าวโดยสรุป เธอซึ่งเป็น "ชนชั้นสูง" ไม่ชอบไวโอลินคอนแชร์โตที่เขียนเมื่อนานมาแล้ว แต่แสดงครั้งแรกที่ปารีสในปี 1923 ซึ่งในความเห็นของเธอ ยัง "เผ็ดร้อน" ไม่เพียงพอ จากนั้น Prokofiev ต้องการแก้แค้นจึง "เติม" Second Symphony มากจนหดตัวแม้แต่ "ด้านซ้าย" ของห้องโถง Prokofiev ไม่ได้อยู่ใน "น้ำเสียงแบบปารีส" ไม่เป็นที่โปรดปราน ซึ่งหมายความว่าตามตรรกะของ Diaghilev ไม่จำเป็นต้องรู้จักเขา
ในโลกทางการทูต ใน "ร้านเสริมสวย" ที่มีอิทธิพล ความสนใจใน "ดินแดนแห่งบอลเชวิค" เพิ่มขึ้นทุกวัน สิ่งนี้ไม่ได้หนีความสนใจของ Diaghilev หลังจากสองปีแห่งความหนาวเย็น Sergei Diaghilev หันไปหา Prokofiev ด้วยวิธีเก่าและเป็นมิตร มันเกี่ยวกับบัลเล่ต์จาก... ชีวิตโซเวียต I. Ehrenburg ควรจะเป็นผู้แต่งบทเพลง ตัวเลือกสุดท้ายตกอยู่ที่ G. Yakulov ชื่อของบัลเล่ต์ "Leap of Steel" เป็นเรื่องที่น่าสนใจ จัดแสดงโดยนักออกแบบท่าเต้น Leonid Myasin "Leap of Steel" ทั้งในปารีสและลอนดอนซึ่งจัดแสดงระหว่างการทัวร์คณะของ Diaghilev ไม่ประสบความสำเร็จและพูดอย่างเคร่งครัดไม่สามารถทำได้ บัลเล่ต์ถูกลิดรอน การกระทำจากต้นทางถึงปลายทาง, แสดงแยกตอนที่ไม่เกี่ยวข้องกัน: รถไฟที่มีแบ็กแมน, กรรมาธิการ, ท๊อฟฟี่และผู้ผลิตบุหรี่, นักพูด ในฉากที่สอง (สุดท้าย) ของบัลเล่ต์บนเวที คณะบัลเล่ต์สาธิตการเคลื่อนไหวของเครื่องจักร เครื่องมือกล และเสียงครวญครางของค้อนไอน้ำ
ในปี 1927 Sergei Prokofiev ได้ทัวร์คอนเสิร์ตครั้งใหญ่ในสหภาพโซเวียต เขาหลงใหลในผลงานการแสดงของเลนินกราดเรื่อง "Three Oranges" และการต้อนรับที่เขาได้รับในฐานะนักแต่งเพลงและนักเปียโนในมอสโก เลนินกราด คาร์คอฟ เคียฟ และโอเดสซา ราวกับว่าเขาได้สูดอากาศในดินแดนบ้านเกิดของเขาอีกครั้ง
จากผลงานในช่วงปลายยุค 20 สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือ Third Symphony (เราจะกลับมาดูทีหลัง) และบัลเล่ต์” บุตรสุรุ่ยสุร่าย" จัดแสดงในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2472 ที่นี่ Prokofiev แสดงให้เห็นพลังแห่งพรสวรรค์ของเขาอีกครั้ง ดนตรีของ "The Prodigal Son" ดึงดูดใจด้วยความเรียบง่ายที่ชาญฉลาด ความอบอุ่น และรูปแบบที่สูงส่ง ฉากที่ตัดกัน: งานเลี้ยงฉลองและเช้าวันรุ่งขึ้นหลังจากคืนที่วุ่นวาย และจากนั้นเป็นฉากการกลับมาของวีรบุรุษแห่งบัลเล่ต์ - คำอุปมาบนหลังคาของบิดาของเขา เต็มไปด้วยความโศกเศร้าและความอ่อนน้อมถ่อมตน สร้างความประทับใจอย่างมาก บัลเล่ต์ "Prodigal Son" เป็นแนวทางที่ใกล้เคียงที่สุดกับบัลเล่ต์ทั้งสามที่เขียนโดย Prokofiev หลังจากกลับมาที่บ้านเกิดซึ่งเป็นบัลเล่ต์ที่เพิ่มชื่อเสียงไปทั่วโลก
Prokofiev ใฝ่ฝันที่จะได้กลับบ้านมานานแล้ว ในบันทึกความทรงจำของเพื่อนชาวฝรั่งเศสคนหนึ่งของเขา Sergei Sergeevich คำพูด:“ อากาศในต่างแดนไม่ได้กระตุ้นแรงบันดาลใจในตัวฉันเพราะฉันเป็นคนรัสเซียและไม่มีอะไรที่เป็นอันตรายต่อบุคคลมากไปกว่าการใช้ชีวิตที่ถูกเนรเทศการอยู่ในจิตวิญญาณ อากาศที่ไม่สอดคล้องกับเชื้อชาติของเขา ฉันต้องดำดิ่งสู่บรรยากาศบ้านเกิดของฉันอีกครั้ง ฉันต้องเห็นฤดูหนาวและฤดูใบไม้ผลิที่แท้จริงอีกครั้ง ฉันต้องได้ยินคำพูดภาษารัสเซีย พูดคุยกับคนใกล้ตัวฉัน และสิ่งนี้จะให้สิ่งที่ขาดหายไปแก่ข้าพเจ้า เพราะบทเพลงของพวกเขาคือบทเพลงของเรา”
ในปี 1933 Sergei Prokofiev กลับบ้านเกิดของเขา แต่บ้านเกิดเปลี่ยนไป ในช่วงสิบหกปีหลังการปฏิวัติ ผู้ชมกลุ่มใหม่เติบโตขึ้นพร้อมกับความเชื่อ ความต้องการ และรสนิยมของตัวเอง นี่ไม่ใช่ผู้ชมที่ Prokofiev จำได้ตั้งแต่วัยเยาว์และไม่ใช่ผู้ชมที่เขาพบในต่างประเทศ วัฒนธรรมทางศิลปะและสุนทรียภาพได้เติบโตขึ้นอย่างมากและผูกพันกับโลกทัศน์ของการปฏิวัติซึ่งทำให้สามารถรับรู้และตีความปรากฏการณ์ของชีวิตได้อย่างอิสระตามความเป็นจริงในลักษณะเดียวกันโดยเข้าใจว่าประวัติศาสตร์กำลังเคลื่อนไปอย่างไร ด้วยการลองใช้เงื่อนไขใหม่สำหรับเขา Prokofiev ยอมรับข้อเสนอในการเขียนเพลงสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "Lieutenant Kizhe" นี่คือจุดที่ความฉลาดทางดนตรีโดยธรรมชาติของ Prokofev ทำให้ตัวเองรู้สึกได้! ยุคของการเจาะค่ายทหารของ Pavlov เสียงขลุ่ยอย่างร่าเริงพร้อมกับจังหวะกลอง คนส่งของควบม้าบนคานประตูด้วยดวงตาที่ปูดด้วยความกระตือรือร้น เป็นยุคที่ผู้หญิงรอคอยและคนทำอาหารน่ารักร้องเพลงวันละร้อยครั้ง: “ นกพิราบสีน้ำเงินครางเขาครางทั้งกลางวันและกลางคืน ... "อิสระแห่งดนตรี! นอกจากนี้ดนตรียังน่าขันอีกด้วย Prokofiev แต่งเพลงประเภทที่คาดหวังจากเขาทุกประการ: คมชัด, แม่นยำอย่างยิ่ง, ผสมผสานกับแอ็คชั่น, กับบุคคล, กับภูมิทัศน์ในทันที "งานแต่งงานของ Kizhe" และ "Troika" และกลองม้วนที่น่าขนลุกซึ่ง "Kizhe อาชญากร" ถูกนำไปที่ไซบีเรีย - ทั้งหมดนี้ฟังดูแสดงออกอย่างมากด้วยความแปลกประหลาดที่รวมเอาความน่าขนลุกและความตลกเข้าด้วยกัน
จึงได้เริ่มเรื่องใหม่ว่า ขั้นตอนที่สำคัญที่สุด ชีวประวัติที่สร้างสรรค์โปรโคเฟียฟ. ในปีเดียวกันนั้น พ.ศ. 2476 เขาเขียนเพลงสำหรับการผลิต "Egyptian Nights" ในมอสโก โรงละครแชมเบอร์และพิสูจน์อีกครั้งว่าแม้ในรูปแบบนี้ซึ่งทำให้ผู้แต่งได้รับโอกาสที่เจียมเนื้อเจียมตัวที่สุด แต่ก็สามารถสร้างผลงานที่มีคุณธรรมสูงได้
Prokofiev หันไปหาแนวเพลงภาพยนตร์และดนตรีในละครซ้ำแล้วซ้ำเล่า เพลงของเขาสำหรับภาพยนตร์สองเรื่องโดย Sergei Eisenstein: “Alexander Nevsky” และ “Ivan the Terrible” ทิ้งความประทับใจไว้อย่างยิ่ง ในเพลงของ "Alexander Nevsky" (1938) Prokofiev ยังคงสานต่อแนวซิมโฟนิซึมมหากาพย์ที่มาจาก Borodin ตอนต่างๆ เช่น "มาตุภูมิใต้แอกมองโกล", "การต่อสู้ของน้ำแข็ง" และการขับร้อง "ลุกขึ้น ชาวรัสเซีย" ต่างมีเสน่ห์ด้วยพลังที่สมจริงและความยิ่งใหญ่ที่เข้มงวด ไม่ใช่ภาพประกอบสำหรับเฟรมภาพยนตร์ แต่เป็นภาพรวมของซิมโฟนิกของธีมที่เป็นรูปธรรมบนหน้าจอซึ่งครอบครองผู้แต่ง แม้ว่าเพลงจะเชื่อมโยงกับภาพอย่างแน่นหนา แต่ก็มีอิสระอย่างมาก มูลค่าสูงดังที่เห็นได้จากบทเพลง "Alexander Nevsky" ที่สร้างขึ้นสำหรับวงออเคสตรา นักร้องประสานเสียง และนักร้องเดี่ยว
เพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "Ivan the Terrible" (1942) ก็เขียนขึ้นในเรื่องนี้ด้วย หลังจากการเสียชีวิตของ Prokofiev ผู้ควบคุมวง A. Stasevich ได้รวมตอนที่สำคัญที่สุดของดนตรีเข้ากับ oratorio "Ivan the Terrible" ซึ่งเป็นผลงานที่มีพลังมหาศาลและน่าทึ่ง
ช่วงครึ่งหลังของยุค 30 ถูกทำเครื่องหมายด้วยองค์ประกอบของหนึ่งในนั้น ผลงานที่ดีที่สุด Prokofiev - บัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" จัดแสดงเมื่อต้นปี พ.ศ. 2483 โดย L. Lavrovsky บนเวทีโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์เลนินกราด S. M. Kirov มีบทบาทอย่างมากในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมการออกแบบท่าเต้นของโลก โดยเป็นการแสดงครั้งแรกที่รวบรวมโศกนาฏกรรมของเชกสเปียร์อย่างสมบูรณ์ผ่านทางดนตรี การเต้นรำ และละครใบ้ G. Ulanova - Juliet, K. Sergeev - Romeo, R. Gerbek - Tybalt, A. Lopukhov - Mercutio เป็นหนึ่งในนักแสดงที่โดดเด่นที่สุดในบทบาทของเช็คสเปียร์ ด้วยบัลเล่ต์ของเขา Prokofiev ได้ยกระดับดนตรีบัลเล่ต์ไปสู่ระดับที่ไม่เคยไปถึงนับตั้งแต่ Tchaikovsky, Glazunov และ Stravinsky ซึ่งในทางกลับกันได้ก่อให้เกิดความท้าทายใหม่สำหรับนักแต่งเพลงทุกคนที่เขียนเพลงบัลเล่ต์ หลักการไพเราะที่กำหนดสไตล์และแก่นแท้ของดนตรีของโรมิโอและจูเลียตได้รับมา การพัฒนาต่อไปในบัลเล่ต์สองเรื่องโดย Prokofiev - "Cinderella" (1944) และ "The Tale of" ดอกไม้หิน"(1950)
ด้วย "ซินเดอเรลล่า" ถือกำเนิดขึ้นในการแสดงบทกวีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดครั้งหนึ่งเกี่ยวกับชีวิตที่น่าเศร้าของลูกติดซึ่งแม่เลี้ยงที่ชั่วร้ายและลูกสาวของเธอ Zlyuka และ Krivlyaka อับอายและเยาะเย้ย ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเมื่อความรักเขียนขึ้นจากบทกวีของ Balmong, Apukhtin และ Akhmatova ซึ่งเต็มไปด้วยเสน่ห์ของ "นิทานคุณย่าผู้เฒ่า" เมล็ดพืชถูกหว่านซึ่งเพิ่มขึ้นเป็นเพลง "ซินเดอเรลล่า" พร้อมดนตรีที่แผ่คลื่นของ มนุษยชาติและความรักในชีวิต ในทุกตอนที่ซินเดอเรลล่าปรากฏตัวหรือที่เธอถูก “พูดถึง” เท่านั้น เพลงก็อบอวลไปด้วยความอบอุ่นและเสน่หา ในบรรดาทุกสิ่งที่เขียนโดย Prokofiev “ซินเดอเรลล่า” มีความใกล้เคียงกับละครบัลเล่ต์ของไชคอฟสกีมากที่สุด ผู้ซึ่งคิดมากกว่าหนึ่งครั้งเกี่ยวกับบัลเล่ต์จากพล็อตเรื่องนี้...
บัลเล่ต์ครั้งสุดท้ายของ Prokofiev คือ "The Tale of the Stone Flower" “ Malachite Box” ของ Bazhov เต็มไปด้วยดนตรีรัสเซียที่ยอดเยี่ยมซึ่งสร้างขึ้นจากภาพที่น่าอัศจรรย์และเป็นจริงของนิทานโบราณของเครื่องตัดหินอูราลและที่สว่างที่สุดของพวกเขาคือภาพของภูเขาทองแดงของผู้เป็นที่รักจากนั้น ผู้หญิงที่สวยจากนั้นกิ้งก่ามาลาไคต์ผู้ชั่วร้ายก็เก็บความลับของดอกไม้หินไว้
ถัดจากบัลเล่ต์ โอเปร่าของเขายังมีบทบาทสำคัญในชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของ Prokofiev ผู้แต่งเดินตามเส้นทางที่ยากลำบากในประเภทนี้ เริ่มต้นด้วยละครเรื่อง “Maddalena” ละครนองเลือดที่มีฉากหลังเป็นชีวิตอันเขียวชอุ่มของเมืองเวนิสในศตวรรษที่ 15 เขาหันไปดูโอเปร่าเรื่องต่อไปของเขาเรื่อง “The Gambler” ของดอสโตเยฟสกี และจากเขาไปสู่เทพนิยายที่กล่าวถึงแล้วโดย Carlo Gozzi, “The Love for Three Oranges” โอเปร่าเรื่องแรกประสบความสำเร็จอย่างยาวนาน หลังจากเพลงที่น่าขันเบาและร่าเริงของ "Oranges" จู่ๆ ผู้แต่งก็จมดิ่งสู่ความมืดมิดของยุคกลางในโอเปร่าที่สร้างจากเนื้อเรื่องของเรื่องราวของ V. Bryusov เรื่อง "The Fire Angel" ที่ซึ่งความเร้าอารมณ์และความน่าสะพรึงกลัวของการสืบสวน สลับกับคำทำนายอันบ้าคลั่งและลัทธิบูชา ดนตรีที่เขียนภายใต้อิทธิพลของสุนทรียภาพทางอารมณ์ซึ่งผิดปกติอย่างสิ้นเชิงสำหรับ Prokofiev ต่อมาเขานำไปใช้ในซิมโฟนีที่สาม
เป็นเวลาหลายปีที่ Prokofiev ไม่ได้หันไปหาแนวโอเปร่า และในปี 1939 เท่านั้นที่ฉันเริ่มสนใจเรื่องราวของ V. Kataev "ฉันเป็นลูกชายของคนทำงาน" เขาเขียนโอเปร่าเรื่อง "Semyon Kotko" ตามนั้น Prokofiev พูดในภาษาใหม่อย่างสมบูรณ์ในหลายตอนของโอเปร่านี้ซึ่งเห็นได้ชัดว่าฟื้นความทรงจำในวัยเด็กของเขาเกี่ยวกับยูเครนเกี่ยวกับเพลงที่ดังใน Sontsovka เกี่ยวกับบรรยากาศที่อิ่มตัวด้วยความอบอุ่นอันอุดมสมบูรณ์ของยูเครน นี่คือจุดที่น้ำเสียงโคลงสั้น ๆ ในบทสนทนาคู่ของ Semyon Kotko และ Sofia Tkachenko อันเป็นที่รักของเขาหรือลักษณะของ Frosya และ Mikolka ที่น่ายินดีกับความไร้เดียงสาที่สัมผัสได้ของพวกเขาเกิดขึ้นหรือไม่? แม้จะมีข้อดีโดยธรรมชาติของ Semyon Kotko แต่ความชอบของ Prokofiev ในเรื่องการพูดแบบมืออาชีพและรูปแบบการสนทนาของน้ำเสียงในขั้นต้นทำให้โอเปร่าเรื่องแรกของ Prokofiev บนโครงเรื่องสมัยใหม่ไม่เกิดขึ้นในละครของโรงละครของเรา ลักษณะนี้จะมีผลกระทบต่อ ในระดับที่มากขึ้นในโอเปร่าเรื่องสุดท้ายเรื่อง The Tale of a Real Man (1948) ที่สร้างจากหนังสือของ B. Polevoy
สิบสองชิ้นง่าย ๆ สำหรับเปียโน
“ ในฤดูร้อนปี 1935 ในเวลาเดียวกันกับโรมิโอและจูเลียต ฉันกำลังแต่งบทละครเบา ๆ สำหรับเด็ก ๆ ซึ่งความรักอันเก่าแก่ของฉันที่มีต่อโซนาติน่าได้ตื่นขึ้นและเข้าถึงความเป็นเด็กโดยสมบูรณ์ตามที่ฉันคิดว่าสำหรับฉัน ในฤดูใบไม้ร่วงมีทั้งหมดโหลซึ่งต่อมาได้รับการตีพิมพ์เป็นคอลเลคชันชื่อ "Children's Music" op. 65. ละครเรื่องสุดท้าย “พระจันทร์เดินข้ามทุ่งหญ้า” เขียนด้วยภาษาของตัวเอง ไม่ใช่ ธีมพื้นบ้าน- จากนั้นฉันอาศัยอยู่ที่ Polenov ในกระท่อมอีกหลังหนึ่งพร้อมระเบียงริมแม่น้ำ Oka และในตอนเย็นฉันชื่นชมการใช้เวลาหนึ่งเดือนเดินผ่านทุ่งหญ้าและทุ่งหญ้า เห็นได้ชัดว่ามีความต้องการดนตรีสำหรับเด็ก...” ผู้แต่งเขียนไว้ใน “อัตชีวประวัติ” ของเขา
“Twelve Easy Pieces” ตามที่ Prokofiev กำหนดไว้ว่า “Children’s Music” เป็นชุดภาพร่างแบบเป็นโปรแกรมเกี่ยวกับวันในฤดูร้อนของเด็ก ความจริงที่ว่าเรากำลังพูดถึงวันในฤดูร้อนโดยเฉพาะนั้น ไม่เพียงแต่เห็นได้จากชื่อเรื่องเท่านั้น การถอดเสียงดนตรีของชุด (หรือแม่นยำกว่านั้นคือตัวเลขเจ็ดตัว) นักแต่งเพลงเรียก: "วันฤดูร้อน" (บทที่ 65 ทวิ 2484) เหมือนเดิมมีการสังเคราะห์ "สองครั้ง" ในห้องปฏิบัติการสร้างสรรค์ของ Prokofiev เกี่ยวกับความประทับใจเฉพาะของ "ฤดูร้อนของ Polenov" และความทรงจำอันห่างไกลของฤดูร้อนใน Sontsovka ในด้านหนึ่งและโลกแห่งประสบการณ์และความคิดในวัยเด็ก นิยายสำหรับเด็กและ " คือ” โดยทั่วไปในอีกทางหนึ่ง ยิ่งไปกว่านั้น แนวคิดเรื่อง "ความเป็นเด็ก" สำหรับ Prokofiev นั้นเชื่อมโยงกับแนวคิดของฤดูร้อนและแสงแดดอย่างแยกไม่ออก Prokofiev พูดถูกเมื่อเขาอ้างว่าเขาได้ "ความเป็นเด็กโดยสมบูรณ์" ในชุดนี้ สิบสองชิ้น, op. 65 ถือเป็นก้าวสำคัญสำหรับ เส้นทางที่สร้างสรรค์นักแต่งเพลง พวกเขาเปิด โลกทั้งใบความคิดสร้างสรรค์อันน่ารื่นรมย์ของเขาสำหรับเด็กๆ โลกที่เขาสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกที่ไม่เสื่อมคลายในความสดใหม่และความเป็นธรรมชาติของพวกเขา ด้วยความสุขอันเจิดจ้าและความจริงใจของพวกเขา
ทั้งหมดนี้ค่อนข้างเป็นธรรมชาติและแสดงอาการอย่างลึกซึ้ง Prokofiev - ชายและศิลปิน - มีความปรารถนาอย่างแรงกล้าต่อเสมอ โลกของเด็กรับฟังโลกที่ละเอียดอ่อนและมีเอกลักษณ์ทางจิตใจด้วยความรักและละเอียดอ่อนและสังเกตว่าตัวเขาเองก็ยอมจำนนต่อเสน่ห์ของมัน ตามธรรมชาติของนักแต่งเพลงนั้นมีชีวิตอยู่ - ไม่เคยจางหายไป แต่ในทางกลับกันกลับเป็นที่ยอมรับมากขึ้นเรื่อย ๆ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา - แนวโน้มที่จะรับรู้สภาพแวดล้อมจากมุมมองของเยาวชนที่ร่าเริง แสงที่เหมือนฤดูใบไม้ผลิ และวัยรุ่นที่บริสุทธิ์และตรงไปตรงมา ดังนั้นโลกแห่งภาพเด็ก ๆ ของ Prokofiev จึงเป็นธรรมชาติทางศิลปะ เป็นธรรมชาติ ปราศจากองค์ประกอบของเสียงกระเพื่อมที่ผิด ๆ หรือความงามทางอารมณ์ซึ่งไม่ใช่ลักษณะของจิตใจเด็กที่มีสุขภาพดี นี่คือด้านใดด้านหนึ่ง โลกภายในนักแต่งเพลงเองซึ่งในเวลาต่างกันพบว่ามีภาพสะท้อนที่แตกต่างกันในงานของเขา อย่างไรก็ตามความปรารถนาในความบริสุทธิ์และความสดใหม่ของโลกทัศน์ของเด็กสามารถอธิบายความดึงดูดใจของ Prokofiev ที่มีต่อสไตล์โซนาติน่าได้ในระดับหนึ่งเท่านั้น
การสร้างความคล้ายคลึงที่รู้จักกันดีระหว่างโลกแห่งภาพเด็กกับขอบเขตของตัวละครเด็กผู้หญิงที่เปราะบางและมีเสน่ห์ในผลงานละครเพลงและละครเวทีของเขาไม่ใช่เรื่องยาก ทั้ง Seventh Symphony และ Ninth Piano Sonata ซึ่งสรุปผลงานของผู้แต่งล้วนเต็มไปด้วยความทรงจำอันสง่างามในวัยเด็ก
อย่างไรก็ตาม "สไตล์ Sonatina" ของ Prokofiev มีการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในวงจรการเล่นของเด็ก ประการแรกเขาได้รับการปลดปล่อยจากองค์ประกอบของนีโอคลาสสิกอย่างสมบูรณ์ กราฟิกถูกแทนที่ด้วยการนำเสนอที่เป็นรูปธรรมและการเขียนโปรแกรมที่สมจริง ความเป็นกลางในแง่ของการระบายสีประจำชาติทำให้เกิดความไพเราะของรัสเซียและการใช้สำนวนพื้นบ้านอย่างละเอียดอ่อน ความเด่นของรูปสามรูปประกอบด้วยความบริสุทธิ์ ความสงบ และความเงียบสงบของภาพ แทนที่จะมีความซับซ้อนด้วยการ "เล่นสนุก" ของความเรียบง่ายแบบใหม่ มุมมองที่แจ่มชัดของโลกกลับปรากฏอย่างกระจ่างชัดผ่านสายตาที่เปิดกว้างและอยากรู้อยากเห็นของเด็ก ความสามารถในการถ่ายทอดโลกทัศน์ของเด็กเอง และไม่สร้างสรรค์ดนตรีเกี่ยวกับตัวเขาหรือเพื่อเขา ดังที่นักดนตรีหลายคนกล่าวไว้ ซึ่งทำให้วงจรนี้แตกต่างจากละครเด็กหลายๆ เรื่องที่ดูเหมือนมีจุดสนใจเดียวกัน โดยหลักแล้วจะสานต่อประเพณีดนตรีสำหรับเด็กที่ดีที่สุดโดย Schumann, Mussorgsky, Tchaikovsky, Prokofiev ไม่เพียงแต่ติดตามพวกเขาเท่านั้น แต่ยังพัฒนาพวกเขาอย่างสร้างสรรค์อีกด้วย
ละครเรื่องแรกคือ “ เช้า- นี่เป็นเสมือนบทสรุปของห้องชุด: ยามเช้าแห่งชีวิต ในการตีข่าวของการลงทะเบียน เรารู้สึกถึงพื้นที่และอากาศ! ทำนองนั้นชวนฝันเล็กน้อยและชัดเจน ลายมือมีลักษณะเฉพาะของ Prokofievian: การเคลื่อนไหวแบบขนาน, การกระโดด, ครอบคลุมทั้งคีย์บอร์ด, การเล่นผ่านมือ, ความชัดเจนของจังหวะและความชัดเจนของส่วนต่างๆ ความเรียบง่ายที่ไม่ธรรมดา แต่ไม่ใช่แบบดั้งเดิม
ละครเรื่องที่สองคือ “ เดิน- วันทำงานของทารกได้เริ่มขึ้นแล้ว การเดินของเขาเร่งรีบแม้ว่าจะค่อนข้างโยกเยกก็ตาม ในแถบแรกจังหวะเริ่มต้นก็ถูกถ่ายทอดออกมาแล้ว คุณต้องมีเวลาดูทุกอย่างไม่พลาดอะไร โดยทั่วไป มีอะไรให้ทำมากมาย... รูปทรงกราฟิกของทำนองและธรรมชาติของการเคลื่อนไหวต่อเนื่องด้วยการแตะโน้ตสี่ส่วนได้รับการออกแบบเพื่อสร้างรสชาติ มีลักษณะ "เหมือนธุรกิจ" ไร้เดียงสาแบบเด็ก ๆ อย่างไรก็ตาม ความเบาของจังหวะที่เร่าร้อนเล็กน้อยจะถ่ายทอด "ความยุ่ง" นี้ไปสู่กรอบที่เหมาะสมของ "ความขยันหมั่นเพียร" แบบเด็กๆ ทันที (รูปแบบการใคร่ครวญของการเคลื่อนไหวครั้งที่สองของ Fourth Symphony นั้นใกล้เคียงกับดนตรีของ "Morning" และ "Walk" และเห็นได้ชัดว่าเป็นผู้บุกเบิก)
ชิ้นที่สามคือ “ เทพนิยาย" - โลกแห่งนิยายเด็กที่เรียบง่าย ไม่มีอะไรที่น่าอัศจรรย์ น่ากลัว หรือน่ากลัวที่นี่ เป็นการเล่าเรื่องเทพนิยายที่นุ่มนวลและใจดีซึ่งความเป็นจริงและความฝันมีความเกี่ยวพันกันอย่างใกล้ชิด สันนิษฐานได้ว่าภาพที่รวบรวมไว้ในที่นี้ไม่ใช่เทพนิยายที่เล่าให้เด็กๆ ฟัง แต่เป็นความคิดของพวกเขาเองเกี่ยวกับสิ่งอัศจรรย์ที่ยังคงอยู่ในจิตใจของเด็ก ๆ เสมอ ใกล้เคียงกับสิ่งที่พวกเขาได้เห็นและสัมผัสโดยสิ้นเชิง โดยพื้นฐานแล้ว แฟนตาซีที่แท้จริงจะปรากฏเฉพาะในส่วนตรงกลางของทิศทางเวทีที่เล่นเสียงเท่านั้น ในขณะที่ส่วนแรกและส่วนสุดท้ายจะถูกครอบงำด้วยการเล่าเรื่องชวนฝันพร้อมท่วงทำนองที่เรียบง่ายโดยมีฉากหลังเป็นจังหวะที่วนซ้ำอยู่เสมอ การทำซ้ำเป็นจังหวะเหล่านี้ดูเหมือนจะ "ประสาน" รูปแบบของ "เทพนิยาย" และยับยั้งแนวโน้มการเล่าเรื่อง
ต่อไปมา" ทารันเทลลา" ซึ่งเป็นผลงานการเต้นแนวประเภทที่เชี่ยวชาญซึ่งแสดงออกถึงอารมณ์ที่กระปรี้กระเปร่าของเด็กที่ถูกจับโดยองค์ประกอบทางดนตรีและการเต้น จังหวะที่มีชีวิตชีวาและมีชีวิตชีวา สำเนียงที่ยืดหยุ่น การเปรียบเทียบโทนสีฮาล์ฟโทนที่มีสีสัน การเปลี่ยนแปลงของโทนเสียงพิตช์เดี่ยว - ทั้งหมดนี้น่าตื่นเต้น ง่าย และสนุกสนาน และในขณะเดียวกันก็เรียบง่ายแบบเด็ก ๆ โดยไม่มีความเฉียบแหลมของอิตาลีโดยเฉพาะเด็กรัสเซียไม่สามารถเข้าใจได้อย่างไม่ต้องสงสัย
ชิ้นที่ห้า - “ การกลับใจ"- สิ่งจิ๋วทางจิตวิทยาที่เป็นจริงและละเอียดอ่อนซึ่งก่อนหน้านี้ผู้แต่งเรียกว่า "ฉันรู้สึกละอายใจ" ทำนองเพลงเศร้าฟังดูตรงไปตรงมาและซาบซึ้งเพียงใดความรู้สึกและความคิดที่กลืนกินเด็กในช่วงเวลาที่ยากลำบากทางจิตใจอย่างจริงใจและ "ในคนแรก" นั้นถูกถ่ายทอดออกมา! Prokofiev ใช้ท่วงทำนองประเภท "การร้องเพลง-การพูด" ที่นี่ (ตามที่กำหนดโดย L. Mazel, "สังเคราะห์") ซึ่งองค์ประกอบของการแสดงออกในการบรรยายไม่ได้ด้อยไปกว่าการแสดงออกของ cantilena
แต่อารมณ์เช่นนี้ก็เกิดขึ้นชั่วขณะในเด็ก ๆ มันค่อนข้างทำให้เกิดความแตกต่างโดยธรรมชาติ ชิ้นที่หกคือ “ เพลงวอลทซ์“ และในรูปแบบประเภทนี้เราไม่เพียงรู้สึกได้ถึงตรรกะของความหลากหลายของห้องชุดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงตรรกะของการคิดทางดนตรีและการละครเวทีของ Prokofiev ซึ่งเป็นกฎการแสดงละครของลำดับฉากที่ตัดกัน “เพลงวอลทซ์” ที่เปราะบาง อ่อนโยน และเป็นธรรมชาติในวิชาเอก พูดถึงความเชื่อมโยงระหว่างภาพลักษณ์ของเด็กกับโลกแห่งความเปราะบาง บริสุทธิ์ และมีเสน่ห์ ภาพผู้หญิงเพลงประกอบละครของ Prokofiev ความคิดสร้างสรรค์ของเขาสองบรรทัดนี้หรืออุดมคติทางศิลปะของเขามากกว่าสองบรรทัดตัดกันและเสริมสร้างซึ่งกันและกัน ภาพความเป็นวัยรุ่นของเขามีความเป็นธรรมชาติเหมือนเด็ก ในภาพลูกๆ ของเขามีความอ่อนโยนแบบผู้หญิง เป็นความรักที่มีเสน่ห์ต่อโลกและชีวิต ทั้งคู่ประหลาดใจกับความสดชื่นของฤดูใบไม้ผลิและรวบรวมโดยผู้แต่งด้วยความตื่นเต้นและแรงบันดาลใจที่ไม่ธรรมดา ในทั้งสองประเด็นนี้มีการแสดงออกถึงความโดดเด่นของหลักการโคลงสั้น ๆ ในงานของเขาอย่างชัดเจนที่สุด จากเพลง "Waltz" ของเด็ก ๆ ที่มีเสน่ห์ไร้เดียงสา, op. 65 เราสามารถลากเส้นไปที่เพลงวอลทซ์ที่เปราะบางของนาตาชาจากโอเปร่า "สงครามและสันติภาพ" ซึ่งเป็นจุดสุดยอดของการเต้นโคลงสั้น ๆ ในดนตรีของ Prokofiev บรรทัดนี้ตัดผ่านตอน Es-dur ของ "Great Waltz" จาก "Cinderella" แม้จะชวนให้นึกถึงเพลงวอลทซ์ของเด็ก ๆ ก็ตาม นอกจากนี้ยังตัดผ่าน "Pushkin Waltzes" op. 120 และ "Waltz on Ice" จาก "Winter Fire" ” และผ่าน "The Tale of the Stone Flower" ซึ่งมีธีมของ "Waltz" op. 65 รวมอยู่ในฉากนี้ (หมายเลข 19) ซึ่งแสดงถึงสมบัติของนายหญิงแห่ง Copper Mountain ทางอ้อมแล้ว - มันดำเนินต่อไปในการเคลื่อนไหวครั้งที่สามที่เหมือนเพลงวอลทซ์ของ Sixth Piano Sonata และในเพลงวอลทซ์จาก Seventh Symphony Prokofiev ได้พัฒนาแนวโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยาที่ลึกซึ้งของเพลงวอลทซ์รัสเซียซึ่งแตกต่างจากเช่นจาก Strauss ซึ่ง มีความสุกใสกว่า แต่ก็แคบกว่าและมีลักษณะภายนอกมากกว่าด้วยความสุขด้านเดียว
แม้จะมีลักษณะที่ดูเด็กๆ แต่สไตล์ที่สร้างสรรค์ของ Prokofiev ก็ให้ความรู้สึกได้ชัดเจนมากในเพลงวอลทซ์นี้ ดูเหมือนว่าโครงสร้างแบบดั้งเดิมของเพลงวอลทซ์ที่นุ่มนวลสง่างามจะได้รับการอัปเดต น้ำเสียงสูงต่ำและการเบี่ยงเบนของฮาร์โมนิกอยู่ไกลจากลายฉลุ (ตัวอย่างเช่นการสิ้นสุดช่วงเวลาที่ผิดปกติมากในคีย์รอง) พื้นผิวมีความโปร่งใสผิดปกติ เพลงวอลทซ์นี้แพร่หลายอย่างรวดเร็วในการฝึกสอนและประสบความสำเร็จในการแข่งขันกับผลงานที่ "เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป" สำหรับเด็ก
ชิ้นที่เจ็ดคือ “ ขบวนแห่ตั๊กแตน- นี้เป็นการเล่นที่รวดเร็วและตลกเกี่ยวกับตั๊กแตนร้องอย่างสนุกสนาน ซึ่งมักจะกระตุ้นความสนใจของเด็ก ๆ ด้วยการกระโดดที่น่าทึ่ง ลักษณะอันน่าอัศจรรย์ของภาพในที่นี้ไม่ได้อยู่นอกเหนือขอบเขตของนิยายเด็กทั่วไป และในแง่นี้แตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากจินตนาการอันลึกลับของ "The Nutcracker" ของไชคอฟสกี โดยพื้นฐานแล้วนี่คือการควบม้าของเด็ก ๆ ที่ตลกในช่วงกลางซึ่งคุณสามารถได้ยินน้ำเสียงของเพลงไพโอเนียร์ได้ด้วย
ต่อไปก็ละครเรื่องนี้” ฝนและสายรุ้ง" ซึ่งผู้แต่งพยายาม - และประสบความสำเร็จอย่างมาก - เพื่อบรรยายถึงความประทับใจอันยิ่งใหญ่ที่ปรากฏการณ์ทางธรรมชาติที่สดใสทุกอย่างเกิดขึ้นกับเด็ก ๆ ต่อไปนี้เป็นเสียง “blobs” ที่ฟังดูเป็นธรรมชาติ (จุดคอร์ดของสองวินาทีที่อยู่ติดกัน) และการซ้อมช้าๆ ในโน้ตตัวเดียว เช่น หยดที่ตกลงมา และเพียงแค่ “ธีมแห่งความประหลาดใจ” ก่อนสิ่งที่เกิดขึ้น (ทำนองที่นุ่มนวลและไพเราะลดน้อยลง จากที่สูง)
ชิ้นที่เก้า - " แท็ก"- มีสไตล์ใกล้เคียงกับทารันเทลลา มันเขียนในรูปแบบของภาพร่างอย่างรวดเร็ว คุณคงจินตนาการได้ว่าเด็กๆ ไล่ตามกันอย่างกระตือรือร้น บรรยากาศของเกมสำหรับเด็กที่สนุกสนานและกระฉับกระเฉง
ละครเรื่องที่สิบเขียนด้วยแรงบันดาลใจ - “ มีนาคม- แตกต่างจากการเดินขบวนอื่น ๆ ของเขา Prokofiev ในกรณีนี้ไม่ได้เดินตามเส้นทางที่แปลกประหลาดหรือมีสไตล์ ไม่มีองค์ประกอบของหุ่นเชิดที่นี่ (เช่น ใน "March of the Wooden Soldiers" ของ Tchaikovsky) บทละครนี้นำเสนอภาพเด็ก ๆ เดินขบวนอย่างสมจริง มีนาคมของเด็ก op. 65 แพร่หลายและกลายเป็นผลงานชิ้นโปรดในละครเปียโนของรัสเซียสำหรับเด็ก
ชิ้นที่สิบเอ็ด - " ตอนเย็น" - ด้วยเสียงเพลงรัสเซียที่ไพเราะและสีสันที่นุ่มนวลทำให้เรานึกถึงพรสวรรค์ในการแต่งโคลงสั้น ๆ อันยิ่งใหญ่ของ Prokofiev อีกครั้งเกี่ยวกับความไพเราะของความเป็นดิน บทเพลงที่มีเสน่ห์ชิ้นนี้เต็มไปด้วยความเป็นมนุษย์อย่างแท้จริง ความบริสุทธิ์ และความรู้สึกที่สูงส่ง ต่อจากนั้นผู้เขียนใช้มันเป็นธีมของความรักของ Katerina และ Danila ในบัลเล่ต์เรื่อง "The Tale of the Stone Flower" ทำให้เป็นหนึ่งในธีมที่สำคัญที่สุดของบัลเล่ต์ทั้งหมด
สุดท้ายชิ้นที่สิบสอง - “ เดินเป็นเวลาหนึ่งเดือนในทุ่งหญ้า"- เชื่อมโยงอย่างเป็นธรรมชาติกับน้ำเสียงพื้นบ้าน นั่นคือเหตุผลที่ผู้เขียนพิจารณาว่าจำเป็นต้องชี้แจงใน "อัตชีวประวัติ" ว่าไม่ได้เขียนขึ้นในนิทานพื้นบ้าน แต่เป็นหัวข้อของเขาเอง
Sergei Sergeevich Prokofiev (1891 – 1953) ผู้ซึ่งลงไปในประวัติศาสตร์ดนตรีรัสเซียในฐานะนักแต่งเพลง นักสร้างสรรค์ และปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ โรงละครดนตรีผู้สร้างภาษาดนตรีใหม่และผู้บ่อนทำลายศีลเก่ายังคงเป็นศิลปินชาวรัสเซียอย่างแท้จริงมาโดยตลอด
M. Tarakanov ตั้งข้อสังเกตว่านี่คือความสำคัญทางประวัติศาสตร์ที่สำคัญของ Prokofiev ซึ่งยังคงทำงานต่อไปในทิศทางนี้และ; ของเขา
“สามารถเรียกได้ว่าเป็นดวงอาทิตย์แห่งดนตรีรัสเซียอย่างถูกต้อง”
ในเวลาเดียวกัน เขายังคงดำเนินตามแนวทางของ A. Borodin และนำความกดดัน ไดนามิก พลังงาน ที่เต็มไปด้วยความคิดที่ลึกซึ้งและการมองโลกในแง่ดีที่สดใสมาสู่ดนตรี
โรงละครดนตรี Prokofiev
กระบวนการสร้างสรรค์อย่างต่อเนื่องของงานนักแต่งเพลงในสายงานนี้เกิดจากการพัฒนาละครเพลงและละครเวทีที่เกี่ยวข้องกับสามบรรทัดหลัก (เน้นโดย L. Danko):
- ตลก-scherzoโดดเด่นด้วยความเชื่อมโยงกับประเพณีการแสดงพื้นบ้านการแสดงล้อเลียนเทพนิยาย (เช่นบัลเล่ต์ "The Jester" โอเปร่า "The Love for Three Oranges");
- ขัดแย้งดราม่ามาจากโอเปร่า "The Gambler" - จนถึงโอเปร่า "War and Peace";
- เนื้อเพลง-ตลก(โอเปร่า "Duenna", บัลเล่ต์ "Cinderella")
บรรทัดที่สี่เกี่ยวข้องกับเพลงพื้นบ้านประกอบขึ้น ปีที่ผ่านมาชีวิตของนักแต่งเพลง (โอเปร่า "The Tale of a Real Man", บัลเล่ต์ "The Tale of the Stone Flower"
โอเปร่าโดย S.S. Prokofiev
เนื้อหาของละครโอเปร่าครอบคลุมตัวอย่างของรัสเซียและยุโรป วรรณกรรมคลาสสิก- ช่วงเวลาตั้งแต่ยุคกลางถึงสมัยนั้น สหภาพโซเวียต- นอกเหนือจากที่เสร็จสมบูรณ์แล้ว แผนปฏิบัติการจำนวนมากยังไม่เกิดขึ้นจริง N. Lobachevskaya อ้างอิงบางส่วนเป็นตัวอย่าง:
- “ เรื่องราวเกี่ยวกับสิ่งเรียบง่าย” (อิงจากเรื่องราวของ B. Lavrenyev) มีอยู่ในรูปแบบของโครงร่างสั้น ๆ ของโอเปร่า;
- “ The Spreadthrift” (อิงจากบทละครของ N. Leskov) ซึ่งเป็นบทสรุปที่มีความยาวของโครงเรื่อง
- “ Taimyr กำลังโทรหาคุณ” (จากบทละครของ A. Galich และ K. Isaev) - ตัวละครและฉากแต่ละตัวได้รับการพัฒนาที่นี่
- แผนการแสดงโอเปร่า “ข่านบูไซ” และ “ทะเลไกล” (ภาพที่ 1 เก็บไว้แล้ว)
ในบรรดาโอเปร่าที่เสร็จสมบูรณ์:
- “A Feast in Time of Plague” เกิดขึ้นจากการศึกษาของนักแต่งเพลงกับ Glière;
- “Maddalena” (พ.ศ. 2454 ฉบับพิมพ์ครั้งที่ 2 พ.ศ. 2456) – โอเปร่าเนื้อเพลงและละครหนึ่งองก์;
- “The Player” (1916, 2nd ed. 1927) ซึ่งเป็นที่มาของละครความขัดแย้งประเภทหนึ่ง
- "The Love for Three Oranges" (1919) ย้อนกลับไปสู่ประเพณีของ dell arte;
- “ The Fiery Angel” (พ.ศ. 2462-2470/2471 อิงจากนวนิยายชื่อเดียวกันโดย V. Bryusov) ผสมผสานคุณสมบัติของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยาในห้องและโศกนาฏกรรมทางสังคม
- “Semyon Kotko” (1939) ผสมผสานคุณสมบัติของละครรัก ตลก และโศกนาฏกรรมทางสังคม
- “ Duenna” (หรือ “ Betrothal in a Monastery”, 1946) - สังเคราะห์ประเภทของโคลงสั้น ๆ และถ้อยคำทางสังคม
- “ สงครามและสันติภาพ” (พ.ศ. 2484-2495) - โอเปร่าดูโอโลจีที่สร้างจากนวนิยายของแอล. ตอลสตอย;
- “ The Tale of a Real Man” (1948, 2nd ed. 1960) - อุทิศให้กับหนึ่งในปัญหาที่สำคัญที่สุดของศิลปะโซเวียต: ลักษณะประจำชาติในช่วงมหาราช สงครามรักชาติ.
Prokofiev ในตำราดนตรีของผลงานของเขาเป็นผู้สนับสนุนการใช้วิธีแสดงออกทางดนตรีอย่างมีเหตุผล ในฐานะนักเขียนบทละคร เขาอัปเดตแนวโอเปร่าด้วยการแนะนำองค์ประกอบต่างๆ โรงละครและโรงภาพยนตร์ ดังนั้นลักษณะเฉพาะของละครตัดต่อของ Prokofiev จึงมีลักษณะเฉพาะโดย M. Druskin: “ ละครของ Prokofiev ไม่ใช่การเปลี่ยนแปลง "เฟรม" อย่างง่าย ๆ ไม่ใช่ลานตาของตอนที่สลับกัน แต่เป็นการกลับชาติมาเกิดทางดนตรีของหลักการของ "ช้า" หรือ "เร็ว" ” การถ่ายภาพ บางครั้ง “ไหลบ่าเข้ามา” บางครั้ง “ ระยะใกล้” โอเปร่าของ Prokofiev ยังโดดเด่นด้วยความหลากหลายของภาพและสถานการณ์บนเวทีและขั้วในการสะท้อนของความเป็นจริง
บัลเล่ต์ของ Prokofiev
ลักษณะของศตวรรษที่ 20 แนวโน้มไปสู่การซิมโฟนีเซชันช่วยยกระดับประเภทบัลเล่ต์ไม่เพียง แต่ติดอันดับหนึ่งในผู้นำเท่านั้น แต่ยังทำให้เป็นคู่แข่งสำคัญของโอเปร่าอีกด้วย ในหลาย ๆ ด้าน (แนวโน้ม) มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ S. Diaghilev ซึ่งบัลเล่ต์ยุคแรก ๆ ของ Prokofiev เกือบทั้งหมดถูกสร้างขึ้นตามคำสั่ง
- ผู้แต่งยังคงดำเนินต่อไปและเสร็จสิ้นการปฏิรูปบัลเล่ต์ที่เริ่มต้นขึ้น โดยนำมาถึงจุดสุดยอดที่บัลเล่ต์เปลี่ยนจากการแสดงท่าเต้นเป็นละครเพลง
- จากสามบรรทัดชั้นนำของโรงละครบัลเล่ต์โซเวียต (วีรบุรุษ - ประวัติศาสตร์, คลาสสิก, เสียดสี) เป็นละครคลาสสิกที่มีลักษณะโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยาซึ่งกลายเป็นพื้นฐานสำหรับบัลเล่ต์ของ Prokofiev;
- บทบาทสำคัญของวงออเคสตราซึ่งเป็นระบบเพลงที่พัฒนาแล้ว
- “Ala and Lolliy” (1914) ซึ่งมีพื้นฐานมาจากโครงเรื่องของไซเธียน ดนตรีของเขามีอีกชื่อหนึ่งว่า "Scythian Suite"; กล้าหาญ เฉียบคม กล้าหาญ “The Jester” หรือ “The Tale of the Jester of Seven Jesters Who Told a Jester” (1915 – 1920) จัดแสดงที่ปารีส
- บัลเล่ต์แห่งยุค 20-30: (“ Trapezium”, 1924; “ Leap of Steel”, 1925; “ Prodigal Son”, 1928; “ On the Dnieper”, 1930, ในความทรงจำของ S. Diaghilev)
- บัลเล่ต์สามชิ้นเป็นผลงานชิ้นเอกที่สร้างขึ้นเมื่อเดินทางกลับบ้านเกิด (“โรมิโอและจูเลียต”, 2478; “ซินเดอเรลล่า”, 2483-2487; “The Tale of the Stone Flower”, 2491-2493)
ผลงานเครื่องดนตรีของ Prokofiev
ซิมโฟนี
- ลำดับที่ 1 (พ.ศ. 2459 - 2460) "คลาสสิก" ซึ่งผู้แต่งหันไปใช้ซิมโฟนิซึมประเภทที่ปราศจากข้อขัดแย้งในยุคก่อนเบโธเฟน (ซิมโฟนิซึมประเภท Haydn);
- ลำดับที่ 2–4 (1924, 1928, 1930) – ซิมโฟนีแห่งยุคต่างประเทศ Asafiev เรียกซิมโฟนีหมายเลข 2 ว่าเป็นซิมโฟนี "ของเหล็กและเหล็กกล้า" Symphonies หมายเลข 3 และหมายเลข 4 - ขึ้นอยู่กับเนื้อหาของโอเปร่า "Fiery Angel" และบัลเล่ต์ "Prodigal Son";
- ลำดับที่ 5–7 (1944, 1945–47, 1951–1952) – เขียนในยุคปลาย ซิมโฟนีมหากาพย์หมายเลข 5 สะท้อนถึงจิตวิญญาณแห่งสงคราม ซิมโฟนีหมายเลข 7 ซึ่งสร้างเสร็จไม่ถึงหนึ่งปีก่อนที่ผู้ประพันธ์จะเสียชีวิต แต่กลับเต็มไปด้วยการมองโลกในแง่ดีและความสุขของชีวิต
- S. Slonimsky ยังจัดคอนเสิร์ตซิมโฟนีสำหรับเชลโลใน B minor (1950 – 1952) ว่าเป็นซิมโฟนี
ผลงานเปียโนของ Prokofiev
การระบายสีแบบ "เหลือบ" "สอดคล้องกับการเล่นเปียโนที่ผิดกฎหมายของ Prokofiev เอง" (L. Gakkel)
ในทางกลับกัน นักแต่งเพลงของ Kuchkist ถึงตัวแทนของตะวันตก วัฒนธรรมดนตรี- ดังนั้นน้ำเสียงที่ร่าเริงของความคิดสร้างสรรค์, ความกลมกลืนของดนตรี, วิธีการพัฒนาฮาร์มอนิก (จุดอวัยวะ, ความเท่าเทียม ฯลฯ ), ความชัดเจนของจังหวะ, พูดน้อยในการนำเสนอความคิดทางดนตรีทำให้เขาคล้ายกับ Grieg; ความฉลาดในด้านความสามัคคี - กับ Reger; ความสง่างามของจังหวะทารันเทลล่าอยู่ที่ Saint-Saens (บันทึกโดย L. Gakkel)
สำหรับ Prokofiev ความชัดเจนของแนวคิดทางดนตรี ความเรียบง่ายสูงสุด และความชัดเจนในการนำไปปฏิบัติเป็นสิ่งสำคัญ ดังนั้นความปรารถนาที่จะ "โปร่งใส" ของเสียง (โดยทั่วไปสำหรับ งานยุคแรก) โดยที่ธีมมักปรากฏในรีจิสเตอร์ด้านบน และเมื่อความตึงเครียดแบบไดนามิกเพิ่มขึ้น จำนวนเสียงที่ทำให้เกิดเสียงก็จะลดลง (เพื่อไม่ให้เสียงดังมากเกินไป) ตรรกะทั่วไปของการพัฒนานั้นถูกกำหนดโดยการเคลื่อนไหวของแนวทำนอง
มรดกทางเปียโนของ Prokofiev ประกอบด้วยโซนาตา 9 ตัว (หมายเลข 10 ยังสร้างไม่เสร็จ), โซนาติน่า 3 ตัว, คอนแชร์โต 5 ตัว (หมายเลข 4 สำหรับมือซ้าย), ละครหลายเรื่อง, วงจรเปียโน (“ Sarcasms”, “ Fleetness”, “ Tales of an Old Grandmother” , ฉบับ ฯลฯ ) การถอดเสียงประมาณ 50 เรื่อง (ส่วนใหญ่เป็นผลงานของเขาเอง)
ความคิดสร้างสรรค์ Cantata-oratorio
Prokofiev สร้าง 6 บทเพลง:
“ เจ็ดคน” พ.ศ. 2460-2461, “ Cantata สำหรับวันครบรอบ 20 ปีของเดือนตุลาคม” พ.ศ. 2479-37, “ Zdravitsa” พ.ศ. 2482, “ Alexander Nevsky” พ.ศ. 2481-39, “ บทกวีของเด็กชายที่ยังไม่มีใครรู้จัก” พ.ศ. 2485-43, “ เจริญรุ่งเรือง , ดินแดนอันยิ่งใหญ่ "พ.ศ. 2490, oratorio "ผู้พิทักษ์แห่งสันติภาพ" พ.ศ. 2493
หนึ่งในตัวอย่างแรกของแนวทางใหม่ในประเภทของแคนทาทาทางประวัติศาสตร์นั้นถือเป็นแคนทาทาเคลื่อนไหวเดียวของ Prokofiev "The Seven of Them" ซึ่งเขียนลงในตำราของ "Calls of Antiquity" ของ Balmont - คาถา Chaldean กลายเป็นบทกวีสำหรับ คาถาอสูรทั้งเจ็ด ต่อต้านเทพ ขัดขวางชีวิต ในบทเพลง แนวโน้มของไซเธียนเกี่ยวพันกับคอนสตรัคติวิสต์ ซึ่งเป็นลักษณะของห้องไซเธียนและซิมโฟนีหมายเลข 2 เช่นกัน คาดว่าจะมีเทคนิคการเขียนนักร้องประสานเสียงที่ดังสนั่น วิธีการแสดงออกหลักคือเทคนิค ostinato ในด้านหนึ่งใกล้กับคาถาโบราณ ในทางกลับกันก็มาจากดนตรีในยุคปัจจุบัน
“ Cantata สำหรับวันครบรอบ 20 ปีของเดือนตุลาคม” เกิดขึ้นภายใต้ความประทับใจในการกลับมาของนักแต่งเพลงที่บ้านเกิดของเขาและความปรารถนาที่จะบันทึกเหตุการณ์การสร้างยุคสมัยของโซเวียตรัสเซีย แก่นแท้ของอุดมการณ์: การปฏิวัติสังคมนิยมครั้งใหญ่ในเดือนตุลาคม ชัยชนะ การพัฒนาอุตสาหกรรมของประเทศ รัฐธรรมนูญ ข้อความประกอบด้วยเศษผลงานของมาร์กซ์ สตาลิน และเลนิน คณะกรรมการศิลปะปฏิเสธงานนี้เนื่องจากแนวคิดในการแปลธีมเหล่านี้เป็นดนตรีถือเป็นการดูหมิ่นศาสนา รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นเฉพาะในปี 1966
บทประพันธ์ทางประวัติศาสตร์ (วีรบุรุษผู้รักชาติ) ที่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง“ Alexander Nevsky” เป็นการสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่โดย Prokofiev โดยอิงจากเนื้อหาทางดนตรีของภาพยนตร์ชื่อเดียวกัน (ตำราโดยนักแต่งเพลงและ V. Lugovsky) ใน 7 ส่วนของ cantata ("มาตุภูมิใต้แอกมองโกล", "เพลงของอเล็กซานเดอร์เนฟสกี้", "ครูเซเดอร์ในปัสคอฟ", "ลุกขึ้น, ชาวรัสเซีย", "การต่อสู้ของน้ำแข็ง", "ทุ่งแห่งความตาย", "การเข้ามาของอเล็กซานเดอร์ เข้าสู่ Pskov”) มีการสังเกตปฏิสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดระหว่างหลักการที่น่าทึ่งของการแต่งเพลงระดับมหากาพย์และการตัดต่อภาพยนตร์:
- มหากาพย์ - โดยเน้นที่ผู้คนเป็นหลัก นักแสดงชายการตีความภาพลักษณ์ของ Alexander Nevsky โดยทั่วไปโดยมีลักษณะเป็นเพลงเกี่ยวกับเขา
- หลักการติดตั้งปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนในฉากการต่อสู้น้ำแข็งผ่านการเชื่อมต่อของสิ่งใหม่ วัสดุดนตรีเนื่องจากไดนามิกของช่วงการมองเห็น ในขณะเดียวกันก็ทำงานในระดับของรูปแบบ - ในลำดับของส่วนที่เป็นอิสระในขณะที่บางครั้งโครงสร้างภายในถูกสร้างขึ้นบางครั้งการพัฒนาไม่เป็นไปตามตรรกะของรูปแบบมาตรฐานใด ๆ
พลวัตทั่วไปของวิวัฒนาการของสไตล์ของ S. Prokofiev นั้นมีความโน้มเอียงไปทางทำนองเพลงที่เพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ เมื่อเปรียบเทียบกับทักษะยนต์และเชอร์โซซึ่งมีความสำคัญเป็นผู้นำในช่วงแรกของการสร้างสรรค์ซึ่งอย่างไรก็ตามไม่ได้เกี่ยวข้องกับ วิวัฒนาการของผลงานของนักแต่งเพลง แต่ถูกกำหนดโดยประเทศใดและเมื่อใดที่เขาอาศัยอยู่
ร่วมกับนักสร้างสรรค์คนอื่น ๆ (C. Debussy, B. Bartok) ในงานของเขาเขาได้ระบุแนวทางใหม่ในการพัฒนาดนตรีแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ
คุณชอบมันไหม? อย่าซ่อนความสุขของคุณจากโลก - แบ่งปันมันSergei Prokofiev อัจฉริยะชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 20 มีอายุครบ 125 ปี Sergei Prokofiev หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีรัสเซียได้ทิ้งมรดกอันยิ่งใหญ่ไว้ แต่วันนี้ฉันอยากจะเตือนทุกคนเกี่ยวกับผลงานเหล่านั้นของนักแต่งเพลงโดยที่ไม่เพียงแต่เป็นภาษารัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึง วัฒนธรรมโลก- โปรโคเฟียฟทำได้! สุขสันต์วันเกิด Sergey Sergeevich!
"ปีเตอร์กับหมาป่า"
ปรากฎว่าในการจัดอันดับโลกนี่เป็นผลงานหลักที่ได้รับความนิยมและเป็นที่รู้จักมากที่สุดของ Sergei Prokofiev และผลงานคลาสสิกของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 - บางทีก็เช่นกัน นิทานไพเราะได้รับการแสดงนับครั้งไม่ถ้วนโดยทุกคน ตั้งแต่มิคาอิล กอร์บาชอฟ และปีเตอร์ อุสตินอฟ ไปจนถึงเดวิด โบวี และสติง และคลอดิโอ อับบาโด เป็นสิ่งสำคัญมากที่การที่เด็ก ๆ เข้าสู่โลกแห่งดนตรีไพเราะทั่วโลกนั้นเกิดขึ้นตามธรรมเนียมด้วยความช่วยเหลือของ Petya และหมาป่าของเรา
Sergei Prokofev ออกจากรัสเซียในฤดูใบไม้ผลิปี 1918 และกลับมาในฤดูใบไม้ผลิปี 1936 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเขาอยู่ในรัสเซียเพียงสองครั้งในทัวร์ - ในปี 1929 และ 1932 ดังนั้นเขาอาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกาเป็นหลักร่วมกับภรรยาชาวสเปนของเขาและได้รับการเคารพในฐานะนักแต่งเพลงแนวหน้าผู้จริงจัง “ Peter and the Wolf” เป็นผลงานชิ้นแรกของเขาที่เขียนในบ้านเกิดของสหภาพโซเวียตใหม่สำหรับโรงละครเด็กของ Natalia Sats ก่อนหน้านี้มีเพลงประกอบภาพยนตร์ยอดเยี่ยมเรื่อง "Lieutenant Kizhe" แต่ Prokofiev ปฏิบัติตามคำสั่งนี้จากกระทรวงวัฒนธรรมโซเวียตจากต่างประเทศ แต่ “Peter and the Wolf” ก็เป็นสะพานเชื่อมระหว่างวัฒนธรรม และความนิยมอันน่าอัศจรรย์ของเรื่องนี้ก็ส่วนหนึ่งมาจากเรื่องนี้เช่นกัน เรานำเสนอเรื่องราวแอนิเมชันสองเวอร์ชัน ได้แก่ ในประเทศ หุ่นเชิด และยุโรป ตั้งแต่ปี 2550
"อเล็กซานเดอร์ เนฟสกี้"
นักพิถีพิถันสามารถตำหนิ Samkult ในเรื่องความประมาทเลินเล่อพวกเขากล่าวว่า "Alexander Nevsky" โดย Sergei Prokofiev มีอยู่ในรูปแบบของงานที่แตกต่างกัน แต่เราไม่ได้พูดถึงผลงาน แต่เกี่ยวกับความจริงที่ว่า Sergei Prokofiev ผู้ซึ่งกระตือรือร้นที่จะกลับบ้านเกิดของเขา และมีความกระตือรือร้นในการทำงาน อำนาจของสหภาพโซเวียตแม้กระทั่งก่อนสงคราม (พ.ศ. 2481) ได้เขียนเพลงชาติรัสเซียที่แท้จริงให้กับภาพยนตร์ของไอเซนสไตน์ “ ลุกขึ้นคนรัสเซีย!” - เพลงการต่อสู้เดียวกันกับนักรบรัสเซียที่ยืนขวางทางอัศวินสุนัข และวลี: โอ้จดหมายลูกโซ่นั้นสั้น! - ออกเสียงตามเพลงนี้ และมีชาวรัสเซียกี่คนที่ยอมตายเพื่อมาตุภูมิด้วยคำพูดเหล่านี้และเพลงปลุกนี้? แน่นอนว่ามีความขัดแย้งบางประการในเรื่องนี้ - นักแต่งเพลงสมัยใหม่เมื่อวานนี้ซึ่งถูกทางการป้อนมากเกินไปเขียนเพลงหลอกรัสเซีย แต่เป็น Prokofiev ที่มีสิทธิ์เช่นนี้โดยกำเนิด แม่ของเขาซึ่งเป็นนักเปียโนที่เก่งกาจมาจากชาวนาในตระกูล Sheremetev ซึ่งได้รับการศึกษาที่ยอดเยี่ยมมาโดยตลอด เป็นแม่ของเขาที่ผลักดัน Seryozha ให้เรียนดนตรีและเด็กชายจากที่ราบโดเนตสค์ก็กลายเป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 20
"โรมิโอและจูเลียต"
บัลเล่ต์สุดอลังการนี้ได้รับความนิยมสูงสุดบนอินเทอร์เน็ต เพลงธีมซึ่งมาจากปากกาของ Prokofiev บางทีผู้ชื่นชอบอาจจะแปลกใจ แต่นี่คือ "การเต้นรำของอัศวิน" บัลเล่ต์ของ Prokofiev ถือเป็นจุดเด่นของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 เช่นเดียวกับภาพยนตร์ของ Tarkovsky และบทกวีของ Akhmatova นี่เป็นหนึ่งในผลงานบัลเล่ต์ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลก จัดแสดงโดยทุกคนและทุกที่ บัลเล่ต์ถูกเขียนขึ้นก่อนที่จะกลับไปยังสหภาพโซเวียตและการสิ้นสุดของมันเป็นแง่ดีไม่เหมือนกับเช็คสเปียร์ แต่จากนั้นบทความ "ความสับสนแทนดนตรี" ก็ถูกตีพิมพ์ซึ่งโชสตาโควิชถูกทิ้งร้างและผู้แต่งก็กลัวมาก Prokofiev เขียนตอนจบใหม่และทำให้มันน่าเศร้า เช่นเดียวกับเช็คสเปียร์
กูร์เทียร์ โปรโคฟิเยฟ
Sergei Sergeevich กลับมาที่สหภาพโซเวียตเข้าใจว่ามีความเสี่ยงสูง แต่ชื่อเสียงและโอกาสที่รอเขาอยู่ทำให้เขากล้าเสี่ยง Prokofiev ได้รับรางวัลเลนินและรางวัลสตาลินหกรางวัล! ผลงานที่โดดเด่นชิ้นหนึ่งของเขาคือบทเพลงฉลองครบรอบ 60 ปีของโจเซฟ วิสซาริโอโนวิช สิ่งที่ทำให้งานของลัทธิหลังสมัยใหม่แบบเผด็จการนี้มีความพิเศษเป็นพิเศษคือความจริงที่ว่า Cantata ถูกกล่าวหาว่าเขียนบนพื้นฐานของ เพลงพื้นบ้าน- หรือค่อนข้างหลอกชาวบ้านเลียนแบบคติชนและความรักของผู้คนที่มีต่อผู้นำ
ไม่ทราบชื่อ Prokofiev
ในปี 1948 พายุฝนฟ้าคะนองพัดผ่านศีรษะของ Prokofiev เขาตกอยู่ภายใต้การรณรงค์เพื่อต่อสู้อีกครั้ง คราวนี้พวกเขาต่อสู้กับลัทธิแบบแผน ต่อต้านการเบี่ยงเบนไปจากหลักการของสัจนิยมสังคมนิยม และซิมโฟนีที่หกของ Prokofiev ร่วมกับโอเปร่าทดลองเรื่อง The Tale of a Real Man ก็ถูกทุบจนพังทลาย ต่อมาซิมโฟนีได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานชิ้นเอกและมีการแสดงเป็นประจำ แต่โอเปร่าไม่โชคดีนัก รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นหลังจากผู้แต่งเสียชีวิตเมื่อวันที่ 7 ตุลาคม พ.ศ. 2503 เท่านั้น โรงละครบอลชอย- ในปี 2545 การแสดงคอนเสิร์ตของโอเปร่าเกิดขึ้นภายใต้การดูแลของ V. A. Gergiev ในปี 2548 โอเปร่านี้จัดแสดงโดย D. A. Bertman ที่ Helikon Opera (มอสโก) ภายใต้ชื่อ "Fallen from the Sky" สำหรับการผลิตของเขา เบิร์ตแมนใช้โอเปร่าเวอร์ชันย่อโดย A. G. Schnittke โดยใช้เนื้อหาดนตรีจากบทเพลง "Alexander Nevsky" ของ Prokofiev ในปีเดียวกันนั้น โอเปร่าของ Prokofiev ได้รับการจัดแสดง (พร้อมการตัด) ที่ Saratov Opera House โอเปร่าไม่เคยจัดแสดงทั้งหมดเลย (ไม่มีการตัดทอน) แต่ถึงกระนั้นมันก็แพร่กระจายไปสู่มีมแม้กระทั่งในยุคก่อนอินเทอร์เน็ต: เนื้อตายเน่าเนื้อตายเน่าขาของเขาจะขาด - ทุกคนรู้เรื่องนี้จากโรงเรียน และนี่คือ Prokofiev ด้วย
Prokofiev Sergei Sergeevich เกิดเมื่อวันที่ 11 เมษายน (23) พ.ศ. 2434 ในหมู่บ้าน Sontsovka จังหวัด Ekaterinoslav ความรักในเสียงดนตรีได้รับการปลูกฝังให้กับเด็กชายโดยแม่ของเขาซึ่งเป็นนักเปียโนที่ดีและมักเล่นโชแปงและเบโธเฟนให้กับลูกชายของเธอ Prokofiev ได้รับการศึกษาระดับประถมศึกษาที่บ้าน
กับ อายุยังน้อย Sergei Sergeevich เริ่มสนใจดนตรีและเมื่ออายุได้ห้าขวบเขาก็แต่งผลงานชิ้นแรกของเขา - ชิ้นเล็ก ๆ "Indian Gallop" สำหรับเปียโน ในปี 1902 นักแต่งเพลง S. Taneyev ได้ยินผลงานของ Prokofiev เขาประทับใจในความสามารถของเด็กชายมากจนเขาขอให้ R. Gliere สอนบทเรียนเกี่ยวกับทฤษฎีการแต่งเพลงของ Sergei
กำลังศึกษาอยู่ที่เรือนกระจก เวิลด์ทัวร์
ในปี 1903 Prokofiev เข้าสู่ Conservatory เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในบรรดาครูของ Sergei Sergeevich นั้นเป็นนักดนตรีชื่อดังเช่น N. Rimsky-Korsakov, Y. Vitola, A. Lyadova, A. Esipova, N. Cherepnina ในปี 1909 Prokofiev สำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจกในฐานะนักแต่งเพลง ในปี 1914 ในฐานะนักเปียโน ในปี 1917 ในฐานะนักออร์แกน ในช่วงเวลานี้ Sergei Sergeevich ได้สร้างโอเปร่าเรื่อง Maddalena และ The Gambler
เป็นครั้งแรกที่ Prokofiev ซึ่งชีวประวัติของเขาเป็นที่รู้จักในสภาพแวดล้อมทางดนตรีของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้แสดงผลงานของเขาในปี 1908 หลังจากสำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจกตั้งแต่ปีพ. ศ. 2461 Sergei Sergeevich ได้ไปเที่ยวมากมายเยี่ยมชมญี่ปุ่นสหรัฐอเมริกาลอนดอนและปารีส ในปี 1927 Prokofiev ได้สร้างโอเปร่า The Fiery Angel ในปี 1932 เขาได้บันทึกคอนเสิร์ตครั้งที่สามในลอนดอน
ความคิดสร้างสรรค์สำหรับผู้ใหญ่
ในปี 1936 Sergei Sergeevich ย้ายไปมอสโคว์และเริ่มสอนที่เรือนกระจก ในปี 1938 เขาทำงานบัลเล่ต์เรื่องโรมิโอและจูเลียตเสร็จ ในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ เขาได้สร้างบัลเล่ต์เรื่อง Cinderella, โอเปร่า War and Peace และดนตรีประกอบภาพยนตร์เรื่อง Ivan the Terrible และ Alexander Nevsky
ในปีพ. ศ. 2487 นักแต่งเพลงได้รับตำแหน่งศิลปินผู้มีเกียรติแห่ง RSFSR ในปีพ. ศ. 2490 - ชื่อศิลปินประชาชนของ RSFSR
ในปี 1948 Prokofiev ทำงานในโอเปร่าเรื่อง The Tale of a Real Man เสร็จ
ปีที่ผ่านมา
ในปีพ. ศ. 2491 ได้มีการออกมติของคณะกรรมการกลางของพรรคคอมมิวนิสต์ All-Union แห่งบอลเชวิคซึ่ง Prokofiev ถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงในเรื่อง "พิธีการ" ในปีพ. ศ. 2492 ที่การประชุมครั้งแรกของสหภาพนักแต่งเพลงแห่งสหภาพโซเวียต Asafiev, Khrennikov และ Yarustovsky ประณามโอเปร่าเรื่อง "The Tale of a Real Man"
ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2492 Prokofiev ไม่เคยออกจากเดชาของเขาเลยและยังคงสร้างสรรค์ผลงานอย่างต่อเนื่อง นักแต่งเพลงสร้างบัลเล่ต์ "The Tale of the Stone Flower" และคอนเสิร์ตซิมโฟนี "Guardian of the World"
ชีวิตของนักแต่งเพลง Prokofiev ถูกตัดให้สั้นลงในวันที่ 5 มีนาคม พ.ศ. 2496 นักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่เสียชีวิตด้วยวิกฤตความดันโลหิตสูงในอพาร์ตเมนต์ส่วนกลางในมอสโก Prokofiev ถูกฝังอยู่ที่สุสาน Novodevichy ในมอสโก
ชีวิตส่วนตัว
ในปี 1919 Prokofiev ได้พบกับภรรยาคนแรกของเขา Lina Codina นักร้องชาวสเปน ทั้งคู่แต่งงานกันในปี พ.ศ. 2466 และไม่นานก็มีบุตรชายสองคน
ในปี 1948 Prokofiev แต่งงานกับ Mira Mendelson ซึ่งเป็นนักเรียน สถาบันวรรณกรรมซึ่งเขาพบในปี พ.ศ. 2481 Sergei Sergeevich ไม่ได้ฟ้องหย่าจาก Lina Kodina เนื่องจากในสหภาพโซเวียตการแต่งงานที่สรุปในต่างประเทศถือว่าไม่ถูกต้อง
ตัวเลือกชีวประวัติอื่น ๆ
- นักแต่งเพลงในอนาคตสร้างโอเปร่าเรื่องแรกเมื่ออายุเก้าขวบ
- งานอดิเรกอย่างหนึ่งของ Prokofiev คือเล่นหมากรุก นักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมบอกว่าการเล่นหมากรุกช่วยให้เขาสร้างสรรค์ดนตรีได้
- งานสุดท้ายที่ Prokofiev ได้ยินมา ห้องคอนเสิร์ตคือซิมโฟนีที่เจ็ดของเขา (พ.ศ. 2495)
- Prokofiev เสียชีวิตในวันที่เขาเสียชีวิต